Come di consueto, giugno è stato un mese decisamente affollato di uscite musicali interessanti, pur in tempo di Covid-19. Ad A-Rock abbiamo recensito i nuovi lavori di Freddie Gibbs, Phoebe Bridgers, MIKE e dei Run The Jewels. Inoltre abbiamo l’esordio solista della frontwoman della Savages Jehnny Beth, il ritorno delle sorelle HAIM e di Arca, delle due leggende del rock Bob Dylan e Neil Young e il live “unplugged” di Liam Gallagher.

Bob Dylan, “Rough And Rowdy Ways”

Bob Dylan, leggenda vivente del folk e del rock, a quasi 80 anni potrebbe essere in pensione già da tempo, a godersi il meritato riposo dopo 60 anni (!) di attività e milioni di dischi venduti. Invece il Bardo, con “Rough And Rowdy Ways”, prosegue un’intensa attività che lo vede preso sia dalla pubblicazione dei mitici bootleg legati alla sua attività nel XX secolo (siamo giunti al volume numero 15), sia dalla reinterpretazione degli standard americani (ultimo CD a questo proposito è “Fallen Angels” del 2016) sia, non ultima, la produzione di brani nuovi di zecca, di cui avevamo perso le tracce da “Tempest” (2012).

Questa lunga pausa aveva fatto temere che il cantautore nato Robert Zimmerman avesse appeso gli scarpini al chiodo, preferendo dedicarsi alle attività precedentemente enunciate, comunque rilevanti e abbondanti. “Rough And Rowdy Ways” è una sorpresa per più di un motivo dunque; non ultimo che, con il singolo di lancio Murder Most Foul, Bob Dylan ha raggiunto la prima posizione della classifica Billboard per la prima volta in carriera (!!). Un fatto che fa capire quanto ancora il pubblico lo ami e quanto la sua musica sia importante in questi tempi incerti, in cui c’è bisogno di punti di riferimento in ogni campo.

Murder Most Foul è anche il brano più lungo della sua sterminata produzione: 17 minuti dedicati alla controcultura e all’assassinio di John Fitzgerald Kennedy, ancora oggi una ferita aperta nella storia americana. Il fatto che in questa epica melodia Dylan non parli per enigmi o aforismi, come invece era la regola in passato, denota un’altra caratteristica del CD: liricamente è il disco più diretto della produzione recente di Bob Dylan, forse fin dagli esordi.

Non pensiate, però, che il Dylan impressionista sia stato del tutto soppiantato: in My Own Version Of You il Nostro canta di dissotterrare tombe per liberare i personaggi dentro rinchiusi, ponendo loro domande del tipo “Is there a light at the end of the tunnel?” e non ottenendo risposte in cambio. Altrove il tono si fa canzonatorio: in Black Rider lo si sente proclamare “The size of your cock will get you nowhere” e in False Prophet afferma perentorio “I’m the last of the best, you can bury the rest”. Questi versi giocosi sono in effetti fra i pochi a strappare un sorriso in un lavoro che ha la morte come tema principale: “Today and tomorrow and yesterday, too the flowers are dying like all things do” è una delle prime liriche che sentiamo in I Contain Multitudes, apertura del CD.

La musica di “Rough And Rowdy Ways” spazia dal folk al rock, passando per il blues; terreni ben noti al Nostro, ma interpretati come già accennato in maniera tale da svelare piuttosto che accennare, fatto insolito per Bob Dylan. I pezzi che restano impressi fin dal primo ascolto sono Murder Most Foul e I Contain Multitudes, mentre è un po’ troppo lenta Mother Of Muses.

È difficilissimo, forse impossibile stilare una classifica dei CD più belli a firma Bob Dylan: ognuno probabilmente ha il suo preferito, dipendendo il giudizio dal puro gusto personale come dal momento in cui si stila la classifica. Tuttavia, vi sono dei capisaldi che nessuno può ignorare: “Highway 61 Revisited” (1965), “Blonde On Blonde” (1966) e “Blood On The Tracks” (1975) hanno fatto la storia della musica. Il fatto che “Rough And Rowdy Ways” possa anche solo essere avvicinato a questi capolavori è sintomo che, se non parliamo di un LP perfetto, di certo Dylan c’è andato davvero vicino. Se contiamo che questo è il suo 39° (!!!) album di inediti, siamo di fronte a un genio. Chapeau, Bob.

Voto finale: 8,5.

Run The Jewels, “RTJ4”

“You so numb you watch the cops choke out a man like me until my voice goes from a shriek to whisper ‘I can’t breathe’ and you sit there in the house on couch and watch it on TV”. Basterebbe questo devastante verso, contenuto in walking in the snow, per fare di “RTJ4” un CD fondamentale del 2020. El-P e Killer Mike hanno infatti pubblicato il loro quarto lavoro come Run The Jewels nel più adatto dei momenti; del resto, però, chi avrebbe pensato che questo verso, dedicato a Eric Garner, altro caso tragico di razzismo in America, sarebbe stata la colonna sonora delle rivolte scoppiate a seguito del brutale assassinio di George Floyd?

Il duo rap più famoso d’America del resto si è fatto una reputazione per saper anticipare i tempi tramite versi sempre affilatissimi, come accadeva nei precedenti LP tutti intitolati “Run The Jewels” e poi con numeri progressivi, à la Led Zeppelin insomma. I tre CD erano stati le colonne sonore perfette per tempi difficili caratterizzati dalla crisi economica (“Run The Jewels” del 2013 e “Run The Jewels 2” del 2014) e dall’elezione di Donald Trump (“Run The Jewels 3” del 2016).

Oltre a grandi qualità liriche, tuttavia, i RTJ sono anche apprezzati per la loro innata qualità di fondere omaggi più o meno espliciti all’hip hop anni ’90 con ospiti sempre azzeccati che rendono i loro lavori sempre attuali. Ad esempio, in questo “RTJ4” El-P e Killer Mike hanno ingaggiato Josh Homme, Zack De La Rocha e Pharrell Williams: il gotha dell’hard rock e del pop, in poche parole. I risultati sono davvero strabilianti, tanto che il disco potrebbe essere il migliore della già ottima produzione dei Run The Jewels.

Già dall’inizio intuiamo che la rabbia dei RTJ non si è per nulla attenuata: yankee and the brave (ep. 4) contiene una base durissima e ottimi versi sia da parte di Killer Mike che di El-P. Lo stesso vale per la potente holy calamafuck e JU$T. Quando invece i ritmi rallentano il disco perde vigore, questo è il caso ad esempio di goonies v.s. ET. Nondimeno, “RTJ4” come già accennato resta un LP valido, per alcuni addirittura il più riuscito del duo.

I Run The Jewels si confermano al top della carriera, malgrado stiamo parlando di due rapper ormai nell’età matura (hanno entrambi 45 anni) e con una lunga carriera alle spalle. Killer Mike ed El-P potranno avere ormai superato la giovane età, ma la loro capacità di rappresentare i più deboli, specialmente in tempi così complicati, è fondamentale. Basti sentirsi la conclusiva canzone a few words for the firing squad (radiation), in cui i RTJ denunciano i mali della società in modo più efficace di pressoché tutti i politici (i buoni soppressi dai cattivi, la verità manipolata dalle fake news, le differenze di trattamento che dipendono solo dalla razza delle persone…). Bentornati, Run the Jewels.

Voto finale: 8,5.

Neil Young, “Homegrown”

Il 19 giugno 2020 resterà impresso nella memoria degli amanti del rock classico per lungo tempo: quel giorno sono infatti usciti i nuovi dischi di due leggende come Bob Dylan (analizzato poco sopra) e Neil Young. “Homegrown” è in realtà uno dei tanti “dischi perduti” del cantautore canadese: registrato originariamente nel 1974, poi scartato in favore del più tenebroso “Tonight’s The Night” (1975), il CD è un’ottima dimostrazione che, negli anni ’70 del XX secolo, gli scarti di Young sarebbero stati oro per il 90% dei suoi colleghi musicisti.

Il lavoro riprende il familiare folk-rock del Nostro, con delicati intarsi di country e addirittura una parte spoken word (Florida). Le canzoni sono brevi, addirittura Mexico non arriva a 2 minuti, come del resto il disco che dura a malapena 35 minuti. Questo da un lato favorisce l’ascolto, dall’altro ci fa desiderare di più, data l’efficacia della maggior parte dei brani.

La title track, con la sua chitarra in evidenza, è una perla e probabilmente uno dei brani più belli del Neil Young post 2000. Da menzionare anche la più mossa Vacancy. Ma nulla in realtà è superfluo, creando un’atmosfera rilassata malgrado a volte le liriche siano piuttosto tetre.

Ad esempio, Florida narra la storia immaginaria di Young che salva un bambino dopo un incidente mortale per i genitori del bimbo; invece White Lines contiene la criptica lirica “That old white line is a friend of mine”, riferimento forse alla cocaina? È chiaro che il cantautore si mette a nudo, fatto evidenziato anche dalla delicata Try, in cui Neil canta “Darlin’, the door is open to my heart, and I’ve been hoping that you won’t be the one to struggle with the key”, chiaro riferimento alla storia d’amore appena terminata con l’attrice Carrie Snodgress.

“Homegrown” è un CD imperdibile non solo per i collezionisti e per i fans duri e puri di Neil Young; è un lavoro consigliato a tutti gli amanti della musica rock, passata e presente. Anche più di “Hitchhiker” (2017), altro LP perduto da tempo di Neil Young recentemente riemerso, è una testimonianza del talento immenso di uno dei più grandi cantautori degli ultimi 50 anni (!).

Voto finale: 8.

Phoebe Bridgers, “Punisher”

Nel mondo del folk Phoebe Bridgers è conosciuta come un talento cristallino, capace di trovare una propria dimensione sia come artista in proprio (fin dal suo esordio “Stranger In The Alps” del 2017) che come collaboratrice, sia nelle boygenius (assieme a Lucy Dacus e Julien Baker) che nei Better Oblivion Community Centre (con Conor Oberst).

Tutto questo sottolinea la grande prolificità della Nostra: fra 2017 e 2020 ha infatti collaborato attivamente a quattro fra dischi ed EP, producendo inoltre i lavori più recenti di Blake Mills e Christian Lee Hutson. L’iperattività di Phoebe non è tuttavia mai andata a scapito della qualità: evolvendo progressivamente rispetto al timido esordio, la Bridgers ha infatti costruito un proprio universo, fatto di candida sincerità e melodie avvolgenti, sbocciando pienamente in “Punisher”.

La breve DVD Menu vale da introduzione alla prima vera perla del CD, quella Garden Song non a caso scelta come singolo di lancio, gran pezzo folk. Segue a ruota la seconda meraviglia, Kyoto: un brano indie rock degno dei migliori Deerhunter, impreziosito dalla delicata voce di Phoebe. La cantautrice statunitense decide poi di rallentare i ritmi, tornando alla lentezza di “Stranger In The Alps”, per poi accelerare di nuovo nell’ottima Chinese Satellite.

La seconda parte di “Punisher” mantiene questa struttura a due facce, creando un LP variegato ma mai troppo slegato. Le liriche, poi, fungono da perfetto complemento: il candore di Phoebe Bridgers è cosa nota, qui si arricchisce di dediche al defunto maestro Elliott Smith (la title track) e riferimenti più o meno velati e ironici alla fine del mondo (“Yeah, I guess the end is here” canta in I Know The End, che chiude epicamente il CD).

“Punisher” è quindi un CD tutto da gustare, in cui Phoebe Bridgers mette in mostra tutto il suo talento, aiutata anche dalla collaborazione degli storici amici boygenius e Conor Oberst e mostrando una maturità compositiva che pare pienamente raggiunta.

Voto finale: 8.

HAIM, “Women In Music Pt. III”

Le sorelle Haim, rispettivamente Danielle (voce principale e chitarra), Alana (chitarra) ed Este (basso) hanno costruito con “Women In Music Pt. III” il loro miglior disco. Ripartendo dal loro tradizionale pop-rock sfrontato e ottimista, la band californiana ha introdotto elementi di folk ed elettronica che ne hanno ampliato la palette sonora, mettendo in mostra un desiderio di sperimentare benvenuto dopo il mezzo passo falso di “Something To Tell You” (2017).

Ripetuti ascolti, nel caso di “Women In Music Pt. III”, non mettono in evidenza le debolezze del lavoro, come spesso accadeva nel passato per le tre Haim; al contrario, la delicata bellezza di Summer Girl e l’irresistibilità di Los Angeles ne vengono esaltate. È vero, ancora la voglia di strafare costringe le sorelle a produrre brani deboli come la scontata I Don’t Wanna e l’inutile intermezzo Man From The Magazine, ma aiutate dai consigli sapienti di Rostam Batmanglij e Ariel Rechtshaid (quest’ultimo è anche partner di Danielle) le Nostre riescono ad evitare cadute di stile.

Anche testualmente le sorelle Haim compiono passi avanti rispetto al passato: se fino al secondo CD “Something To Tell You” i loro testi erano prevalentemente frivoli, perfettamente allineati ai ritmi estivi e sereni delle canzoni, in questo lavoro i toni sono a volte decisamente più raccolti, basti citare la già menzionata Summer Girl. Danielle, inoltre, ha dovuto supportare il fidanzato quando il cancro alla prostata lo ha colpito nel 2015; Este invece convive col diabete da tempo, mentre Alana ha visto morire recentemente un suo caro amico. Insomma, non sono stati anni facili per le HAIM; a questo aggiungiamoci il Coronavirus e il panorama è decisamente più tetro rispetto a qualche tempo fa. Basti questo verso tratto da I’ve Been Down: “But I ain’t dead yet”.

In generale, “Women In Music Pt. III” è il disco più compiuto finora nella carriera delle HAIM; la varietà stilistica non va a scapito della qualità del CD, che anzi mescola abilmente generi disparati e amplierà probabilmente il pubblico della band.

Voto finale: 8.

MIKE, “Weight Of The World”

Il giovane ma già affermato rapper newyorkese MIKE, con “Weight Of The World”, prosegue la strada tracciata nel fortunato album precedente, “tears of joy” (2019). Dal canto nostro, ad A-Rock avevamo già messo gli occhi su di lui, inserendolo in un profilo della rubrica “Rising”, dedicata ai giovani talenti, e nella lista dei migliori CD dell’anno.

L’hip hop astratto e delicato di MIKE è infatti davvero riuscito nelle sue parti migliori (basti sentirsi No, No e Da Screets), evocando il miglior MF Doom ed Earl Sweatshirt, che in un certo senso ha ricambiato la stima del Nostro collaborando in Allstar. Il disco prosegue idealmente quanto fatto in “tears of joy”: MIKE è ancora devastato dalla morte prematura della madre, che viene continuamente evocata in “Weight Of The World”. Anche musicalmente non vi sono innovazioni particolari, anzi possiamo dire che il talentuoso rapper approfondisce la formula vincente del precedente LP, riducendone la frammentarietà (siamo a 16 brani per 35 minuti); solo due canzoni superano i tre minuti, Coat Of Many Colors e Weight Of The Word*.

I testi, come già si sarà capito, sono il pezzo forte del lavoro: in delicate descrive un’infanzia travagliata, “We used to freeze up in the winter, the summers, we rose” canta malinconicamente. In alert* affronta il tema della depressione: “Papa knows it’s doom I need to work through” è un verso chiarissimo. Tuttavia, la palma di lirica più devastante la vince “Walked her out the Earth, just me, a couple nurses”, contenuta in 222: un commiato asciutto ma davvero toccante dalla madre da poco defunta.

Il CD, come già accennato, non rinnova l’estetica di MIKE, nondimeno serve a rinforzare una discografia già interessante e a renderlo un volto riconoscibile, verrebbe quasi da dire irrinunciabile, per l’hip hop sperimentale.

Voto finale: 8.

Freddie Gibbs feat. The Alchemist, “Alfredo”

Fin dal titolo e dalla copertina “Alfredo” di Freddie Gibbs, realizzato in collaborazione col produttore The Alchemist, è chiaramente ispirato ai personaggi della mafia italo-americana. Alfredo infatti è uno dei figli di Don Vito Corleone nella saga de Il Padrino, mentre la cover è il simbolo cinematografico dell’epopea della famiglia Corleone.

In effetti Freddie Gibbs è unanimemente riconosciuto come uno dei migliori gangsta rap della sua generazione: testi affilati, flow efficace su ogni base (specialmente quelle jazzate) e una produzione abbondante, che lo ha visto pubblicare ben cinque CD negli ultimi tre anni, fra collaborazioni con produttori di grido (oltre a The Alchemist abbiamo avuto “Bandana” con Madlib nel 2019) e prove soliste.

“Alfredo” percorre sentieri conosciuti per il veterano della scena hip hop statunitense: i beats di The Alchemist sono molto vecchio stampo, ricordando il rap anni ’90. Freddie Gibbs, dal canto suo, aggiunge la sua solita efficacia nel raccontare storie dure con tocchi di umanità inattesi; esemplare al riguardo questo verso contenuto in Skinny Huge: “Man, my uncle died off a overdose… And the fucked up part about that is, I know who supplied the nigga that sold it”. Altrove invece emerge la sua passione per le storie di mafia: Baby $hit campiona una frase del boss impersonato da Chazz Palminteri in una celebre serie tv americana, Godfather Of Harlem.

I risultati sono, come usuale con Gibbs, molto interessanti, specialmente in quei pezzi dove il Nostro non si trattiene e, grazie anche a ospiti di spessore, riesce a tirare fuori il meglio di sé: è il caso di Something To Rap About, con il fondamentale supporto di Tyler, The Creator. Altra ottima canzone è God Is Perfect. Convincono meno invece i momenti più introspettivi del lavoro, da 1985 a Look At Me, che spezzano il flusso del CD.

In generale, “Alfredo” è un’altra aggiunta di livello ad una discografia tanto frastagliata quanto in crescendo; Freddie Gibbs ha ormai trovato la sua dimensione e pare in grado, come già accennato in apertura, di rappare su ogni tipo di base, pur prediligendo quelle vecchio stile. Non siamo di fronte a un nuovo “Bandana”, ma il disco è godibile e perfettamente intonato a tempi in cui l’hip hop incarna la voglia di cambiamento della società.

Voto finale: 7,5.

Liam Gallagher, “MTV Unplugged (Live At Hull City Hall)”

Il più giovane dei fratelli Gallagher ci ha preso gusto. Dopo aver condiviso pochi mesi fa le ottime “Acoustic Sessions”, questo “MTV Unplugged (Live At Hull City Hall)” è un altro live che farà felici i fans del carismatico ex frontman degli Oasis. Mescolando pezzi classici degli Oasis con il suo output più recente, Liam ribadisce una volta di più di sentirsi decisamente a suo agio nelle esibizioni live, soprattutto con i brani acustici, chiudendo una striscia vincente inaugurata dal suo secondo album solista “Why Me? Why Not.” (2019) e proseguita con i suoi recenti CD dal vivo.

La tracklist è stata leggermente modificata rispetto all’esibizione originale, lasciando maggiore spazio alla produzione Oasis rispetto a quella solista; scelta discutibile ma legittima, contando che fra i classici della band di Manchester riprodotti abbiamo Champagne Supernova e Some Might Say, che da sole valgono sempre il prezzo del biglietto. Sottolineiamo poi la delicatezza di Sad Song, originariamente rimasta fuori da “Definitely Maybe” (1994) e cantata dal fratello Noel. L’epicità di Stand By Me completa benissimo il quadro.

Dal canto loro, le canzoni soliste di Liam non perdono intensità rispetto alla versione presentata negli album recenti del cantautore britannico, ma certo non raggiungono le vette di quando Noel e Liam erano ancora insieme negli Oasis. Buone infatti Wall Of Glass e Now That I’ve Found You, che rendono la setlist magari non della stessa qualità media ma più attuale.

Lontano è il 1996, quando Liam, in preda a una sbornia colossale, lasciò solo il povero Noel a gestire il live di MTV, sbeffeggiandolo poi dagli spalti. Quello, peraltro, è stato probabilmente il momento in cui il maggiore dei fratelli Gallagher si accorse di essere anche lui un buon frontman, sprovvisto del carisma di Our Kid ma non meno efficace vocalmente. Ora Liam è un uomo più “morigerato”, capace di scusarsi con MTV per la scorsa volta e di regalare momenti davvero notevoli. Il suo 2020, se questo ne segna un’ideale chiusura dal punto di vista artistico, è stato davvero trionfale.

Voto finale: 7,5.

Arca, “KiCk i”

Il nuovo lavoro della produttrice venezuelana Alejandra Ghersi, in arte Arca, è un documento fedele della transizione a cui è andata sottoponendosi negli ultimi anni. Nata Alejandro, la sua parte femminile ha poi preso il sopravvento e l’ha spinta a diventare donna, un processo che la sua musica ha descritto quasi sotto forma diaristica attraverso trame elettroniche spesso estreme e momenti di puro sperimentalismo, soprattutto agli esordi.

“KiCk i” (da leggersi “kick one”) è il primo in una nuova serie di CD da parte di Arca ed è ad oggi il più pop nella sua produzione. Certo, stiamo sempre parlando di un disco in cui sono presenti momenti veramente inscrutabili (Riquiquí, Rip The Slit), ma in cui anche grazie alla presenza di ospiti azzeccati (Björk, SOPHIE, Rosalia) il lato più “mainstream” dell’artista venezuelana viene fuori, basti sentire Mequetrefe e la bella canzone conclusiva No Quede Nada.

Il fatto di alternare stili e linguaggi diversi (Arca parla infatti fluentemente spagnolo ed inglese) rende il CD difficilmente assimilabile dopo un solo ascolto, contando anche che le tematiche, come già accennato, non sono quelle tipiche di un lavoro pop. Fin dall’introduttiva Nonbinary Arca rende chiaro il concetto: “I don’t give a fuck what you think, you don’t know me” proclama fiera. Le ospitate di Björk e SOPHIE si risolvono in canzoni non perfette ma che evidenziano i tratti comuni con le due artiste, soprattutto con la Björk anni ’90 di “Homogenic” (1997). Rosalia, dal lato suo, fonde il suo flamenco suadente con l’elettronica aggressiva di Arca in KLK, portando a risultati non proprio perfetti ma certamente non banali.

In generale, ripetuti ascolti premiano il coraggio estetico e testuale di Alejandra Ghersi, ormai a suo agio nel suo corpo e con un’identità definita. Non tutto è rose e fiori in “KiCk i”, ma senza dubbio il lavoro è un nuovo capitolo di una carriera sempre imprevedibile.

Voto finale: 7,5.

Jehnny Beth, “TO LOVE IS TO LIVE”

L’esordio solista della cantante delle Savages non è, come alcuni potrebbero pensare, un altro disco del gruppo sotto mentite spoglie. Jehnny Beth infatti sperimenta con sintetizzatori e musica industrial, creando un CD non sempre riuscito ma mai scontato.

Prodotto dal partner della cantautrice francese nata Camille Berthomier e ormai trapiantata in Inghilterra, Johnny Hostile, “TO LOVE IS TO LIVE” riecheggia nel titolo uno dei temi portanti dell’ultimo disco ad oggi delle Savages, “Adore Life” (2016): l’amore. Insieme alla mortalità, infatti, è proprio l’amore l’argomento più dibattuto in questo lavoro. Prova ne sia la dura I’m The Man, in cui si tratteggia senza fronzoli il modo in cui alcuni uomini concepiscono la mascolinità (“There’s no bitch in town who doesn’t understand how hard my dick can be”). Altrove emergono invece l’alienazione causata dai social network (in Human la Nostra canta “I used to be a human being… Now I live in the web”).

Questa coerenza testuale fa da contraltare a canzoni spesso schizofreniche, molto diverse l’una dall’altra, che rendono il CD all’inizio difficile da digerire ma mai prevedibile, passando infatti dal poema recitato dall’attore Cillian Murphy in A Place Above ai ritmi industrial di Innocence e How Could You alla ballata Flower. Il punk sanguigno delle Savages emerge solo in Human e I’m The Man, facendo di “TO LOVE IS TO LIVE” un album quasi sperimentale.

In conclusione, il CD è ben congegnato ma allo stesso tempo non all’altezza del miglior lavoro fino ad ora di Jehnny Beth, il fulminante esordio delle Savages “Silence Yourself” del 2013. È certamente un fatto positivo che la cantautrice abbia cercato suoni ed esperienze diverse nel suo primo disco solista, aspettiamo di vedere se tutto questo influenzerà anche il prossimo disco della sua band più nota.

Voto finale: 7.