Anche quest’anno, come il 2016, si è rivelato ricco di importanti uscite: il ritorno dei Gorillaz e dei Fleet Foxes e i nuovi lavori di star come Lorde, Drake e Kendrick Lamar hanno preso molta attenzione nel pubblico e nei media. Noi di A-Rock abbiamo fatto il possibile, ma inevitabilmente qualche CD lo abbiamo lasciato per strada nelle nostre analisi. Ecco quindi un breve riassunto delle uscite più rilevanti degli ultimi mesi che sono comunque degne di un ascolto.

Thundercat, “Drunk”

La parabola di Stephen Bruner (meglio conosciuto come Thundercat) è davvero curiosa. Venuto alla ribalta come bassista di grande talento, con collaborazioni del calibro di Kanye West e Flying Lotus, da qualche anno a questa parte ha iniziato a scrivere musica di persona, producendo CD molto interessanti, un mix di funk, jazz e rock. La sua vita ha subito una virata decisiva con la morte dell’amico e collaboratore Austin Peralta nel 2012: da quel momento, il tema della morte e una malinconia a volte opprimente permeano i suoi lavori.

Ne è emblema anche questo “Drunk”, quarto album a nome Thundercat di Bruner. La partenza è quasi serena: un insieme di pezzi velocissimi e nervosi, infusi di funk (Captain Stupido), jazz (Uh Uh) e momenti à la Prince, come in A Fan’s Mail (Tron Suite II). Il mood dell’album si fa però progressivamente più triste, fino a diventare disperato nella parte conclusiva (emblematica DUI).

Menzione finale per le collaborazioni: se Thundercat ha convinto artisti del calibro di Pharrell Williams, Kendrick Lamar e Wiz Khalifa a far parte di “Drunk” un motivo ci sarà. In particolare, la traccia con K-Dot, Walk On By, è molto riuscita; bella anche Show You The Way.

In conclusione, un LP con 23 canzoni, per una durata totale di oltre un’ora, non può essere perfetto; “Drunk”, però, in certi tratti ci va davvero vicino. Tra i migliori CD di musica nera degli ultimi anni.

Voto finale: 8,5.

Vince Staples, “Big Fish Theory”

Il secondo, attesissimo album del rapper Vince Staples lo trova ad un bivio fondamentale nella sua fino ad ora fulminante carriera: mentre nel precedente CD, l’acclamato “Summertime ‘06” (2015) Vince presentava un rap meditativo e più calmo di molti suoi colleghi, già nell’EP dello scorso anno, “Prima Donna”, avevamo intravisto un cambiamento in atto: ritmi più cupi, temi trattati molto difficili (su tutti il suicidio, basta sentirsi la title track).

“Big Fish Theory” fonde fra loro elettronica e hip hop in un modo davvero unico: Staples, infatti, cerca di adattare i beat spesso ossessivi della dance al suo flow, come sempre fluviale e mai banale. I risultati non sono perfetti, ma senza dubbio buoni: spiccano in particolare le grandi collaborazioni, tra cui Damon Albarn e Kendrick Lamar, e i numerosi produttori di grido coinvolti, come Flume e Justin Vernon.

I temi trattati sono, ancora una volta, ancorati alla morte e al suicidio: in più interviste Vince Staples ha confermato di essere stato sconvolto dalla morte di Amy Winehouse e dal trattamento da lei ricevuto dai media mentre era ancora in vita. Non è un caso che il rapper, nella vita quotidiana, mantenga un profilo molto basso, lontano dai paparazzi e dagli eccessi: nessun Kanye West, insomma. L’omaggio ad Amy arriva in Alyssa Interlude, dove viene proposta un’intervista da lei rilasciata nel 2006, perfettamente funzionale al brano e all’intero disco.

Tra le canzoni migliori abbiamo Big Fish, 745 e Yeah Right, la collaborazione con Kendrick: possiamo dire che sono a confronto i due migliori rapper della loro generazione. Tra i difetti del disco abbiamo l’eccessiva brevità (dura appena 36 minuti) e l’eccessiva frammentazione, che non ne rende facile l’ascolto. Tuttavia, i meriti del CD sono molti: in un tweet poi cancellato, Staples aveva proclamato spavaldo che “Big Fish Theory” sarebbe stato un disco futuristico. Beh, non sarà un LP superbo, ma certamente rappresenta un passo da gigante nella discografia di Vince Staples e un’interessante fusione fra elettronica ed hip hop.

Voto finale: 8.

Paramore, “After Laughter”

Il quarto album dei Paramore è una rinfrescata necessaria al loro sound. La band capitanata da Hayley Williams, infatti, non si limita a percorrere i sentieri pop-rock delle origini, ma cerca di rifarsi al pop anni ’80 tipico di Police e Talking Heads.

“After Laughter” è il quinto album a firma Paramore, il primo dopo l’eponimo “Paramore” del 2013: se precedentemente il gruppo era famoso come alfiere della musica emo, i membri hanno sempre cercato di innovare, aprendo al funk e al pop-rock, sempre però nei sentieri ben precisi della musica emo. Tuttavia, rispetto ai contemporanei (per esempio, Tokyo Hotel e Brand New), i Paramore hanno mantenuto un livello di scrittura e profondità testuale ben maggiore: non solo ansie giovanili, ma anche temi delicati come il suicidio e la solitudine.

“After Laughter” era quindi atteso con trepidazione: Williams & co. avrebbero mantenuto il buon livello dei precedenti lavori? La risposta è un sì convinto: malgrado i numerosi avvicendamenti nella formazione, tra cui l’abbandono del bassista Jeremy Davis e il ritorno del primo batterista Zac Farro, dopo sei anni di pausa, la formula dei Paramore si è arricchita, come già ricordato, di chiari riferimenti al pop anni ’80 e alle band simbolo di quel periodo.

Un’operazione molto simile era stata effettuata dai The 1975 l’anno scorso, con ambizione e rischio ancora più grandi; i Paramore riescono a non cadere nel tranello della troppa voglia di fare e creano un prodotto compatto e godibile, una conferma del loro talento e versatilità.

Tra i brani migliori abbiamo Rose-Colored Boy e Told You So, che rendono la parte iniziale del CD davvero interessante; da ricordare anche Fake Happy, Pool e Grudges, che rievocano da vicino i Police e i Talking Heads al loro apice. Meno riuscite invece le ballate, come Forgiveness e la conclusiva Tell Me How.

In generale, va apprezzata la voglia di sperimentare nuove sonorità di un gruppo che avrebbe potuto tranquillamente continuare a far piangere adolescenti fragili suonando stanche e monotone canzoni emo, ma che invece non perde la voglia di sorprendere il proprio pubblico.

Voto finale: 8.

(Sandy) Alex G, “Rocket”

Classe 1993, già 8 album alle spalle: se non parliamo di un prodigio, poco ci manca. Alexander Giannascoli, cantante di chiara origine italiana e con nome d’arte Alex G, da poco cambiato in (Sandy) Alex G, ricorda a tutti che la prolificità non è sempre sinonimo di lavori abborracciati: ne sia esempio anche l’instancabile Ty Segall. “Rocket”, tuttavia, è il primo album di Alex con l’etichetta Domino, fra le più importanti in ambito indie rock; e infatti il CD ha avuto maggior risonanza dei precedenti suoi LP.

“Rocket” colpisce soprattutto per la capacità di evocare tempi lontani senza sembrare un plagio di autori più quotati: prendendo spunto da autori come il compianto Elliott Smith e Wilco, con una spruzzata di Pavement, Alex G propone una summa dell’indie anni ’90-’00, colpendo per varietà stilistica e apparente semplicità di scrittura. Niente di clamorosamente innovativo, dunque, ma certo un lavoro molto interessante, da ascoltare per tutti gli amanti di quegli anni a cavallo di due secoli.

Parlando strettamente di musica, abbiamo ottime canzoni, soprattutto nella prima parte: il poker iniziale di canzoni, formato da Poison Root, Proud, County e Bobby, è per esempio molto riuscito, un po’ lo-fi, un po’ country e il restante terzo indie; colpisce poi la violenza quasi hard rock di Brick, mentre la strumentale Horse delude leggermente.

Nella seconda parte abbiamo invece come highlight la dolce Alina, ma anche Powerful Man non è trascurabile. In generale, a parte qualche passo falso, “Rocket” si mantiene su alti livelli, facendo sperare che il mondo dell’indie rock abbia trovato un nuovo, grande interprete in Alexander Giannascoli. L’età e il talento sono dalla sua parte: lo aspettiamo fiduciosi alla prossima prova.

Voto finale: 8.

Spoon, “Hot Thoughts”

Il nono album dei veterani dell’indie rock statunitense mantiene l’alto livello dei precedenti lavori di Britt Daniel & co., cercando contemporaneamente di instillare nuove sonorità nel tipico genere della band. Infatti, accanto al tradizionale indie rock, che ha fatto le fortune del gruppo anche grazie a stupendi lavori come “Kill The Moonlight” (2002), abbiamo dei passaggi di funk ed elettronica che rendono questo “Hot Thoughts” molto intrigante.

Non sono molte le band che riescono ad operare significativi cambiamenti nel loro sound 24 anni dopo la loro fondazione (gli Spoon sono infatti nati nel 1993) e dopo otto album di successo: la caratteristica peculiare della band texana è che hanno sempre sperimentato nuovi colori e ritmi nel loro sound, basandosi però su una stretta aderenza al mondo del rock. In generale, dunque, non c’è che da essere soddisfatti per un LP così variegato e riuscito: ecco, diciamo che se gli Strokes tornassero ai livelli dei loro primi lavori cercando di mantenere il percorso più sperimentale intrapreso dopo “Angles”, il loro CD suonerebbe così.

Tra i brani degni di nota abbiamo la title track, WhisperI’lllistentohearit e la super funk First Caress. Molto strana la quasi solo strumentale Pink Up, molto lunga ed elettronica, decisamente un pezzo poco spooniano; più tradizionale invece Can I Sit Next To You. La seconda parte perde leggermente vigore, ma i risultati sono comunque buoni.

In conclusione, “Hot Thoughts” si aggiunge meritatamente ad una discografia già eccellente: gli Spoon restano ancora un gruppo fondamentale per gli amanti dell’indie.

Voto finale: 8.

Stormzy, “Gang Signs & Prayer”

L’esordio tanto atteso del giovane artista inglese Stormzy è uno dei migliori CD dell’anno di musica grime. Cosa si intende con questo termine? Il solco seguito è senza dubbio quello dell’hip hop, ma il grime è ancora più duro e i temi trattati riguardano di solito la vita nei sobborghi delle grandi città britanniche. Insomma, un qualcosa di molto simile al gangsta rap degli anni ’90 del secolo scorso, solo ambientato in UK. Skepta (artista che ha anche collaborato all’ultimo CD di Drake) ne è il massimo esponente, ma Stormzy è il giovane rampante che cerca di far conoscere il grime anche al di fuori della ristretta cerchia dei fans “ortodossi”.

Stormzy tenta di raggiungere questo scopo mescolando al grime anche sonorità più morbide, fino ad avvicinarsi al gospel e al soul. Esperimento ambizioso e, per la verità, in gran parte riuscito. Infatti, dopo la partenza sparata con First Things First e Cold, abbiamo anche brani più intimisti come Blinded By Your Grace, Pt.1 e Velvet/Jenny Francis (Interlude).

I temi trattati sono in gran parte sintetizzabili nel titolo dell’album: “Gang Signs & Prayer” infatti parla prevalentemente dei temi tipici del grime, con le basi oscure e ossessive che caratterizzano il genere. Potrà non piacere, ma all’interno dell’hip hop è senza dubbio un’innovazione che sta rivitalizzando il mondo della musica black.

Con 16 canzoni e una durata vicina ai 60 minuti, non tutto può essere perfetto; tuttavia, aspettiamo con impazienza una nuova prova da parte del giovane Stormzy, per capire meglio se in lui prevarrà la parte rap o quella più melodica del gospel/soul. Per ora, questo “Gang Signs & Prayer” è un ottimo esordio per uno dei maggiori talenti nati nella musica nera degli ultimi anni.

Voto finale: 8.

SZA, “CTRL”

L’esordio della giovane Solána Imani Rowe, in arte SZA, arriva dopo due brevi EP, “S” e “Z”. Ci saremmo aspettati una “A” per chiudere la trilogia, invece la cantante americana ha optato per “CTRL”. Il titolo, in effetti, è evocativo di un tema che pervade molti brani nel CD: il controllo della propria sessualità e della propria femminilità. “CTRL”, infatti, tratta in pressoché ogni pezzo la questione della libertà sessuale della giovane SZA, ma non solo: il messaggio può essere universalmente inteso ed è molto attuale. Basti pensare, ad esempio, al proliferare delle app per incontri e alla superficialità che i rapporti amorosi, soprattutto fra gli adolescenti, denotano da alcuni anni a questa parte.

Musicalmente parlando, l’album è un ottimo esempio di R&B moderno, con inserti di hip hop (basti guardare agli ospiti, da Kendrick Lamar a Travis Scott). SZA sfodera le canzoni migliori all’inizio e alla fine: molto bella la doppietta iniziale rappresentata da Supermodel e Love Galore, così come la conclusiva 20 Something. La caratteristica più apprezzabile è che il disco sembra avere un andamento circolare: come partiamo, vale a dire con un brano semplice e con strumentazione minimale, così arriviamo. Delude, purtroppo, la collaborazione con Kendrick, la scialba Doves In The Wind: il suo verso è fuori contesto, a dimostrazione che lui è “solamente” il miglior rapper in circolazione, l’R&B non fa per lui.

Altri brani riusciti, per contro, sono la vivace Prom e Pretty Little Birds; delude invece la parte centrale del disco, un po’ monotona. In generale, insomma, sono rintracciabili sia le influenze che i principali difetti del CD: se Solange, The Weeknd e Frank Ocean sono i riferimenti artistici di SZA, non tutti sono in grado di costruire capolavori come “Channel Orange” oppure “A Seat At The Table”. Aspettiamo SZA alla seconda prova: la stoffa sembra esserci.

Voto finale: 7,5.

Feist, “Pleasure”

Il quinto album della canadese Leslie Feist, precedentemente nei Broken Social Scene, è un concentrato delle sue migliori qualità: coesione sonora, bel tono di voce e dettagli sempre sorprendenti ad impreziosire le canzoni (il breve intermezzo heavy metal alla fine di A Man Is Not His Song è davvero divertente).

In generale, l’indie rock di “Pleasure” è più pensoso del solito: se pensiamo ai principali interpreti del genere, ad esempio Strokes e Franz Ferdinand, si delinea un genere veloce e ballabile. In realtà, questo CD è molto più complesso e denso di quanto si possa pensare: le canzoni superano spesso i 5 minuti di durata e il rock si intreccia al chamber pop. Insomma, Feist risulta in “Pleasure” un mix fra PJ Harvey e Angel Olsen: due fra le massime interpreti femminili del rock contemporaneo.

Il CD si apre con la rockettara title track, fra i pezzi migliori del disco. Accanto ad essa tuttavia, come già accennato, troviamo pezzi molto più “tranquilli” come Lost Dreams e Young Up, altri due highlights. Non male anche Get Not High, Get Not Low e Any Party. Tra i punti deboli, contiamo la fin troppo lunga e monotona Baby Be Simple; la collaborazione con Jarvis Cocker, frontman dei Pulp, rende Century passabile, altrimenti non sarebbe nulla di speciale.

Il giudizio complessivo resta comunque positivo: non parliamo del lavoro della vita per Feist, ma certamente un altro solido lavoro che va ad aggiungersi ad un’ottima discografia. Nessuna replica del bellissimo “The Reminder” (2007), insomma, ma “Pleasure” non deluderà i fan dell’artista canadese.

Voto finale: 7,5.

Julie Byrne, “Not Even Happiness”

Il secondo CD della cantante folk statunitense Julie Byrne ha attirato l’attenzione della critica fin dall’uscita, il 27 gennaio 2017. Un insieme di 9 canzoni (meglio, 8 più un breve intermezzo strumentale) che colpiscono per la capacità delle melodie, spesso molto semplici peraltro, di evocare davvero un mondo di sentimenti.

In particolare, la giovane Byrne riesce, anche grazie alla sua voce profonda, a ricordare i grandi maestri del genere, su tutti Bob Dylan e Sufjan Stevens. Le canzoni di per sé non sono clamorosamente innovative o radicali, ma creano un CD coeso e malinconico sui sentimenti provati dalla cantautrice (il titolo “Not Even Happiness” dice tutto a riguardo).

Le canzoni migliori sono Sleepwalker e Natural Blue, ma anche Follow My Voice è molto affascinante. Il ridotto numero di canzoni impedisce di valutare appieno la bravura della Byrne, ma la stoffa sembra esserci. La attendiamo alla fatidica prova del terzo album.

Voto finale: 7,5.

Ryan Adams, “Prisoner”

Il sedicesimo album solista di Ryan Adams (EP compresi), star americana del country e del rock, è anche il suo più personale. Infatti, il tema principale trattato nel CD è il dolore provato dopo il divorzio dalla cantante Mandy Moore. Un “breakup album”, dunque, che tuttavia non ricorda neanche lontanamente i Dirty Projectors dell’omonimo album “Dirty Projectors” uscito a marzo: Adams si mantiene nei consueti sentieri del rock/country, alternativo ma orecchiabile, genere che ne ha fatto la fortuna.

Non siamo sugli eccellenti livelli di “Heartbreaker” (2000), vero capolavoro di Adams, ma almeno al buonissimo “Gold” (2001) questo “Prisoner” ci si avvicina. Degne di nota sono Do You Still Love Me, che già nel titolo dice tutto; la calda Haunted House; e la riuscita Anything I Say To You Now. Ma il vero capolavoro è Shiver And Shake, che ci fa capire come Adams abbia ancora molto da dare alla musica. Per contro, Breakdown e Outbound Train sono puro filler; ma con Adams ormai sappiamo che è una tassa da pagare in ogni suo lavoro.

In conclusione, esprimiamo qua un pensiero che molti condivideranno: probabilmente, se fosse stato meno prolifico e maggiormente concentrato sulla qualità delle singole uscite (evitabile, ad esempio, il remix traccia per traccia di “1989” di Taylor Swift), la carriera di Ryan Adams sarebbe stata anche più brillante. Peccato, ma godiamoci perle come questo “Prisoner”: chissà quante ne avremo ancora da un artista al sedicesimo (!) LP/EP di inediti in 17 anni di carriera.

Voto finale: 7.