Anche giugno è terminato. Un mese piuttosto interessante, in cui abbiamo recensito le nuove pubblicazioni di Denzel Curry, Bill Callahan, Bruce Springsteen e il breve EP a firma Noel Gallagher’s High Flying Birds. Abbiamo inoltre le nuove uscite degli Hot Chip, dei Black Keys e dei Raconteurs. Non ci scordiamo poi l’album pubblicato un po’ a sorpresa da Thom Yorke e la nuova collaborazione Madlib-Freddie Gibbs!

Freddie Gibbs & Madlib, “Bandana”

Una delle collaborazioni più anticipate nel mondo rap, “Bandana” trova sia il rapper Freddie Gibbs che il produttore Madlib al meglio. Il CD è un’ottima fusione di hip hop, jazz e inserti di funk, che lo rendono imprescindibile per gli amanti della black music.

“Piñata” (2014), la precedente creazione del duo, era stata una rivelazione: i beat sempre nostalgici e sbilenchi di Madlib si sarebbero adattati al gangsta rap di Gibbs? Beh, la risposta era stata un fortissimo sì. “Bandana” da questo punto di vista non innova particolarmente lo stile dei due, pare piuttosto un miglioramento incrementale della chimica fra i due e nelle scelte di produzione.

Mentre infatti spesso Madlib in passato aveva privilegiato una produzione scarna, a volte addirittura lo-fi, in “Bandana” ogni canzone è immacolata e fluisce spesso nella successiva senza soluzione di continuità. Dal canto suo, Freddie Gibbs si conferma a ottimi livelli, capace di parlare di Allen Iverson, grande cestista del passato (Practice) così come della tratta degli schiavi (Flat Tummy Tea), passando per la morte di Tupac (Massage Seats). Insomma, di tutto un po’.

Il disco può infine contare su alcune collaborazioni di spessore: Pusha-T, Anderson .Paak e Killer Mike (metà dei Run The Jewels) arricchiscono ulteriormente la formula di “Bandana” in Palmolive e Giannis. Insomma, il CD è davvero riuscito sotto tutti i punti di vista. I pezzi migliori sono la scatenata Half Manne Half Cocaine e Crime Pays, mentre leggermente sotto la media sono l’intro iniziale Obrigado e Fake Names.

In conclusione, Freddie Gibbs e Madlib si confermano una volta di più essere fatti l’uno per l’altro, musicalmente parlando; “Bandana” rispetta pienamente l’hype che percorreva Internet ed è uno dei migliori album hip hop dell’anno.

Voto finale: 8,5.

Bill Callahan, “Shepherd In A Sheepskin Vest”

Il nuovo CD a firma Bill Callahan, il quinto di una carriera di tutto rispetto (senza contare quelli a firma Smog), è il suo lavoro più aperto come sonorità e quello che, a livello testuale, contiene riferimenti alla vita privata di Bill che erano assenti in passato.

“Shepherd In A Sheepskin Vest” arriva dopo ben sei anni da “Dream River”: un’assenza davvero di lungo termine, dovuta in gran parte ai radicali cambiamenti avvenuti nella vita personale del cantautore americano. Nel 2014 si è sposato con Hanly Banks, mentre nel 2015 ha avuto un bambino da quest’ultima: insomma, un cambio di prospettiva estremo per un uomo abituato a scrutare con acutezza e profondità i tanti perché della vita, facendo la figura dell’eterno insoddisfatto.

Non è un caso che il disco appena pubblicato sia il più luminoso della sua ormai trentennale carriera: Bob Dylan si mescola a Leonard Cohen, potremmo dire, rendendo “Shepherd In A Sheepskin Vest” un CD lungo (20 brani per 63 minuti) ma facilmente digeribile e mai monotono. Ne sono esempi pezzi squisiti come 747 o Black Dog On The Beach. Tuttavia, anche la parte finale del CD, quella più oscura come liriche, contiene canzoni brillanti rispetto al “solito” Bill Callahan, ne sia esempio Call Me Anything.

Come sempre, tuttavia, a risaltare è specialmente la sua voce: un vero e proprio altro strumento, con un tono baritonale à la Leonard Cohen o Johnny Cash che la rende perfetta per questo tipo di narrazioni. Le storie di Callahan erano sempre state pervase, come già accennato, da domande esistenziali sul senso della vita; ora invece, malgrado restino presenti analisi di questo tipo (cosa scontata in un LP così articolato), i testi sono decisamente più leggeri. Ad esempio, in What Comes After Certainty parla dell’amore vero e assoluto verso la moglie, tanto che si chiede: “True love is not magic, it is certainty… And what comes after certainty?” Più avanti i testi sono ancora più esplicitamente sereni: “I never thought I’d make it this far: little old house, recent-model car… And I’ve got the woman of my dreams”. In Young Icarus ritornano le elucubrazioni tipiche di Callahan: “Well, the past has always lied to me, the past has never given me anything but the blues”. C’è anche tempo per un riferimento al sesso durante il “periodo” delle donne, nell’ironica Confederate Jasmine.

In conclusione, “Shepherd In A Sheepskin Vest” è un punto altissimo nella discografia di Bill Callahan: il cantautore americano pare aver trovato la serenità da lui tanto agognata in passato. I risultati sono sotto gli occhi di tutti: il disco scorre benissimo e nulla è superfluo. Complimenti, Bill, e buona vita.

Voto finale: 8.

Thom Yorke, “ANIMA”

Il terzo album vero e proprio di Thom Yorke, frontman dei Radiohead, segue la colonna sonora di Suspiria dello scorso anno. Yorke in “ANIMA” continua il percorso elettronico intrapreso in “The Eraser” (2006) e lo conduce verso lidi più teneri del solito, evocando le atmosfere dei lavori più intimi dei Radiohead, un po’ ambient un po’ glitch.

Del resto, è inevitabile fare comparazioni con la sua band, vero culto per moltissimi fans e non senza ragioni: autori di classici come “OK Computer” e “Kid A”, i Radiohead sono da molti considerati fra le più importanti band nella storia della musica. Yorke, gli va dato atto, non ha mai cercato di scimmiottare i lavori del complesso britannico da solista; un merito, ma anche forse un motivo del perché nessuno ha mai avuto veramente successo. “ANIMA” invece collega benissimo i Radiohead di “Kid A” e “Amnesiac” con il Thom solista, creando un lavoro coeso e avvincente.

La partenza è interlocutoria: sia Traffic che Last I Heard (… He Was Circling The Drain) rievocano le tenebrose atmosfere di “Tomorrow’s Modern Boxes” (2014). Tuttavia, la magia è solo rinviata: sia Twist che Dawn Chorus sono fra le migliori composizioni del Thom Yorke solista, entrambe melodie tenere con la voce di Yorke al suo meglio. Si ritorna in questo modo al CD forse più incompreso del catalogo dei Radiohead, “King Of Limbs” (2011). Insomma, Thom (aiutato come sempre dal fido produttore Nigel Godrich) ha ancora diversi assi nella manica.

A tutto questo va aggiunto che Paul Thomas Anderson, il celebre regista hollywoodiano e collaboratore dei Radiohead, ha girato un breve film sulle note di alcune delle canzoni contenute in “ANIMA”, un progetto simile a quello dei The National di qualche mese fa. Insomma, possiamo dire che Thom Yorke in questo caso ha decisamente alzato il livello, sia di ambizione che di arrangiamenti; e i risultati sono notevoli.

Liricamente, come spesso nella carriera, il frontman dei Radiohead non risparmia invettive contro la presenza sempre più invasiva della tecnologia: in The Axe (già il titolo, L’Ascia, dice tutto) lo sentiamo inveire “Goddamned machinery, why don’t you speak to me? One day I am gonna take an axe to you”. Altrove l’immaginario è più astratto: Twist termina quasi come un film horror, con Yorke che mormora “A boy on a bike who is running away, an empty car in the woods, the motor left running”. Dawn Chorus è invece dedicata alla sua compagna, Dajana Roncione: viene descritto ad un certo punto un vortice di frammenti di cenere che sembrano ballare, come due amanti, insomma una scena davvero romantica.

Yorke dunque, recuperando le influenze più eccentriche già viste nei Radiohead e adattandole ad atmosfere maggiormente accessibili, ha creato il suo LP più bello. Niente male, considerato che il Nostro canta da più di 20 anni; ma Thom non pare avere intenzione di smettere. E noi non possiamo che essergliene grati.

Voto finale: 8.

Bruce Springsteen, “Western Stars”

La leggenda del rock è tornata: “Western Stars” marca il ritorno di Bruce Springsteen 5 anni dopo “High Hopes”. Il 19° (diciannovesimo!) album di inediti del Boss è una ventata di freschezza in una discografia che inevitabilmente iniziava a diventare prevedibile, guidata ultimamente più spesso da motivazioni politiche e sociali che dall’ispirazione vera e propria.

“Western Stars” è un disco molto springsteeniano, pieno di rimandi al rock anni ’70 ma anche al folk e all’Americana, quel sottogenere a metà fra country e rock che tanto fa proseliti negli States. Non per questo però il CD è ripetitivo o fuori fuoco; anzi, gli episodi prevedibili sono davvero rari e fanno di “Western Stars” uno dei punti più alti della discografia recente del Boss. L’inizio, ad esempio, è ottimo: Hitch Hikin’ è uno slow-burner, ma conquista ascolto dopo ascolto. Ottima anche la successiva The Wayfarer, uno degli highlights immediati del lavoro.

La parte centrale dell’album presenta alcune melodie inferiori alla media (alta, va detto) del resto del disco: la title track e Sleepy Joe’s Cafe sono pezzi quasi beatlesiani, ma non ispiratissimi. Molto meglio la solarità di Hello Sunshine, non a caso scelto come singolo di lancio da Springsteen. In generale, “Western Stars” mantiene un mood gioioso e raffinato durante tutto il suo corso, ben coordinato con le storie sempre affascinanti narrate dall’artista.

Liricamente, come accennavamo, il Boss si conferma maestro: in “Western Stars” troviamo riferimenti ad un attore collega di John Wayne e ora costretto a lavorare per gli spot in tv (la title track); altrove (forse un riferimento autobiografico?) un cantante country si chiede se i sacrifici fatti durante la vita siano valsi a qualcosa (Somewhere North Of Nashville). Ricordiamo che Bruce compirà 70 anni quest’inverno, quindi ormai è probabile che abbia fatto dei bilanci sulla sua vita e i suoi alti e bassi. Una delle frasi più potenti è contenuta in Moonlight Motel: “It’s better to have loved”.

In generale, Bruce Springsteen non ha bisogno di presentazioni: un autore capace di scrivere capolavori nella sua gioventù (“Born To Run” e “Darkness On The Edge Of Town”) e nella sua età di mezzo (“Born In The U.S.A.” e “Tunnel Of Love”) può solamente essere elogiato. Il fatto che sappia rinnovarsi alla soglia dei 70 anni dimostra una volta di più che di Boss ce n’è, e probabilmente ce ne sarà, uno solo.

Voto finale: 8.

The Black Keys, “Let’s Rock”

In un giugno che sarà ricordato per molto tempo dagli amanti del rock, il ritorno dei Black Keys, a cinque anni da “Turn Blue”, è la classica ciliegina sulla torta. Mai c’era stata assenza così lunga nel corso della longeva carriera del duo originario di Akron; segno che qualcosa forse si era rotto, ma pare ritornato a posto nel brillante “Let’s Rock”.

La partenza del CD è formidabile: Shine A Little Light è un fiume infinito di schitarrate, ben sostenuto dalla batteria di Patrick Carney. La voce di Dan Auerbach pare più matura rispetto al passato, segno che il tempo passa per tutti. Invece, il sound dei Black Keys non è molto cambiato se comparato alla discografia recente della band americana: abbiamo il solito mix di blues e rock, questa volta privo delle influenze di Danger Mouse, che non produce l’album. Dunque, un suono ancora più essenziale: non per forza una cattiva notizia.

Oltre all’iniziale Shine A Little Light, altre buone canzoni sono Eagle Birds e la lenta Walk Across The Water. Delude invece la prevedibile Lo/Hi, scelta inspiegabilmente come singolo di lancio. Fuori fuoco anche Tell Me Lies. In generale, mancano le hit di un tempo, da Tighten Up a Lonely Boy, ma “Let’s Rock” resta un CD compatto e organico, qualità mai disprezzabili. Le influenze poi sono quelle di sempre: dai T. Rex ai Beatles (Sit Around And Miss You), passando per White Stripes e Rolling Stones (Go)… Ma insomma, è per questo che i fan del rock vecchia maniera amano i Black Keys, no?

I Black Keys ci erano mancati: certo, sia Carney che Auerbach si erano tenuti impegnati nei passati cinque anni, ma insieme sono più che la somma delle parti: per citare i Radiohead, 2+2=5. “Let’s Rock” non si distanzia molto da quello che ci aspetteremmo dai Black Keys, nondimeno come già accennato ciò non è una debolezza. Certo, gli splendidi risultati di “Brothers” (2010) e “El Camino” (2011) sono lontani, ma il disco è comunque accettabile e rappresenta una buona ripartenza per il duo più famoso del blues-rock.

Voto finale: 7,5.

Hot Chip, “A Bath Full Of Ecstasy”

Il settimo album degli inglesi arriva quattro anni dopo “Why Make Sense?”, un’attesa insolitamente lunga per loro. Gli Hot Chip hanno quindi ponderato attentamente la loro mossa, considerati i grandi movimenti che stanno influenzando l’elettronica moderna, il loro genere prediletto.

Le 9 canzoni che compongono “A Bath Full Of Ecstasy” sono le più orientate al pop e alla pura gioia di ballare della loro produzione: ognuna di esse è perfetta per qualsiasi performance dei DJ sparsi per le spiagge estive. Anche liricamente il CD non contiene liriche memorabili, anzi spesso sono incentrate sull’amore e la gioia di vivere; insomma, temi perfetti per l’estate.

Quest’attenzione alla ballabilità e alla melodia viene anche dall’aiuto dei produttori esterni che hanno supportato la band a creare “A Bath Full Of Ecstasy”: parliamo del compianto Philippe Zdar dei Cassius e  Rodaidh McDonald (The xx). Nei suoi momenti migliori, ad esempio l’apertura Melody Of Love e il singolo Hungry Child, gli Hot Chip sono davvero al top della forma, alla pari con “In Our Heads” (2010). I momenti più monotoni risiedono nella troppo lunga Spell e nella troppo mielosa title track, ma i risultati restano comunque accettabili.

In generale, pertanto, Alexis Taylor e compagni si confermano band affidabile, incapace di sbagliare totalmente un disco. Questa svolta verso il pop zuccheroso e l’elettronica soft potrà piacere o meno, ma non si può dire che sia fuori fuoco. Tralasciando la copertina (davvero brutta) e il riferimento (voluto o meno?) alla droga nel titolo, “A Bath Full Of Ecstasy” è un piccolo trionfo.

Voto finale: 7,5.

The Raconteurs, “Help Us Stranger”

11 anni. Tanto tempo è passato dall’ultimo CD dei Raconteurs, “Consolers Of The Lonely”. Il gruppo era poi stato abbandonato da Jack White, preso dai suoi mille progetti: dischi solisti, i Dead Weather, la creazione della Third Man Records… Insomma, un periodo decisamente fecondo per l’istrionico musicista americano.

“Help Us Stranger” è un ritorno alle sonorità che avevano fatto la fortuna del supergruppo originario di Detroit, con alcune novità che aggiungono pepe al progetto. Ad esempio, le sonorità hard rock di Don’t Bother Me o l’acustica di Only Child non si attagliano al suono prevalentemente garage rock degli album precedenti dei Raconteurs. Allo stesso tempo, le canzoni che piacciono fin da subito sono le più classiche Bored And Razed (che nel titolo e non solo echeggia la celeberrima Dazed And Confused dei Led Zeppelin) e Now That You’re Gone. Da elogiare come sempre la chitarra selvaggia di White e il prezioso contributo dell’altro leader della band, Brendan Benson, nella sezione ritmica.

Questo CD, ricordiamolo, arriva dopo il lavoro più ardito mai firmato da Jack White, quel “Boarding House Reach” (2018) che aveva sperimentato con rap e strutture delle canzoni eccentriche, facendo storcere il naso a molti fans dell’artista statunitense. Serve quindi anche come ritorno alla forma per White, pronto a cambiare ma senza mai scontentare il suo pubblico più tradizionalista. Atteggiamento condivisibile o meno, ma è innegabile che Jack paia trovarsi meglio in territori blues e rock che sperimentando con rap e funk, ad esempio.

In conclusione, “Help Us Stranger” non è certamente il lavoro più ispirato di Jack White e soci, che tuttavia mantengono un discreto livello durante le 12 canzoni che compongono il CD, ben sequenziato e curato. Non si tratterà di un capolavoro, ma le radio rock e il pubblico fedele al rock senza fronzoli hanno trovato pane per i loro denti.

Voto finale: 7.

Denzel Curry, “ZUU”

Il seguito di un mezzo capolavoro come “TA13OO” dello scorso anno, uno dei primi album di trap music che davvero hanno conquistato non solo il pubblico ma anche la critica, grazie anche a testi davvero introspettivi e profondi, mostra un Denzel Curry che ha cambiato radicalmente direzione.

Infatti, “ZUU” è decisamente più commerciale: 12 canzoni per 30 minuti complessivi, con una tracklist infarcita di pezzi adatti ai club pieni di gente tipici della bella stagione. Insomma, di Denzel stavolta vediamo il lato più aperto, non quello tormentato dei suoi precedenti lavori. Ne sono esempi AUTOMATIC, che sembra presa da “Astroworld” di Travis Scott, e BIRDZ, che vanta la collaborazione di Rick Ross. Solo in pochi brani ritroviamo le sonorità più raccolte del “vecchio” Denzel: ad esempio in SPEEDBOAT.

La svolta potrà non piacere, soprattutto ai fan più alternativi e appassionati dell’introspezione, ma è innegabile il divertimento che alcune di queste tracce portano con sé; notevole la doppietta iniziale formata da ZUU e RICKY. Certo, AUTOMATIC è un pezzo trap fin troppo scontato, gli intermezzi sono evitabili dopo numerosi ascolti, ma il quadro generale non è così fosco.

In conclusione, “ZUU” non è un capolavoro, ma avrà probabilmente un ruolo importante nell’ampliare il pubblico di Denzel Curry. Se il giovane rapper in futuro tornerà al miracoloso equilibrio di “TA13OO” ben venga, ma siamo certi che anche un bilanciamento tra la sua anima mainstream e quella intimista potrà fare bene al prosieguo della sua carriera.

Voto finale: 7.

Noel Gallagher’s High Flying Birds, “Black Star Dancing”

Il nuovo breve EP a firma Noel Gallagher arriva un anno e pochi mesi dopo il terzo CD post-Oasis, quel “Who Built The Moon?” (2017) che aveva per la prima volta introdotto elementi davvero nuovi nella sua palette sonora, riscontrando non a caso un ottimo riscontro di critica oltre che di pubblico.

“Black Star Dancing” prende il nome dall’omonima traccia contenuta nell’EP, formato da tre inediti e due remix di Black Star Dancing; è forse anche un rimando all’ultimo lavoro del Duca Bianco David Bowie? Potrebbe, data la grande ammirazione di Gallagher per lui.

La title track riporta alla mente il rock anni ’90 dei Primal Scream: quell’ibrido fra psichedelia, elettronica e dance che aveva fatto gridare al miracolo in capolavori come “Screamadelica” (1991). Sono tuttavia ritmi e suoni strani per un Gallagher; la canzone non è per niente male, va detto, aprendo nuovi orizzonti per Noel. Le successive invece ricalcano maggiormente terreni già conosciuti: Rattling Rose è puro britpop, mentre Sail On sembra ispirata a Ed Sheeran e The Lumineers nella sua ingenua melodia e sarebbe stata bene nell’omonimo esordio dei Noel Gallagher’s High Flying Birds.

In generale, il più anziano dei fratelli-coltelli più famosi della musica dimostra ancora una volta che l’ispirazione non è svanita. Aspettiamo con impazienza la nuova uscita di Liam, prevista nei prossimi mesi. “Black Star Dancing” pare un gustoso antipasto per il futuro CD, niente di clamoroso ma un EP con risultati apprezzabili.

Voto finale: 6,5.