Recap: giugno 2018
Anche giugno è finito. Un mese pieno di uscite interessanti, a volte inattese, di artisti molto amati. Ad A-Rock recensiamo i nuovi dischi di Father John Misty, Natalie Prass, dei Deerhunter e di Stephen Malkmus (ex leader dei Pavement) assieme ai fidati Jicks. Ma soprattutto punteremo l’attenzione sulla collaborazione della più potente coppia della musica contemporanea: Jay-Z e Beyoncé.
Father John Misty, “God’s Favourite Customer”
Joshua Tillman è giunto al quarto CD sotto il nome di Father John Misty, quello che lo ha portato alla celebrità e contemporaneamente a diventare uno dei cantautori indie più discussi anche online, a causa delle sue prese di posizione sempre controverse, ma mai banali. “God’s Favourite Customer” arriva pochi mesi dopo il monumentale “Pure Comedy”, senza dubbio il lavoro più ambizioso di Tillman: il CD era infatti un’analisi di tutti i mali della società contemporanea, fatta su canzoni molto barocche, per una durata complessiva di 74 minuti. Insomma, un lavoro potenzialmente molto divisivo, che tuttavia aveva fatto breccia anche nel pubblico meno ricercato ed era entrato in molte liste dei migliori album del 2017 (compresa la nostra) con pieno merito.
“God’s Favourite Customer” probabilmente avrà la stessa fortuna, ma per motivi opposti: il disco è considerevolmente più breve di “Pure Comedy” e caratterizzato da canzoni meno complesse. Anche liricamente l’album è radicalmente diverso: adesso Tillman affronta i propri demoni personali, lasciando da parte le riflessioni sul mondo esterno. I risultati, come sempre con lui, sono ottimi.
Già le prime due tracce, Hangout At The Gallows e Mr. Tillman, rappresentano appieno questa svolta: ritorno alle ritmiche e sonorità di “Fear Fun”, durata ragionevole e immediato appeal. Il CD proseguirà poi su questa strada, affiancando canzoni più rock (la bella Disappointing Diamonds Are The Rarest Of Them All e We’re Only People (And There’s Not Much Anyone Can Do About That)) ad altre più melodiche (Just Dumb Enough To Try e The Songwriter). A coronamento di tutto sta la bella voce di Father John Misty, più calda ed evocativa che mai: basti sentire The Palace, solo voce e piano.
Liricamente, dicevamo, Tillman affronta gli angoli più oscuri della sua psiche, in particolare la paura di perdere l’amata moglie e le pene d’amore che questo provocherebbe. Un’apertura considerevole e sincera, soprattutto considerato che parliamo di un artista noto per il suo ego infinito e la sua sagace ironia piuttosto che per la sua fragilità.
In conclusione, in soli 38 minuti e dieci canzoni, Father John Misty conferma ancora una volta il suo immenso talento: mescolando influenze disparate (da Neil Young a Bob Dylan ai Fleet Foxes, il suo ex gruppo), Joshua Tillman ha prodotto un LP tanto semplice quanto gradevole. Chissà che il picco delle sue capacità non debba ancora essere raggiunto…
Voto finale: 8.
Stephen Malkmus And The Jicks, “Sparkle Hard”
Chi apprezza l’indie rock non può non venerare Stephen Malkmus, un artista che ha fatto la storia di questo genere con i Pavement negli anni ’90 del secolo scorso. Nondimeno, la sua carriera non si esaurì con lo scioglimento del gruppo: Malkmus ha poi cominciato una fiorente carriera alternativa con il suo nuovo complesso, i Jicks, non limitandosi a prendere ispirazione dai Pavement, ma anzi cercando sempre nuove sperimentazioni.
Ne è un’ulteriore dimostrazione questo “Sparkle Hard”, settimo CD di Stephen Malkmus assieme ai Jicks: accanto al classico indie rock che da lui ci aspetteremmo troviamo infatti uso diffuso del pianoforte e dell’autotune, che tanto va di moda oggi. Inoltre, Kim Gordon (ex Sonic Youth) fa una comparsata molto efficace in Refute.
I testi delle 11 canzoni dell’album poi sono molto attuali: in Bike Lane Malkmus fa riferimento all’uccisione da parte della polizia di Freddie Gray, un caso che ha destato molto scalpore negli USA; in Middle America si schiera a fianco del movimento #MeToo, cantando che “Men are scum, I won’t deny it”. Non spesso si sente un artista di mezz’età cantare cose così forti: un merito in più di Stephen Malkmus.
I pezzi migliori sono Cast Off, la sognante Middle America e l’energica Shiggy; convincono meno Brethren e Difficulties – Let Them Eat Vowels, ma non sono in ogni caso pezzi da buttare. Diciamo che, se Ty Segall canterà ancora nel 2028, ci aspettiamo di sentirlo cantare così: intenso, ma consapevole che il tempo è passato e che, accanto all’energia delle origini, devono trovare spazio anche riflessioni più profonde sulla società e su quello che non va.
In conclusione, “Sparkle Hard” non è un LP che cambierà i destini del rock; del resto, Malkmus ne ha già prodotti almeno un paio con i Pavement, basti citare “Slanted, Enchanted” oppure “Crooked Rain, Crooked Rain”. Allo stesso tempo, però, si sentiva nel mercato la necessità che vedesse la luce un disco indie rock impegnato. Ben fatto, Stephen.
Voto finale: 8.
Natalie Prass, “The Future And The Past”
Il secondo album, si sa, è spesso la prova più difficile per un artista, specialmente dopo un buon lavoro d’esordio. Natalie Prass, in effetti, non ha dato alla vita “The Future And The Past” senza problemi: a fine 2016 le canzoni erano già pronte, però l’elezione di Donald Trump l’ha così scioccata che si è trovata costretta a riscrivere gran parte dei testi.
Musicalmente, rispetto all’omonimo “Natalie Prass” del 2015, le cose cambiano leggermente: mentre il primo suo CD eccelleva nelle strumentazioni barocche, adesso Natalie canta spesso su basi molto anni ’80, che richiamano Prince e i Police. Insomma, il riferimento al passato evocato nel titolo trova una soluzione; e il futuro?
Effettivamente, più che guardare al futuro, il disco è molto adatto al presente: in Sisters la Prass chiama le donne a raccolta per resistere al presidente più maschilista della storia. In Ship Go Down, il riferimento della metafora “I’ve always felt the rain, but now a hurricane is pouring on me” è evidente.
I brani migliori di un disco generalmente riuscito sono le iniziali Oh My e Short Court Style, molto danzerecce rispetto al disco d’esordio; la trascinante Ship Go Down; e Sisters. Meno convincente la monotona Hot For The Mountain e superfluo il breve intermezzo Interlude: Your Fire. Come già anticipato, tuttavia, pur non parlando di un capolavoro, Natalie Prass si conferma sostanzialmente ai livelli dell’omonimo esordio del 2015. Esame secondo album superato, dunque.
Voto finale: 7,5.
The Carters, “EVERYTHING IS LOVE”
Il nome del duo autore di “EVERYTHING IS LOVE” può trarre in inganno: chi saranno mai questi Carters? Ebbene, stiamo parlando della coppia più celebre e potente della musica nera (ma forse di tutta la musica): Jay-Z e Beyoncé. I due hanno infatti realizzato questo album collaborativo a compimento della crisi e della successiva riconciliazione che li ha visti protagonisti negli scorsi anni. Il CD è parte di una trilogia di cui fanno parte anche gli acclamati “Lemonade” e “4:44”, in cui Beyoncé e Jay-Z riflettevano soprattutto sulle rispettive responsabilità. Non è dunque un caso se l’album della definitiva riconciliazione si intitola “EVERYTHING IS LOVE”. In APESHIT Jay-Z trova peraltro anche il tempo di prendere in giro i suoi colleghi dell’industria discografica, sia perché su 8 nomination ai Grammy dello scorso anno “4:44” non ha vinto nulla, sia per non averlo difeso nella causa che la NFL ha intestato contro di lui per aver rifiutato di esibirsi al Super Bowl dopo aver dato la sua parola, per presunte beghe legate al compenso pattuito (“I said no to the Super Bowl: you need me, I don’t need you. Every night we in the end zone, tell the NFL we in stadiums too… Tell the Grammy’s fuck that 0 for 8 shit”).
Musicalmente, il disco è un perfetto incrocio fra lo stile dei due: abbiamo infatti tracce prettamente pop (la bella SUMMER e HEARD ABOUT US) e tracce che richiamano il rap old style di Jay-Z (713). Allo stesso tempo, tuttavia, la coppia ha una volta di più mostrato il suo talento: notiamo infatti tracce R&B e addirittura trap (FRIENDS e APESHIT, in cui non è un caso che collaborino anche Quavo e Offset dei Migos). Oltre a questi due celeberrimi artisti, notiamo anche comparsate di Ty Dolla $ign e Pharrell Williams: insomma, ospiti non banali.
Tra i brani migliori abbiamo SUMMER e APESHIT; convince invece poco NICE, ma è l’unico pezzo debole in un album per il resto apprezzabile, in cui la rivelazione del travaglio interiore che affligge anche le coppie più famose e ricche è un valore aggiunto non da poco. In generale, dunque, è ovvio che Bey e Jay non parlano per tutti, nondimeno i due sembrano finalmente sereni e pronti a riprendere la vita assieme. Valga come manifesto del CD questa frase tratta da LOVEHAPPY: “we came and we saw and we conquered it all”. Beh, non saranno modesti, ma il talento e la spavalderia certo non gli mancano.
Voto finale: 7,5.
Deerhunter, “Double Dream Of Spring”
Questo lavoro dei Deerhunter è molto particolare, sia come struttura che come genesi: si tratta infatti di una cassetta (!) distribuita ai concerti della band statunitense e prodotta in sole 300 copie (!!), quindi un pezzo da collezionisti fatto e finito. Dicevamo che anche la struttura dell’album è bizzarra: abbiamo infatti la prima parte completamente strumentale, mentre le ultime cinque tracce contengono anche la voce del frontman Bradford Cox.
Musicalmente, “Double Dream Of Spring” sembra raccogliere i pezzi dei Deerhunter più abbozzati e liberi da costrizioni: si alternano infatti brevissimi intermezzi (Clorox Creek Chorus) a lunghissime meditazioni krautrock (Dial’s Metal Patterns). Nella seconda parte il lavoro si fa più coeso: spicca in particolare la delicata chiusura Serenity 1919 (Ives), che riprende un’opera del compositore Charles Ives. Citazioni musicalmente colte abbondano anche in Faulkner’s Dance, dedicata al celebre scrittore: troviamo tracce di Stereolab e Can ben piazzate nel corso del brano.
In generale, quindi, possiamo ritrovare influenze di svariati album passati dei Deerhunter: da “Cryptograms” (2007) a “Halcyon Digest” (2010), passando per “Weird Era Cont.” (2008). Insomma, un caleidoscopio sonoro ricco, certo perfettibile ma che denota ancora grande voglia di sperimentare da parte di un gruppo attivo da quasi vent’anni. Aspettiamo con trepidazione il prossimo album vero e proprio del gruppo, in uscita quest’anno e con il titolo provvisorio “Why Hasn’t Everything Already Disappeared?”, per capire meglio dove tutto ciò li avrà portati, certi tuttavia che Cox e compagni resteranno alfieri di un indie rock tanto fragile quanto superbo nei suoi momenti migliori.
Voto finale: 7.
A-Rock 