Settembre ci ha regalato CD davvero interessanti. Ad A-Rock recensiremo i nuovi lavori di Natasha Khan aka Bat For Lashes, JPEGMAFIA e (Sandy) Alex G. Abbiamo poi il ritorno di Charli XCX e di Jenny Hval. Ma non finisce qui: ci sono anche il nuovo disco di Liam Gallagher, degli M83 e l’esordio solista di Brittany Howard, la cantante degli Alabama Shakes.

(Sandy) Alex G, “House Of Sugar”

L’ultimo album del prolifico cantautore americano, “House Of Sugar”, è il suo CD più completo. Dopo il cambio di nome da Alex G a (Sandy) Alex G, al fine di evitare scambi di persona con uno youtuber suo omonimo, il talentuoso Alex Giannascoli ha ampliato costantemente la propria palette sonora, aggiungendo elementi psichedelici e addirittura country prima ridotti all’osso nei vari dischi lo-fi da lui prodotti in passato.

“House Of Sugar” è un titolo particolare, che richiama le fiabe di Andersen, in particolare “Hansel e Gretel”; non è quindi un caso che una delle migliori canzoni della tracklist si intitoli proprio Gretel. Altrove troviamo invece riferimenti testuali a fatti di vita vera o, almeno, verosimile: in Hope Alex rimpiange un coetaneo morto, “He was a good friend of mine, he died. Why write about it now? Gotta honor him somehow”, si domanda e si risponde. Dopo però la scena diventa improvvisamente piena di vita, “In the house they were calling out his name all night, taking turns on the bed, throwing bottles from the windows of the home on Hope Street”. Non sappiamo se veramente il nome della via fosse Hope Street, ma il riferimento non pare casuale.

Accanto a questi franchi racconti di episodi della propria vita, però, Giannascoli affianca un sound interessante quanto misterioso: all’indie rock si sommano forti influenze degli Animal Collective, specialmente negli inserti più misteriosi, come Taking e Sugar. (Sandy) Alex G finisce quindi per suonare strano ma allo stesso tempo accessibile: brani come Gretel, la tenera Southern Sky e In My Arms non possono lasciare indifferenti. La doppietta Cow–Crime rimanda ai migliori Real Estate.

In conclusione, “House Of Sugar” è, come da titolo, un lavoro fondamentalmente dolce, ma infarcito degli elementi particolari e stranianti tipici di Alex Giannascoli. Dopo 8 CD fra Bandcamp, autoprodotti e ora la Domino, con in mezzo svariati EP, il giovane cantautore statunitense pare aver trovato la definitiva maturità. “House Of Sugar” è il suo album più completo e affascinante, un “must-listen” per gli amanti dell’indie rock più eccentrico.

Voto finale: 8.

JPEGMAFIA, “All My Heroes Are Cornballs”

Al terzo album e dopo l’esplosione da cantante di nicchia a rapper venerato da un largo seguito, JPEGMAFIA è tornato. “Veteran” (2018) non è stato un evento casuale: il rap caotico ed eternamente creativo di Barrington DeVaughn Hendricks si conferma una forza motrice devastante, facendo di “All My Heroes Are Cornballs” uno degli album di rap sperimentale migliori dell’anno.

Partiamo intanto dall’analisi della copertina e dei titoli della tracklist: il CD si annuncia lungo e non semplice da assimilare, con canzoni a volte sotto il minuto di durata e altre invece più articolate. Nella cover JPEGMAFIA ha vestiti quasi femminili, circostanza che in effetti si sposa bene col titolo del lavoro e del singolo di lancio: “tutti i miei eroi sono sdolcinati” e Perdonami Gesù, sono una facile rispettivamente. Insomma, le supposizioni sull’identità sessuale del Nostro possono partire, ma Hendricks è sempre stato molto riservato al riguardo e neanche in “All My Heroes Are Cornballs” trapelano indiscrezioni.

Gossip a parte, l’hip hop altamente innovativo e imprevedibile di JPEGMAFIA si conferma efficace: i pezzi più compiuti, come il già citato Jesus Forgive Me, I Am A Thot e Kenan vs. Kel, sono davvero ottimi. La struttura spezzettata del CD può risultare indigesta per alcuni, comprensibilmente (intermezzi come DOTS FREESTYLE REMIX e JPEGMAFIA TYPE BEAT sono fin troppo rumorosi), ma denota una creatività sempre all’erta non banale nello stereotipato panorama mondiale.

Testualmente, i riferimenti di JPEGMAFIA restano tanto vari quanto inclassificabili: troviamo rimandi a Bane, Michael Jackson (entrambi in Rap Grow Old & Die x No Child Left Behind), i Beatles (Post Verified Lifestyle), Brian Wilson dei Beach Boys (BBW), polemiche contro l’uso della forza da parte della polizia (PTSD) e a Gesù (Jesus Forgive Me, I Am A Thot e BUTTERMILK JESUS TYPE BEAT). In tutti i casi però resta indelebile l’abilità di JPEGMAFIA di assemblare brani credibili pur nel caos da lui stesso prodotto.

Il disco a volte risulta davvero difficile da seguire, ma ripetuti ascolti premiano gli ascoltatori. Mentre MIKE qualche mese fa aveva prodotto un CD sperimentale con un tema di fondo (la morte della madre), Hendricks si conferma tanto imprevedibile quanto incapace di dare coerenza ai suoi lavori. Ma proprio qui sta il bello no?

Voto finale: 8.

Brittany Howard, “Jaime”

L’esordio solista della cantante degli Alabama Shakes arriva a quattro anni da “Sound & Color”, il lavoro che fece conoscere il gruppo americano al mondo intero, facendogli anche vincere tre Grammy Awards. La Howard si distacca dal blues-rock che ha reso celebri gli Alabama Shakes, dando spazio alla sua vena soul e non disdegnando incursioni nel synthpop.

“Jaime” è dedicato alla sorella di Brittany, morta all’età di 13 anni a causa di un cancro all’occhio. Questo evento ha tragicamente segnato l’infanzia della cantautrice statunitense, che essendo una donna omosessuale di colore nel sud degli Stati Uniti non ha mai avuto vita facile. Tutto questo substrato di esperienze è la base che tiene insieme le canzoni di “Jaime”: 11 brani tra loro diversi e variegati, ma con tematiche comuni. Ad esempio, in History Repeats la Nostra mette in guardia dal ripetersi della storia, se non staremo attenti. Invece altrove affiorano temi legati all’amore: Georgia tratteggia l’amore di una ragazzina per una più grande, Stay High sogna di vivere per l’eternità con l’amore della vita. 13th Century Metal è però la canzone più ricca di frasi significative: “I am dedicated to oppose those whose will is to divide us and who are determined to keep us in the dark ages of fear… I don’t know about you, but I’m tired of this bullshit and I wanna try to do the best that I can”.

Musicalmente, dicevamo all’inizio, il CD è diverso dalla proposta degli Alabama Shakes: mentre infatti il sound della band si caratterizza per essere retrò (non a caso piace molto a Jack White), Brittany Howard ha sempre un occhio per il passato della musica (evidenti le influenze di D’Angelo e Prince), ma riesce a suonare attuale soprattutto per le tematiche affrontate e il mix musicale che è “Jaime”, pieno di rimandi a soul, jazz, pop e rock. Stupiscono favorevolmente la romantica Georgia e la potente 13th Century Metal, mentre sono inferiori Presence e History Repeats.

Il disco non brilla quindi per coerenza, ma proprio qui risiede il fascino di “Jaime”: accanto a temi delicati la Howard riesce a non suonare mai pesante o monotona, creando un insieme vario ma anche discretamente organico. Non un’impresa facile.

Voto finale: 7,5.

Charli XCX, “Charli”

Il terzo album ufficiale della nascente popstar Charli XCX arriva a ben cinque anni da “Sucker”. Non è però per niente vero che la giovane cantautrice britannica sia stata inattiva in questo lungo periodo: il 2017 l’ha vista produrre ben due mixtape, fra le opere migliori della sua produzione, “Number 1 Angel” e “Pop 2”.

Charli XCX è amata, oltre che dal pubblico, anche dalla critica: il suo ibrido fra pop da classifica, percussioni quasi punk e basi elettroniche rappresenta un passo avanti notevole per il pop. Non per questo però Charli ha mai rinunciato alle charts: le famosissime I Love It e Doing It, cedute rispettivamente alle Icona Pop e a Iggy Azalea, portano la sua firma. Può sembrare strana questa caratteristica di Charli XCX di essere d’avanguardia e mainstream allo stesso tempo, ma probabilmente è proprio qui che risiede il suo fascino.

Il CD, già dal titolo, si annuncia più introspettivo rispetto al passato: mentre in LP precedenti i temi principali erano rappresentati da party, serate travolgenti e l’amore in ogni sua sfumatura, in “Charli” la cantautrice nata Charlotte Aitchison analizza le parti più nascoste di sé. In Gone, ad esempio, con l’aiuto di Héloïse Letissier aka Christine And The Queens, Charli dichiara: “I feel so unstable, fucking hate these people”, la prima ammissione di vera fragilità da parte sua. In February 2017 invece si sente: “Sorry ’bout Grammy night, was lying on my mind, was in a different place, tortured and drifting by”. Il contrasto tra la ricerca della fama e l’inquietudine che ne deriva è evidente.

Musicalmente, il lavoro è un mix di tutte le influenze che hanno caratterizzato la carriera di Charli: dal pop elettronico e robotico di Next Level Charli, alla tropicalia di Warm (con le sorelle Haim più pop che mai), passando per la trap accennata di Click e le ballate Blame It On Your Love (con Lizzo) e Official, “Charli” pare quasi un modo di chiudere una pagina e aprirne un’altra. A brillare particolarmente è Sorry For You, grazie anche alla preziosa collaborazione di Sky Ferreira; invece Shake It è l’unica traccia veramente sbagliata. Non tutto fila, ma non si può non premiare il coraggio sia a livello musicale che testuale di Charli XCX, destinata con ogni probabilità a trovare il definitivo successo con “Charli”.

Voto finale: 7,5.

Bat For Lashes, “Lost Girls”

Il quinto album del progetto Bat For Lashes trova Natasha Khan in piena nostalgia degli anni ’80. Il CD, centrato attorno alla storia di un personaggio immaginario (Nikki Pink) e delle sue compagne di avventure, ha quel retrogusto cinematografico che anche il precedente “The Bride” (2016) possedeva, ma rispetto a quest’ultimo spinge ancora di più sulle tastiere, per creare un album synthpop coerente e breve al punto giusto (38 minuti).

Partiamo subito da un assunto: l’innovazione dei lavori più ispirati della Khan, come “The Haunted man” (2012), manca in questo “Lost Girls”, tanto che il lavoro potrebbe benissimo essere una colonna sonora di Stranger Things. Ciò tuttavia non toglie fascino all’album, che anzi fiorisce pienamente proprio nei suoi pezzi più nostalgici, come l’iniziale Kids In The Dark e Feel For You, pezzi a metà fra Eurythmics e Chic.

Dicevamo prima che il CD è breve al tempo giusto: 10 brani per una durata inferiore ai 40 minuti generano un ascolto gradevole fin dal primo giro, con un replay value garantito dalla grande abilità vocale e di arrangiatrice di Natasha Khan. Ad esempio, canzoni apparentemente più ovvie come Desert Man e Jasmine guadagnano spessore dopo ripetute sessioni di “Lost Girls”. Vampires, il pezzo più inquietante della tracklist, ricorda i Cure. Il disco perde qualcosa in termini di qualità solo nel finale, ma i risultati restano buoni.

La cantautrice inglese, ormai quarantenne, in “Lost Girls” ha trovato la definitiva maturità artistica. La sua abilità di spaziare fra pop più commerciale e paesaggi quasi psichedelici la rendono un outlier nel panorama musicale, ma anche una maestra per artiste come Weyes Blood e Julia Holter. Il treno per il grande successo di pubblico potrebbe essere passato, ma Natasha Khan non ha alcuna intenzione di smettere di creare mondi paurosi ma allo stesso tempo affascinanti.

Voto finale: 7,5.

Liam Gallagher, “Why Me? Why Not.”

Il secondo album solista dell’ex cantante degli Oasis prosegue nel solco tracciato dal precedente “As You Were” (2017): puro rock’n’roll, la voce di Liam al centro del mixaggio e melodie semplici quanto accattivanti. Mentre il fratello-coltello Noel negli ultimi lavori ha dato sfogo alla sua vena sperimentale, il più giovane dei Gallagher ha sempre mantenuto profilo e atteggiamento da rockstar. Era proprio per questa dualità del resto che gli Oasis ebbero tanto successo a cavallo fra i due millenni.

Le due tracce che aprono “Why Me? Why Not.” sono rimandi chiari e legittimi al glorioso passato di Liam: mentre Shockwave richiama i Rolling Stones, la tenera One Of Us è probabilmente la più bella ballata a firma Liam Gallagher dopo I’m Outta Time, tanto lennoniana quanto riuscita. Once è invece più prevedibile, mentre il pop-rock di Now That I’ve Found You riporta con la mente agli Oasis di inizio XXI secolo.

Le 11 tracce di “Why Me? Why Not.” sono sempre godibili; chi venisse qui per arrangiamenti rivoluzionari (ma perché farlo?) sarebbe deluso, ma i fan dei due Gallagher non possono chiedere di meglio. Sì, perché c’è pure un brano quasi sperimentale: Meadow pare ispirato da un consiglio di Noel, non fosse che la cosa pare altamente improbabile. Anche il piano sbilenco di Halo, d’altro canto, introduce elementi nuovi nella palette di Liam.

“Why Me? Why Not.”, già dal titolo e dalle interviste di lancio, era stato catalogato da Our Kid come un CD più rock, quasi punk. Beh, diciamo che la promessa è mantenuta solo a metà: non mancano i brani energici, ma anche le ballate sono ben rappresentate e, a dire il vero, Liam sembra più a suo agio in queste ultime. Ne è esempio, oltre a Once e One Of Us, anche Alright Now. Tra i brani rock più efficaci abbiamo Shockwave e Halo. Inferiori alla media invece Be Still e The River.

Liricamente, il lavoro è un mix di frasi motivazionali (“You’ve got to hold your head up high if you want to break the chains from your past life” canta in Meadow) e apparenti allusioni al fratello Noel: “You’re a snake” urla LG in Shockwave, ma altrove pare meno spavaldo, “At times I wonder if you’re listening” sentiamo dirgli in Alright Now.

Questo LP prosegue efficacemente il ritorno di Liam Gallagher dopo i non fastosi anni dei Beady Eye: mescolando rock classico con elementi più innovativi “Why Me? Why Not.” manca dell’effetto sorpresa di “As You Were”, ma senza dubbio sarà apprezzato dalla sua fanbase e manterrà alta la bandiera degli Oasis ancora per qualche tempo.

Voto finale: 7,5.

M83, “DSVII”

Il nuovo CD degli M83, la band del francese ormai americanizzato Anthony Gonzalez, arriva a tre anni da “Junk”, il più deludente album mai pubblicato dal gruppo, e 12 anni dopo “Digital Shades Vol. 1”, il vero predecessore di “DSVII”. Anche qui infatti trovano spazio le composizioni ambient care a Gonzalez non inserite in un LP vero e proprio del gruppo. Tuttavia, mentre il primo volume era una vera e propria raccolta di b-sides, questo “DSVII” sembra quasi narrare una storia: pare infatti la colonna sonora di un videogioco di ruolo vecchio stampo, con atmosfere evocative e titoli come Meet The Friends e Temple Of Sorrow.

Il CD, molto articolato (15 canzoni per 57 minuti), non è però per questo pesante; anzi, Gonzalez e compagni riescono a creare melodie sempre accattivanti, retrò ma mai eccessivamente nostalgiche o fini a sé stesse. Ne sono esempio l’introduttiva Hell Riders, che illustra fin da subito il mood del lavoro, così come A Bit Of Sweetness. Altrove, è vero, troviamo pezzi meno riusciti come Colonies, troppo lenta, ma non rovinano il risultato complessivo del disco in maniera eccessiva.

In conclusione, la passione per le soundtrack di Anthony Gonzalez è cosa nota: tra 2007 e 2019 (l’intervallo di tempo intercorso fra “Digital Shades Vol. 1” e “DSVII”) ha composto tanti LP quante colonne sonore (3). Questo album è il perfetto punto d’incontro fra le due tendenze degli M83 e un deciso passo avanti rispetto al pessimo “Junk”. Certo, chi si aspettasse di trovare in “DSVII” altre hit trascinanti come Midnight City o Graveyard Girl resterà deluso, ma il disco è convincente e gli amanti dell’ambient ne saranno entusiasti.

Voto finale: 7,5.

Jenny Hval, “The Practice Of Love”

Il nuovo lavoro della cantautrice norvegese Jenny Hval è il suo album più accessibile. Lei, un tempo nota per il suo “estremismo pop” fatto di ricerca e uso dell’elettronica più d’avanguardia, pare più propensa a piacere che a piacersi in questo “The Practice Of Love”; un cambiamento non da poco, ma senza dubbio apprezzabile.

Il CD è snello (8 canzoni per 34 minuti) e per questo facile da digerire già al primo ascolto: mentre però fino a “Blood Bitch” (2016) i dischi di Jenny erano ostici e sperimentali, ma proprio per questo innovativi, in “The Practice Of Love” l’artista norvegese, come già accennato, cerca il consenso del pubblico più che dei critici. Pezzi come High Alice, ad esempio, sono quasi mainstream; Accident l’avvicina a Julia Holter. Nella title track ritorna invece la vena più sperimentale della Hval, dove varie voci si sovrappongono sullo sfondo di tastiere sognanti.

The Practice Of Love è il baricentro di un disco per altri versi davvero notevole: Ashes To Ashes è un bel pezzo quasi anni ’80, Thumbsucker è dolcemente sospesa fra spirito pop e sperimentalismo, la già ricordata High Alice è un altro highlight. A convincere meno è Six Red Cannas, ma non intacca eccessivamente il risultato finale. In certe parti del disco si arriva addirittura a flirtare con la trance music, segno che Jenny Hval ha ancora voglia di testare il proprio pubblico con proposte eccentriche ma mai campate in aria.

In conclusione, Jenny Hval compie un deciso passo avanti in una carriera già molto interessante: “The Practice Of Love” è un CD non perfetto, ma certo affascinante e fa presagire un futuro ricco di successo per la giovane cantautrice norvegese.

Voto finale: 7,5.