Recap: aprile 2019

Aprile è stato un mese intenso musicalmente parlando. A-Rock dedica il suo recap ai nuovi lavori di Weyes Blood, Anderson .Paak, Aldous Harding, dei Broken Social Scene e dei Priests. Inoltre, abbiamo analizzato il ritorno dei Chemical Brothers, dei King Gizzard & The Lizard Wizard e l’album live pubblicato da Beyoncé.

Beyoncé, “HOMECOMING: THE LIVE ALBUM”

homecoming

Pura goduria per i fans della famosissima popstar, questo album riprende la spettacolare esibizione tenuta da Beyoncé al festival di Coachella dello scorso anno. Musicalmente e scenograficamente, si tratta di uno dei più begli album dal vivo mai registrati, oltre che di un compendio straordinario della carriera della signora JAY-Z.

Il catalogo di Beyoncé sarebbe già enormemente dotato di grandi singoli, a partire dal suo inizio di carriera con le Destiny’s Child per poi proseguire nella sua carriera solista. Successi come Crazy In Love, Single Ladies (Put A Ring On It) o la più recente Don’t Hurt Yourself farebbero la fortuna anche presi singolarmente di moltissimi cantanti; insieme, rendono una carriera magnifica. Beyoncé ha inoltre dimostrato di sapersi destreggiare benissimo in molti generi: pop, R&B, dance, rap e soul. Insomma, un’artista a tutto tondo, oltre che un’eccellente ballerina.

Le sue doti di performer sono evidenti nel video che accompagna l’esibizione: sul palco del Coachella si destreggiano più di 200 ballerini e un’intera orchestra oltre a Beyoncé e ai suoi ospiti (il marito JAY-Z, l’ex collega nelle Destiny’s Child Kelly Rowland, la sorella Solange e J. Balvin). Insomma, un trionfo in grande stile. Aggiungiamo a tutto ciò che anche vocalmente la Knowles è al top della forma, sapendo alternare con abilità il suo registro basso e gli acuti che ne hanno fatto la fortuna.

In conclusione, questo “HOMECOMING: THE LIVE ALBUM” è un bellissimo CD, da assaporare più volte per cogliere in ogni minimo dettaglio la straordinarietà della performance di Beyoncé, sempre più a pieno titolo regina del pop. I 40 brani e intermezzi passano senza intoppi e questa sorta di greatest hits della cantante americana è imperdibile per gli amanti della black music in ogni sua sfumatura.

Voto finale: 9.

Weyes Blood, “Titanic Rising”

weyes blood

Natalie Mering, meglio conosciuta come Weyes Blood, con il suo quarto CD ha raggiunto probabilmente il picco delle proprie capacità. Accanto al folk anni ’60 delle origini, la Mering in “Titanic Rising” ha dato spazio ad arrangiamenti decisamente più barocchi, aiutata anche da un produttore d’eccezione come Jonathan Rado dei Foxygen.

Fin dalla prima canzone capiamo che qualcosa è cambiato nel progetto Weyes Blood: A Lot’s Gonna Change è una canzone molto ricercata, quasi barocca, che si rifà alla grande Joni Mitchell ma anche a Father John Misty. La canzone è anche un ovvio highlight in un disco che per la verità conta molte belle melodie: ottima anche la seguente Andromeda ad esempio, così come Wild Time. Movies inizia come Bliss dei Muse ma poi evolve in un brano pop grandioso per arrangiamenti. I due brevi intermezzi Titanic Rising e Nearer To Thee servono più che altro a rendere coerente il disco e dargli una convincente narrativa interna: Nearer To Thee infatti chiude “Titanic Rising” e riprende le atmosfere di A Lot’s Gonna Change. Il titolo allude alla canzone che l’orchestra del Titanic stava cantando durante il naufragio… tutto ciò a testimoniare la complessità del lavoro della Mering, sia strumentale che concettuale.

Liricamente il CD affronta molti temi tipici del mondo pop-rock, dall’amore (“I need a love every day” canta Natalie in Everyday) al dolore (“No one’s ever gonna give you a trophy for all the pain and things you’ve been through. No one knows but you” si sente in Mirror Forever) ai problemi più interiori dell’animo umano, tanto che in A Lot’s Gonna Change Weyes Blood canta “Everyone’s broken now… and no one knows just how”.

In conclusione, il progetto della cantante statunitense, come già accennato, sembra aver trovato il suo sbocco definitivo; il folk accattivante ma semplice delle origini è stato accantonato, o meglio affiancato da strumentazioni decisamente più elaborate e liriche non banali. Il futuro è tutto da scrivere per Natalie Mering e sembra promettere molto bene. Lei e Julia Holter sono definitivamente le figure più innovative dell’art pop mondiale.

Voto finale: 8.

Aldous Harding, “Designer”

designer

Il terzo album della talentuosa compositrice neozelandese (sì, il nome trae in inganno) è il suo lavoro più compiuto. Accanto al folk classico delle origini, ora la Harding ha inserito anche sassofoni e alcune tastiere di sottofondo, tanto da creare un CD coeso eppure mai prevedibile o peggio monotono.

Fin dall’apertura, la graziosa Fixture Picture, notiamo sia i tratti ormai caratteristici di Aldous sia le novità: i ritmi, specialmente delle percussioni, sono più sostenuti che in passato, ma allo stesso tempo le liriche continuano ad essere per lo più inintelligibili. Qui ad esempio si dice “In the corner in blue is my name”, quasi parlassimo di un quadro. Altrove, è vero, compaiono temi più compiuti: il più rilevante è la paura di assumersi responsabilità, sia verso un partner che un figlio, un timore che in effetti prende molti giovani. In The Barrel si dice “When you have a child, so begins the braiding and in that braid you stay.” In Damn riappare il tema, quando la Harding si sente delle catene attorno al corpo che le impediscono di spiccare il volo.

Musicalmente, il 2019 si conferma molto positivo per le giovani autrici: da Jessica Pratt a Julia Jacklin, passando per Weyes Blood e Julia Harding, il mondo indie femminile continua a rivoluzionare il rock. Accanto alla già citata Fixture Picture abbiamo altre ottime tracce come The Barrel e Designer; le uniche eccezioni sono Treasure e Damn, ma restano comunque buone e inserite perfettamente nel contesto di “Designer”.

In conclusione, questo terzo LP a firma Aldous Harding ne conferma il talento e la volontà di espandere il proprio sound di riferimento, rifiutando una comfort zone che per altri sarebbe stato un rifugio benvenuto. “Designer” è ad ora il miglior album folk dell’anno e uno dei migliori della decade.

Voto finale 8.

Anderson .Paak, “Ventura”

ventura

Il cantante americano Anderson .Paak, giunto al quarto album, è tornato alle sonorità che lo avevano reso famoso con “Malibu” (2016): un funk colorato e sempre ballabile, inframmezzato da parti più rappate. Mentre in “Oxnard” dello scorso anno la parte hip hop aveva la meglio, con risultati controversi, “Ventura” privilegia le sonorità calde e morbide che meglio riescono ad Anderson, con ottimi risultati.

In effetti, se si eccettua la canzone di apertura Come Home con André 3000, il resto del breve ma incisivo CD (11 brani per 40 minuti) è caratterizzato da chiari rimandi ai maestri della black music del passato: da Stevie Wonder a Prince, passando per i più recenti Frank Ocean e D’Angelo. Questo è forse il limite maggiore del disco: parere a volte più una somma di cover di pezzi del passato piuttosto che un insieme di inediti.

L’abilità di .Paak di trasportare questi suoni nel XXI secolo consente però di mettere da parte almeno parzialmente questa critica e concentrarsi sull’eleganza di “Ventura”: i suoni più spigolosi di “Oxnard” sono scomparsi, lasciando spazio a chitarre eleganti e batterie fragranti, capaci di accompagnare l’artista nel corso del CD sempre efficacemente.

Anche liricamente si notano decisi progressi: mentre i precedenti lavori di Anderson .Paak erano caratterizzati da chiari riferimenti, a volte molto espliciti, alla vita sessuale dell’artista, “Ventura” contiene anche rimandi alle lotte fra bianchi e neri in America. King James, dedicata al cestista LeBron James, contiene le seguenti liriche: “We couldn’t stand to see our children shot dead in the streets… we salute King James for using his change to create some equal opportunities”. Altrove invece appaiono proclami più spavaldi: in Chosen One ad esempio si dice “To label me as The One, debatable; but second to none, that suit me like a tailored suit”, mentre in Yada Yada abbiamo “Our days are numbered, I’d rather count what I earn”.

I brani migliori sono What Can We Do?, che chiude magistralmente il disco, e la deliziosa Make It Better; convincono meno Chosen One, troppo lunga, e Winners Circle. In conclusione, le canzoni interessanti non mancano e il disco è caratterizzato da grande coerenza e nessun pezzo fuori posto. Allo stesso tempo la domanda sorge spontanea, un po’ come accaduto per i The Internet nel 2018: un LP dai suoni così retrò può davvero aggiungere qualcosa ad un panorama musicale così sovraccarico, specialmente negli ultimi tempi, di CD R&B/soul/rap?

Voto finale: 7,5.

Priests, “The Seduction Of Kansas”

priests

Il secondo album della band punk serve ai Priests per ricalibrare parzialmente il loro sound. Il post-punk sanguigno delle origini viene affiancato da sonorità più accessibili, che ricordano i Foals, introducendo dunque sonorità quasi danzerecce nella loro estetica.

Se l’estetica dei Priests è cambiata lo dobbiamo anche alla dipartita del fondatore Taylor Mulitz, bassista fino all’anno scorso del gruppo, ora rimpiazzato da Janel Leppin. Non sono stati quindi anni facili per loro, dapprima esposti alla fama come mai in precedenza e poi preda di tensioni interne. Tuttavia, il risultato non deluderà i fan del complesso statunitense: fin dalla partenza di Jesus’ Son, passando per Youtube Sartre e Control Freak, la densità ritmica che aveva fatto la fortuna dei Priests resta.

A colpire maggiormente sono i brani più melodici, ad esempio 68 Screen e The Seduction Of Kansas, che tuttavia si integrano bene col resto delle tracce presenti nel CD per creare in conclusione un lavoro coeso e interessante. Nulla di rivoluzionario, ma certamente gradevole. I migliori pezzi sono Carol e Texas Instruments, mentre sono un po’ sotto la media l’eccessivamente lunga Not Perceived e 68 Screen.

Testualmente, la frontwoman e principale ispiratrice delle liriche Katie Alice Greer descrive soprattutto soggetti individuali, non uniti pertanto da un background comune, denunciando molti dei problemi presenti nelle società moderne. Passiamo dalla potente invettiva femminista in 68 Screen (“It’s your movie, you wrote starred and directed it. I may only be your muse, but I’m necessary”) alla denuncia dell’atteggiamento ossessivo verso le donne di alcuni maschi, sia in Jesus’ Son (I am Jesus’ son, I’m young and dumb and full of cum”) che in Control Freak (“You’re out of the woods, Dorothy. I’m your control freak, I’m your ‘no place like home’”). Anche qui, niente di innovativo, almeno rispetto al panorama rock degli anni ’10 del XXI secolo.

“The Seduction Of Kansas” è perciò un buon album, con bei riff e alcune liriche molto azzeccate, ma allo stesso tempo manca ai Priests quel quid necessario al definitivo salto di qualità.

Voto finale: 7,5.

The Chemical Brothers, “No Geography”

no geography

Il duo di musica elettronica formato da Tom Rowlands e Ed Simons continua a mantenersi su buoni livelli nonostante l’età non più verde e, giunti al nono album di inediti, i Chemical Brothers ci ricordano come non sempre la maturità significhi produrre CD prevedibili e scadenti.

Anzi, il contrario vale per “No Geography”: in un anno finora non facile per l’elettronica, privo dei grandi nomi che avevano caratterizzato il 2018, il disco dei Chemical Brothers è un piacevole ritorno alle sonorità della musica elettronica anni ’90: big beat, forti influenze psichedeliche e brani pronti per essere suonati nelle discoteche di tutto il mondo. Notevoli sono i rimandi a Primal Scream e Daft Punk, ad esempio, oltre che alla discografia iniziale dei Chemical Brothers.

La particolarità che colpisce fin da subito dell’album è la sua estrema compattezza: 10 brani per 46 minuti di durata, spesso con le canzoni che si intrecciano fra loro per creare dunque un mondo sonoro davvero affascinante e coeso. Tutto ciò però non significa che “No Geography” suoni eccessivamente uniforme: la differenza fra veri e propri brani trascinanti come l’iniziale Eve Of Destruction e melodie più complesse e aderenti alla techno come Got To Keep On è evidente. Vi sono poi anche pezzi meno commerciali come Gravity Drops e The Universe Sent Me; insomma, i CB ne hanno per tutti i gusti. Malgrado la presenza di singoli destinati ad avere successo duraturo, pertanto, questo LP può essere gustato anche dall’inizio alla fine senza mai risultare fuori luogo.

In generale inoltre il CD, pur risultando in un certo senso legato all’elettronica anni ’90 e specificamente al glorioso passato dei Chemical Brothers, non perde di fascino anche dopo ripetuti ascolti. Non parliamo dunque di un capolavoro, ma di un altro passo avanti nella produzione di Rowlands e Simons che testimonia una volta di più il talento dei due britannici.

Voto finale: 7,5.

King Gizzard & The Lizard Wizard, “Fishing For Fishies”

fishing for fishies

Allora, ricapitoliamo: i King Gizzard & The Lizard Wizard sono un complesso australiano capace di far uscire 14 CD in 7 anni di attività, di cui cinque in un anno solo, un 2017 contraddistinto da salti nel metal (“Murder Of The Universe”) e nel jazz (“Sketches Of Brunswick East”). Essenzialmente, tuttavia, il gruppo può essere catalogato come psichedelico/garage rock: gli esordi dei King Gizzard, fino a “I’m In Your Mind Fuzz” (2014), avevano riportato alla mente i White Stripes o Jay Reatard, mentre la carriera poi li ha portati su binari più consoni ai primi Tame Impala, ne sono ottimi esempi “Polygondwanaland” e “Flying Microtonal Banana”.

Il nuovo album della prolifica band australiana prende le mosse dai loro precedenti momenti più lenti, quasi old style, pensiamo a “Paper Mâché Dream Balloon” (2015): molti pezzi di “Fishing For Fishies” richiamano il rock anni ’70 dei Beatles o dei Led Zeppelin, fatto piuttosto inusuale per i King Gizzard & The Lizard Wizard, che in passato avevano evocato Flaming Lips e Ty Segall e non gruppi così mainstream.

Il richiamo al genietto del garage rock Ty Segall non è casuale: anche gli australiani, in una produzione così frammentaria, hanno probabilmente perso il treno per produrre un album psichedelico davvero rimarchevole. Certo, “Polygondwanaland” è un buon lavoro, ma per esempio niente a che vedere con “Lonerism” dei conterranei Tame Impala. Il passaggio a sonorità meno distorte e meno sperimentali si deve forse anche al desiderio di ricaricare le pile dopo un periodo davvero infuocato, fra CD e tour infiniti.

I pezzi migliori sono Plastic Boogie e Real’s Not Real, che non a caso sono i più allineati alla precedente versione dei King Gizzard; buona anche Boogieman Sam. Monotona invece la title track, tra l’altro piazzata in apertura, e stucchevole Acarine. Testualmente, Stu Mackenzie e compagni si confermano stranianti: a volte vi sono riferimenti ambientalisti, altre Mackenzie si lamenta del tempo che passa e rimpiange la gioventù (ad esempio in Cruel Millennial si sente “I was only born in ’92… Can’t relate face to face with the modern day youth”).

In conclusione, “Fishing For Fishies” è il più coerente e meglio prodotto LP nella sterminata discografia dei King Gizzard & The Lizard Wizard: a 42 minuti e 9 canzoni siamo di fronte ad un attestato di maturità. Allo stesso tempo, il complesso australiano ha perso quella capacità di sperimentare ritmi molto diversi in suite a volte lunghissime e bislacche ma sempre ambiziose e intriganti per passare al rock classico del secolo scorso. A suo modo è anche questa una rivoluzione nel sound del gruppo, ma i risultati fanno pensare che Mackenzie & co. non siano molto portati per tutto ciò.

Voto finale: 7.

Broken Social Scene, “Let’s Try The After Vol. 2”

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I veterani dell’indie rock sono tornati con un altro breve EP a due mesi dal precedente “Let’s Try The After Vol. 1”. La struttura dei due piccoli lavori è similare, così come la qualità: se il primo riprendeva il filone più dream pop dell’estetica dei Broken Social Scene, questo secondo volume torna alle sonorità rock dei primi dischi del gruppo, in particolare quel “You Forgot It To People” (2002) che li rese famosi.

Il primo dei 5 brani in scaletta, Memory Lover, è una breve intro strumentale, mentre i fuochi d’artificio veri e propri iniziano con Can’t Find My Heart: un potente pezzo rock, con la voce del leader Kevin Drew che ricorda da vicino quella del connazionale Win Butler, leader degli Arcade Fire. Big Couches è forse il pezzo più deludente, prevedibile e con un finale che arriva troppo in fretta. La title track, collocata al quarto posto della tracklist, è quasi folk, data la sua lentezza; invece la conclusiva Wrong Line è un pezzo rock interessante, che sarebbe potuto stare benissimo nei più recenti CD veri e propri del complesso canadese. A mancare di più è Ariel Engle, l’altra figura carismatica dei BSS, che invece aveva sorretto il primo capitolo.

In conclusione, “Let’s Try The After Vol. 2” non è come prevedibile un capolavoro, anzi è inferiore al primo EP della serie; tuttavia i Broken Social Scene dimostrano che hanno ancora qualcosa da dare alla musica, un segnale che aspettavamo e non tradisce le nostre aspettative.

Voto finale: 6,5.

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