Settembre è ormai finito. Un mese ricco di CD importanti e attesi da critica e pubblico; il lavoro infatti ad A-Rock non è mancato. Recensiremo i nuovi album di Anna Calvi, Troye Sivan e di Katie Crutchfield aka Waxahatchee. Inoltre, daremo spazio ai nuovi dischi dei veterani della musica elettronica Aphex Twin e The Field, al ritorno dei Low e dei Suede e al primo LP partorito dalla collaborazione fra Justin Vernon e Aaron Dessner dei National (in arte Big Machine). Ah, stavamo per dimenticarci: Ty Segall ha pubblicato un nuovo CD, a firma GØGGS questa volta.

Troye Sivan, “Bloom”

La nascente pop star australiana Troye Sivan ha pubblicato un lavoro davvero maturo per un ragazzo di appena 23 anni. “Bloom” è infatti un ottimo album pop, capace di suonare fresco malgrado si vedano chiaramente le influenze a cui Troye si ispira (George Michael, Lorde e The 1975 fra gli altri).

Quest’anno abbiamo avuto molti CD con chiari riferimenti alla sessualità dei protagonisti: in tempi di #MeToo e pieni diritti per le persone omosessuali, è perfettamente comprensibile che artisti dalle origini disparate abbiano descritto cosa significhi essere persone omosessuali. Troye Sivan non ha mai nascosto la sua attrazione per altri uomini, ma nel suo secondo album le liriche sono decisamente più mature e le sonorità più coerenti ed efficaci, rendendo “Bloom” un ascolto imprescindibile per gli amanti del pop.

L’inizio è travolgente: sia Seventeen che il singolo My My My! sono ottimi pezzi pop, degni di autori più quotati del giovane Troye. Anche i testi colpiscono: in Seventeen Sivan narra le sue avventure erotiche su Grindr (il Tinder per omosessuali) con uomini più maturi e gli abusi da loro perpetrati. Altrove le liriche sono più delicate: “Got something here to lose that I think you wanna take from me” in Seventeen e “I need you to tell me right before it goes down. Promise me you’ll hold my hand if I get scared now” in Bloom ne sono esempi.

Musicalmente, dicevamo, il CD è un ottimo concentrato del pop del XXI secolo, con inserti di autori del passato come George Michael. La voce di Sivan ricorda molto quella di Matt Healy dei The 1975, mentre la forte presenza del pianoforte in molte melodie (si veda Postcard) fa tornare alla mente il Perfume Genius delle origini. Da sottolineare infine le collaborazioni presenti in “Bloom”: Ariana Grande fa una comparsata in Dance To This, mentre il celebre produttore Ariel Rechtshaid collabora in The Good Side. Un po’ ovvie sono canzoni come Plum e Dance To This, ma sono peccati veniali in un lavoro altrimenti molto efficace.

Insomma, il futuro pare roseo per la giovane star australiana: giusto così, dato il talento dimostrato e la voglia di sperimentare non solo la carriera musicale. Ricordiamo infatti che Sivan è diventato noto come youtuber, per poi passare alla carriera di attore e poi di cantante. Insomma, un personaggio poliedrico e pronto al grande salto nel mondo delle star a tutto tondo. “Bloom” è un ottimo biglietto da visita ed è senza dubbio uno dei migliori album pop dell’anno.

Voto finale: 8.

Aphex Twin, “Collapse”

Richard D. James, meglio conosciuto col nome d’arte Aphex Twin, è uno dei maggiori interpreti di musica elettronica degli ultimi trent’anni. Sì, non è un errore di battitura: la carriera di James coinvolge ormai quattro decadi, essendo iniziata nel 1985. Al suo attivo vanta capolavori della musica ambient e IDM (Intelligent Dance Music) come le due raccolte di “Selected Ambient Works” e il clamoroso ritorno del 2014 “Syro”.

Basterebbe questo a meritarsi una onorevole pensione, invece Aphex Twin, dal suo ritorno sulle scene musicali, ha dimostrato una voglia di sperimentare davvero insistente e ambiziosa, pubblicando una raccolta di inediti ogni anno. Solo nel 2017 si è preso una breve pausa, evidentemente necessaria per pubblicare l’efficacissimo EP “Collapse”.

L’inizio è travolgente: T69 Collapse è fantastica, con percussioni in primo piano e un ritmo trascinante, degno del miglior Aphex Twin. Anche le tracce più tranquille del lavoro, tuttavia, fanno un’ottima impressione, anche dopo ripetuti ascolti: 1st 44 inizia lenta, per poi esplorare ritmi techno e big beat che ricordano i Prodigy. Degna di nota anche MT1 t29r2 (ebbene sì, i titoli assurdi di James continuano a imperversare).

In conclusione, “Collapse” finisce quasi troppo presto: data l’efficacia e la coesione interna posseduta dall’EP, sembrerebbe che Aphex Twin sia tornato al top della condizione, malgrado un’età non più verde e una scena elettronica sempre più piena di DJ che cercano di imitarne lo stile. Nondimeno, Richard D. James si conferma inimitabile. Una cosa non da poco, alla soglia dei 50 anni.

Voto finale: 8.

Low, “Double Negative”

Il dodicesimo album dei veterani del rock alternativo Low è anche uno dei loro più bei CD degli ultimi anni. Malgrado siano attivi da ben 25 anni, il gruppo sembra più vitale che mai, mantenendo alto il livello compositivo e la voglia di sperimentare.

“Double Negative”, infatti, non si limita a ripercorrere i generi che hanno reso celebri i Low: ricordiamo infatti che le origini del complesso statunitense vanno ricondotte al mondo del metal, sebbene melodico e a volte quasi dream pop. Loro sono in effetti fra i fondatori di una corrente musicale chiamata slowcore: ritmi lenti, bassi in grande evidenza, voci spesso inintelligibili. Una sorta di shoegaze ancora più opprimente, diciamo. Beh, in “Double Negative” ritroviamo molti di questi tratti, ma anche delle incursioni ambient davvero intriganti e riuscite: più o meno tutti i pezzi del disco hanno code o intro di questo tipo, addirittura The Son, The Sun è solo musica ambient, degna del miglior Brian Eno. Non male anche la conclusione della sognante Fly.

Certo, l’album non è per nulla commerciale, anzi rischia di inimicare la frangia meno sperimentale del pubblico dei Low. Tuttavia, dopo aver compreso la loro estetica ed essere entrati appieno nel mood del CD, pezzi come Tempest e Always Up non possono non conquistare l’ascoltatore. Non sarà certamente il disco dell’anno, ma insomma di band così creativamente ardite al loro terzo decennio di vita se ne contano davvero poche.

Menzione finale per i testi (laddove comprensibili): il gruppo si è dichiarato più volte acerrimo nemico di Donald Trump e non esita a ribadire il concetto nel corso degli 11 brani che compongono “Double Negative”. Ad esempio, in Dancing And Fire il frontman Alan Sparhawk canta “It’s not the end, it’s just the end of hope”, mentre in Disarray “Before it falls into total disarray, you’ll have to learn to live a different way”.

Insomma, un LP certo non facile, ma che merita almeno un ascolto. I Low non sono mai stati tanto liberi e privi di preoccupazioni legate al successo o meno di un loro disco, motivo per cui suonano più ambiziosi che mai. Già questo sarebbe una buona ragione; inoltre, il livello dei brani è generalmente alto. Cosa volete di più?

Voto finale: 7,5.

Anna Calvi, “Hunter”

La talentuosa cantante pop-rock inglese di chiare origini italiane Anna Calvi ha trovato la definitiva maturità nell’intrigante “Hunter”, terzo suo album e primo dopo quattro anni di assenza dalle scene. La Calvi affronta con decisione il tema della sessualità e della discriminazione a cui gli omosessuali sono sottoposti, componendo un vero e proprio manifesto per la liberazione da qualsiasi costrizione.

Anna Calvi dimostra di aver appreso appieno la lezione di maestri del rock oscuro come Nick Cave: la sua voce è profonda come mai, la virtuosità chitarristica dei passati lavori lascia posto ad accompagnamenti lugubri e ossessivi. Non parliamo insomma di un disco facile, nondimeno il fascino di tracce come As A Man e la title track è innegabile. Colpiscono positivamente anche Don’t Beat The Girl Out Of My Boy, davvero trascinante e non a caso scelta come singolo di lancio, e l’inquietante Chain, in cui Anna parla esplicitamente di fantasie sadomaso.

Dicevamo che la bella Anna Calvi si schiera apertamente a favore della totale parità di diritti per le persone omosessuali e della libera scelta riguardo al sesso: essere maschio o femmina per lei non conta, l’importante è sentirsi in pace con sé stessi. Posizione condivisibile o meno, ma legittima e motivata da testi forti, già nei titoli. Insomma, un attestato di maturità artistica e personale.

In conclusione, dopo due nomination ai Mercury Prize, i premi musicali più importanti della stampa d’Oltremanica, “Hunter” potrebbe rappresentare la definitiva consacrazione per la Calvi. Peccato, perché senza pezzi sotto la media come Swimming Pool e Away parleremo di un CD fantastico. Così è “solamente” un buon album, ma certamente ci fa apprezzare appieno le potenzialità dell’ancora giovane artista inglese.

Voto finale: 7,5.

The Field, “Infinite Moment”

Puntuale come un orologio svizzero, Axel Willner (colui che si cela dietro il nickname The Field) ritorna con un nuovo album di musica techno-ambient. Il DJ svedese ha fatto della ripetitività delle melodie la sua arma vincente: tutta la sua carriera, infatti, è caratterizzata da un genere a metà fra musica dance e ambient, con brani anche molto lunghi e che fanno del minimo cambiamento nelle percussioni o nel ritmo l’arma vera e propria.

Il primo CD a firma The Field, “From Here We Go Sublime” (2007), era stato un “game changer” per la musica elettronica di quel periodo, tanto che poi molti DJ diventati famosi (Armin Van Buren e Tiesto, per esempio) hanno preso spunto da quell’album per creare quel sottogenere dell’elettronica chiamato “trance”. Willner ha sempre mantenuto un profilo basso, decisamente meno commerciale di alcuni suoi colleghi, ma non ha mai prodotto album scadenti. “Infinite Moment” mantiene la tradizione, confermando The Field tra le voci di maggior spessore della scena internazionale.

Il disco presenta una struttura austera: solo sei canzoni in scaletta, cinque delle quali superano i 10 minuti di durata. In effetti, il titolo del sesto LP a firma The Field è “Infinite Moment”: avere tracce lunghe e complesse è parte del gioco. L’impressione viene subito confermata da Made Of Steel. Made Of Stone, che apre il disco: le atmosfere richiamano i due ultimi album del DJ svedese, “Cupid’s Head” (2013) e “The Follower” (2016), più cupe degli esordi e meno frenetiche. Invece, la riuscita Hear Your Voice è quasi pop, una novità nel catalogo di Willner. La parte centrale dell’album è dominato da atmosfere più rarefatte, tanto che Who Goes There rimanda a Four Tet. Peccato solo per la scialba conclusione, dato che la title track è monotona e sotto la media, più che buona, del disco.

In conclusione, il “periodo nero”, almeno nelle cover, di The Field continua: non creativamente, sia chiaro, giacché “Infinite Moment” è comunque un godibile disco di musica elettronica. Allo stesso tempo, tuttavia queste atmosfere più opache a volte tolgono l’aria e rendono l’ascolto difficile. Averne però di compositori così costanti e desiderosi di mantenere un livello medio così alto.

Voto finale: 7,5.

Big Red Machine, “Big Red Machine”

La collaborazione tra Justin Vernon, il geniale compositore noto come Bon Iver, e Aaron Dessner dei National non poteva che essere un evento per gli amanti del mondo indie. Bon Iver e The National sono infatti tra gli artisti più amati degli ultimi anni, grazie a una costante voglia di sperimentare (il primo) e a un’incredibile capacità di assemblare gli ingredienti dell’indie rock in modi sempre notevoli e non banali (i secondi).

“Big Red Machine” raccoglie molte delle influenze degli ultimi CD a firma Bon Iver e The National, ovvero “22, A Million” (2016) e “Sleep Well Beast” (2017). Abbiamo infatti un lavoro di canzoni sperimentali ma mai fuori dai gangheri, folk ma anche elettroniche, con occasionali intarsi di chitarra ad opera di Dessner. I testi, come nella migliore (o peggiore, dipende dai punti di vista) tradizione di Bon Iver e The National, sono sempre sfocati e vaghi; niente di cui preoccuparsi eccessivamente, però, dato che, più che comunicare messaggi universali, lo scopo dell’album è mostrare il processo creativo di due menti illuminate della musica rock del nuovo millennio.

L’inizio è particolarmente minimale: Deep Green ricorda molto l’ultimo disco dei The National, in particolare Guilty Party. La seconda canzone delle 10 che compongono il CD, la suadente Gratitude, è più mossa, riportando alla memoria il miglior Bon Iver, quello di “Bon Iver, Bon Iver” del 2011. Il lavoro prosegue poi su questa falsariga, alternando pezzi più riusciti (per esempio OMDB e People Lullaby) ad altri meno consistenti (I Won’t Run From It). I risultati restano comunque sopra la media, grazie anche all’angelica voce di Vernon e alla produzione, sempre impeccabile.

Dicevamo che, liricamente, il disco contiene più che altro un collage di immagini, spesso slegate fra loro. Ad esempio, Gratitude parla senza problema di indiani d’America, innamorati e quarterback; in Deep Green troviamo la seguente, straniante immagine: “We met up like a ski team”. Insomma, suggestioni da cogliere con ironia o diffidenza, a seconda della personale inclinazione.

In conclusione, non siamo certo davanti ad un capolavoro. Allo stesso tempo, però, “Big Red Machine” conferma una volta di più che, anche nel tempo libero dai loro progetti principali, Dessner e Vernon non sanno scrivere una canzone davvero brutta. Insomma, il lavoro merita almeno un ascolto.

Voto finale: 7,5.

GØGGS, “Pre Strike Sweep”

L’instancabile Ty Segall conferma che il 2018 potrebbe essere il suo anno più inquieto di sempre; ed è tutto dire per un artista che ha all’attivo, all’ancora relativamente tenera età di 31 anni, 10 (!) album solisti, più svariate collaborazioni (celebri quelle con Tim Presley aka White Fence) e altre due band attive (sorvoliamo su quelle ormai defunte di cui ha fatto parte), vale a dire i Fuzz e i GØGGS. Insomma, un’iperattività per certi versi inquietante, ma che è caratterizzata da una qualità media altissima: è sorprendente infatti come Ty, nelle sue varie incarnazioni, non abbia pubblicato un solo CD davvero scadente. Alcuni potranno piacere o meno, ad esempio “Sleeper” (2014) per alcuni è troppo folk; oppure “Slaughterhouse” (2012) troppo punk. In generale, però, è proprio questa sua capacità di spaziare nel mondo rock in ogni suo aspetto (dal semplice rock and roll all’hard rock al garage, passando per rock psichedelico e ballate beatlesiane) a renderlo speciale.

Ma parliamo del nuovo disco dei GØGGS: per molti fan dell’artista californiano questo è il suo progetto più debole, dato anche il fatto che Ty si limita a suonare la chitarra e a fare da supporto alla voce principale, che appartiene a Charles Moothart, già membro degli Ex Cult. Il sound del gruppo non si discosta molto dal garage rock che ha reso Segall una star del genere, ma del resto l’innovazione non è mai stata il piatto forte del cantante statunitense. “Pre Strike Sweep” si conferma tuttavia un divertissement riuscito, un modo simpatico e poco impegnativo di passare mezz’ora.

L’energia pervade il lavoro, come è lecito aspettarsi: la title track e CTA sono trascinanti, ricordando il Ty Segall più punk. Killing Time e Vanity sono invece pezzi puramente hard rock, che si rifanno a Black Sabbath e Queens Of The Stone Age. Non esistono brani davvero deboli peraltro e il disco è piuttosto coeso, data anche la sua brevità. Inoltre, le melodie entrano facilmente in testa, specialmente agli amanti del genere, rendendo l’ascolto gradevole e mai banale.

In conclusione, non stiamo certo parlando di un capolavoro, ma certamente “Pre Strike Sweep” conferma che i GØGGS non sono semplicemente un passatempo per Segall e compagni, che si divertono ma non senza un obiettivo ben preciso: quello di tenere alta la bandiera del rock duro e puro. In un’epoca dove il genere sta sempre più perdendo rilevanza, vanno ammirati.

Voto finale: 7.

Suede, “The Blue Hour”

La storia dei Suede è davvero particolare: la band inglese capitanata da Brett Anderson è stata pioniera della rinascita del rock britannico anni ’90, grazie a lavori convincenti come l’omonimo “Suede” (1993) e “Dog Man Star” (1994), paralleli ai migliori CD di Blur e Oasis. Un peccato, dato che la fama delle due band ha oscurato i Suede, che in realtà qualitativamente erano sullo stesso piano, se non superiori, rispetto alle creature dei fratelli Gallagher e di Damon Albarn. La loro carriera è poi proseguita fra alti e bassi fino al 2002, quando lo scioglimento pareva definitivo. Invece, nel 2013, la svolta: i Suede tornano insieme, con peraltro dischi convincenti come “Bloodsports” (2013) e “Night Thoughts” (2016), capaci di mixare efficacemente il britpop anni ’90 con le influenze del rock alternativo contemporaneo. Sono molte le band, UK e non, ad essersi ispirate allo stile dei Suede negli anni: dai Killers fino ai The 1975, l’aria di complesso maledetto e dotato di base ritmica convincente e pomposa ha fatto presa su molti.

L’ottavo LP della band britannica ricalca i familiari sentieri che hanno reso i Suede una band magari di secondo piano in Inghilterra e nel mondo, ma stimata dalla critica e con una fanbase leale. “The Blue Hour” parte come ci aspetteremmo da un CD dei Suede: As One è un pezzo imperioso, a tratti forse troppo barocco, ma è un’introduzione discreta. Il primo highlight è la trascinante Wastelands, che presenta la chitarra di Richard Oakes in primo piano e la voce di Anderson efficace come sempre. Tutta la prima fase del disco è buona: ottima per esempio anche Beyond The Outskirts.

I problemi iniziano nella parte centrale, dove il gruppo sembra perdere un po’ il filo: ad esempio, sia Life Is Golden che Tides sono fuori fuoco e prevedibili nel loro sviluppo. Il finale, invece, riserva delle gradite sorprese: sia Don’t Be Afraid If Nobody Loves You che la conclusione epica di Flytipping riportano alla mente i fasti dei primi LP dei Suede.

In conclusione, il trittico post reunion si chiude forse con il suo lavoro più debole, nondimeno Anderson e compagni riescono a mantenersi ben sopra la sufficienza, sebbene “The Blue Hour” manchi della coesione che aveva reso “Night Thoughts” così soddisfacente. Per concludere, un avvertimento che, in realtà, ad una band navigata come i Suede potrebbe suonare scontato: un po’ di barocco va bene, ma il rococò, dopo un po’, stucca.

Voto finale: 7.

Waxahatchee, “Great Thunder”

“Great Thunder” arriva solo un anno dopo lo squisito “Out In The Storm”, uno dei migliori album indie rock degli ultimi anni. Katie Crutchfield, la figura dietro il progetto Waxahatchee, ha deciso in questo breve EP di dare alle stampe dei suoi pezzi composti alcuni anni fa, caratterizzati da sonorità decisamente lontane da quelle che hanno fatto la fortuna della cantante americana. Abbiamo infatti canzoni folk, che poco mantengono della furia rock degli ultimi dischi a firma Waxahatchee.

Come già accennato, le canzoni rimandano ad alcuni brani di ben sei anni fa: Great Thunder era il nome di una band dalla vita brevissima in cui la Crutchfield era stata scelta come leader. I testi parlano apertamente della fine di una relazione, tema che già era al centro di “Out In The Storm”: la delicata Chapel Of Pines si basa sul ritornello “Will You Go?”, che più chiaro non potrebbe essere. Insomma, non abbiamo di fronte canzoni allegre, fatto amplificato dalla produzione dell’album, registrato nella stessa località dove Justin Vernon compose “For Emma, Forever Ago”, il suo ormai classico esordio come Bon Iver.

Tutto però dimostra una verità incontrovertibile: che si parli di indie rock o folk, Waxahatchee si conferma un nome vincente del panorama musicale contemporaneo. Pezzi come Chapel Of Pines e Takes So Much starebbero benissimo nelle mani di un Father John Misty o dei Fleet Foxes. Insomma, la Crutchfield ha ampliato notevolmente la propria tavolozza compositiva: vedremo dove la condurrà il prossimo LP vero e proprio. Certamente la nostra fiducia in lei non è compromessa dall’interessante EP “Great Thunder”.

Voto finale: 7.