Cosa ci eravamo persi?
Come già negli anni precedenti, A-Rock ha dato il massimo per recensire quanti più CD possibili nei mesi passati. Tuttavia, inevitabilmente abbiamo tralasciato dischi che, col tempo, si sono rivelati davvero interessanti; è il caso ad esempio degli ultimi lavori di Jessie Ware, Cloud Nothings e Blake Mills. In più abbiamo un breve EP a firma Animal Collective e l’ennesima incarnazione di Ty Segall, questa volta nei Wasted Shirt, ma anche i ritorni di Moodymann, Dirty Projectors e Jeff Rosenstock. Ma andiamo con ordine.
Jessie Ware, “What’s Your Pleasure?”
Il ritorno della cantautrice inglese è un romantico rimando agli anni ’70-’80 del secolo scorso, in cui la dance di Donna Summer e il funk di Prince trionfavano sulla pista da ballo e in classifica. “What’s Your Pleasure?” è un disco davvero interessante, coeso e mai ridondante, in cui Jessie mette in mostra il suo talento e contribuisce a riportare la disco al centro dell’attenzione, sulla scia del clamoroso successo ottenuto da Dua Lipa con “Future Nostalgia”. Col prezioso supporto alla produzione di James Ford (già collaboratore di Arctic Monkeys e Foals fra gli altri), i risultati sono davvero imperdibili.
Fin dall’inizio capiamo che “What’s Your Pleasure?” è un disco che ritorna a “Devotion” (2012), l’esordio che aveva fatto conoscere Jessie Ware al mondo: atmosfere sexy e ballabili, retrò ma mai scopiazzate dai giganti del genere. Spotlight è il brano migliore del disco e potrebbe andare avanti ben oltre i cinque minuti della sua durata. Ottima poi la title track; da menzionare poi Ooh La La, che riporta alla memoria il funk di Sly & The Family Stone e il Prince degli esordi.
Se dobbiamo trovare una pecca al CD è a volte la similitudine fra una canzone e l’altra, ad esempio Step Into My Life è una ripetizione delle atmosfere ballabili già assaporate per la durata del lavoro, ma insomma i risultati complessivi sono davvero gradevoli.
Jessie Ware aveva esplorato il proprio lato più pop e intimista nei suoi ultimi LP, soprattutto “Glasshouse” del 2017; questo album da un lato è un ritorno al mondo ottimista e discotecaro degli anni ‘70-‘80, senza dubbio, ma la britannica riesce a non suonare scontata e il CD renderà l’estate migliore (o almeno più sopportabile) per tutti noi.
Voto finale: 8.
Moodymann, “TAKEN AWAY”
Il nono disco di Moodymann, leggenda della scena house americana, è un’altra aggiunta di valore ad una discografia sempre più ragguardevole. “TAKEN AWAY” arriva solo un anno dopo “SINNER” e anch’esso non è stato inizialmente condiviso sulle principali piattaforme di streaming (mentre “SINNER” è da qualche mese disponibile, “TAKEN AWAY” tuttora non lo è), ma solo sul profilo Bandcamp dell’artista. Scelta inconsueta per molti, non per Kenny Dixon Jr. (questo il vero nome di Moodymann), DJ sempre misterioso, tornato sulle scene nel 2014 dopo dieci anni di strana assenza.
“TAKEN AWAY” non è un titolo casuale: Moodymann infatti l’anno passato è stato vittima di una violenza a cui ormai siamo abituati da parte della polizia americana, che l’ha portato in cella e minacciato con le pistole puntate a seguito di “comportamenti sospetti”. L’episodio ha legittimamente scosso Dixon, che intitolando il nuovo lavoro “TAKEN AWAY” (ovvero “portato via”) e scegliendo basi meno funky del solito, a volte davvero cupe, ha impresso un tono decisamente più malinconico del solito al CD.
Ne sentiamo echi in alcune parti testuali, ad esempio in Let Me In Moodymann canta “You’ve never been a good soul to anyone, especially me”; in Slow Down avvertiamo improvvisamente delle sirene di polizia arrivare minacciose, per poi dissolversi. Le sirene tornano anche nella title track, allegra ma allo stesso tempo pervasa da una malinconia, quasi un senso di inquietudine che rende “TAKEN AWAY” il disco più cupo a firma Moodymann.
Kenny Dixon Jr. si conferma una volta di più maestro dell’elettronica, capace di scrivere canzoni profonde ma mai monotone e anzi con alto replay value, prova ne siano le affascinanti Let Me Show You Love e Taken Away. Unica nota stonata è I’m Already Hi, ma il bilancio dell’album resta positivo. “TAKEN AWAY” è uno dei migliori LP di musica elettronica dell’anno, un risultato non scontato per un musicista che fa ballare le folle da ormai tre decadi.
Voto finale: 8.
Jeff Rosenstock, “NO DREAM”
Il nuovo album di Jeff Rosenstock, il quarto della sua carriera solista, continua il percorso intrapreso con “WORRY.” (2016) e “POST-” (2018): un punk a volte virato verso il pop, modello Blink-182, che altre volte invece ritorna alle radici hardcore dell’estetica di Jeff. I testi profetici, sempre arrabbiati ma mai rassegnati, ne hanno fatto un artista davvero imprescindibile per gli amanti del punk-rock.
“NO DREAM” mantiene alta la bandiera di Rosenstock attraverso canzoni imprevedibili, capaci di cambiare ritmo più volte nei tre minuti canonici di durata e di trovare ispirazione anche nello ska e nel metal (si senta la durissima title track). Rispetto a “POST-” mancano i coretti accattivanti, che lasciano spazio a canzoni più dure ma mai fini a sé stesse. I migliori pezzi sono Leave It In The Sun e Ohio Tpke, ma in generale i 40 minuti di “NO DREAM” passano bene e fanno venir voglia di premere nuovamente il tasto play. Evitabile solamente il breve intermezzo Monday At The Beach.
Testualmente, poi, Jeff mantiene la fama di liricista schietto, pessimista ma non rassegnato alla sconfitta contro una destra politica e un capitalismo che lui vede come intrinsecamente corrotti. In NO TIME domanda “Did you turn into a person that you really want to be?”, più una domanda posta a sé stesso che al pubblico. Scram! è ancora più esplicita e polemica contro una certa sinistra: “I’ve been told most my life, ‘Try and see the other side’ by people who have never tried to see the other side” è una denuncia contro i radical chic di ogni paese. Insomma, Rosenstock non risparmia nessuno, addossando le colpe della pessima condizione in cui il pianeta è ridotto in parti più o meno uguali ad entrambe le fazioni.
Non siamo quindi di fronte a nulla di innovativo per il mondo punk, questo è evidente, ma le 13 canzoni del CD sono una gradevole aggiunta ad una discografia sempre più interessante.
Voto finale: 7,5.
Blake Mills, “Mutable Set”
Il produttore e cantautore americano Blake Mills ha avuto un 2020 davvero trionfale. Accanto a collaborazioni di alto livello in CD altrui (Bob Dylan, Fiona Apple, Perfume Genius), “Mutable Set” è il terzo disco solista di Mills e prosegue nel percorso intrapreso con il precedente “Neigh Ho” (2014) e con l’EP “Look” del 2018. Il folk del Nostro è scarno, semplice ma mai scontato, grazie alla sua abilità alla chitarra.
Il lavoro è composto da 11 canzoni per 52 minuti di durata: l’estetica di Mills ricorda molto l’Elliott Smith di “Either/Or” (1997), ma anche Sufjan Stevens e Mount Eerie. Non quindi un LP trascinante, piuttosto un lavoro tramite cui rasserenare l’animo. I pezzi migliori sono Money Is The True God e Vanishing Twin, mentre sono troppo monotone Summer All Over e Farsickness.
In generale, come già ricordato, Blake Mills sarà uno dei pochi per cui il 2020, almeno artisticamente, verrà ricordato positivamente. Le collaborazioni con giganti del rock e volti del pop d’avanguardia, oltre a un disco in solitaria di successo, ne hanno decisamente aumentato la notorietà; vedremo in futuro come il cantautore californiano cavalcherà questa improvvisa fama.
Voto finale: 7,5.
Animal Collective, “Bridge To Quiet”
Fra le tante band che hanno deciso di regalare ai fans dei momenti di serenità durante la pandemia non potevano mancare gli Animal Collective. La band americana ha infatti condiviso il breve EP “Bridge To Quiet”, quattro canzoni per un totale di 34 minuti di musica: le sonorità si distanziano dall’ultimo album del gruppo, quel “Tangerine Reef” (2018) che aveva fatto storcere il naso a molti adepti della prima ora a causa delle sonorità fin troppo lente e monotone.
Rain In Cups, la prima traccia dell’EP, è infatti sì serena, ma non ferma: Avey Tare riesce a trasmettere sensazioni anche con un testo quanto mai criptico, grazie ad una base di tastiere che ricorda i lavori degli anni ’00 degli AC. La successiva Piggy Knows (che già dal titolo si preannuncia molto particolare) pare presa dalle sessioni che hanno portato a “Feels” (2005) e a “Strawberry Jam” (2007), tanto è psichedelica e rasserenante allo stesso tempo. Il terzo pezzo, Sux-Bier Passage, è il più misterioso del lotto, con le sue tastiere oscure e la quasi totale assenza di liriche. Infine abbiamo Bridge To Quiet, la title track che chiude il lavoro e in cui la presenza di Noah Lennox (più noto come Panda Bear) torna a farsi sentire negli Animal Collective dopo alcuni anni di assenza.
L’EP certo non è il lavoro migliore del gruppo, che conta in passato un capolavoro come “Merriweather Post Pavilion” (2009), tuttavia è un ritorno alle sonorità che più stanno a cuore ai fans: strambe ma mai troppo sperimentali, ardite ma anche accessibili. Insomma, finalmente un buon lavoro a firma Animal Collective.
Voto finale: 7.
Cloud Nothings, “The Black Hole Understands”
Il nuovo CD dei Cloud Nothings, band punk-rock americana, è stato realizzato praticamente senza marketing o pubblicità di alcun tipo, addirittura pubblicandolo solamente sul profilo Bandcamp del gruppo. Una mossa à la Taylor Swift verrebbe da dire, naturalmente senza le pretese di vendite e successo della cantautrice. Tuttavia, “The Black Hole Understands” non è un esperimento fine a sé stesso: i Cloud Nothings cercano un approccio meno massimalista rispetto al precedente disco “Last Building Burning” (2018), rinunciando alla durezza di pezzi come On An Edge e privilegiando invece pezzi più melodici, sulla falsariga di “Life Without Sound” (2017).
La svolta nel sound della band potrebbe anche essere stata causata dalla volontà di Dylan Baldi, leader dei Cloud Nothings, di registrare un CD più accogliente come regalo al proprio pubblico in tempi di Covid-19: incidere dieci canzoni in remoto, comunicando col resto della band solo via mail, non deve essere stato facile. Nondimeno pezzi come l’iniziale Story That I Live e An Average World sono fra i migliori del gruppo, orecchiabili ma non scontati nella loro sensibilità pop. Da notare anche il primo brano interamente strumentale dei Cloud Nothings, Tall Gray Structure. Invece deludono le più prevedibili A Silent Reaction e Right On The Edge.
Liricamente, i Cloud Nothings si confermano nichilisti convinti, come già enunciato nel vero manifesto della loro estetica, Wasted Days: in An Average World Baldi si chiede “What is the purpose of anything more?”, in Story That I Live proclama desolato “This ain’t the ending I had wanted”… Solo in Right On The Edge Dylan canta quasi sollevato “Ordinary people living out their lives”, più un augurio per il futuro che lo stato delle cose.
In generale, Baldi & co. paiono avere perso lo smalto dei giorni migliori, quello che aveva reso “Attack On Memory” (2012) e “Here And Nowhere Else” (2014) dei CD imperdibili per gli amanti del punk-rock. “The Black Hole Understands” è un’aggiunta apprezzabile alla loro discografia, ma è molto improbabile che anche uno dei fans del gruppo americano lo annoveri fra i preferiti della produzione dei Cloud Nothings. Questo, va detto, anche per merito (o colpa) del resto degli LP della band, davvero di alto livello.
Voto finale: 7.
Dirty Projectors, “Windows Open” / “Flight Tower”
“Windows Open”, il primo della serie, ritorna alle origini del progetto: un indie folk gentile e semplice, solo che non canta il leader David Longstreth, lasciando spazio a dolci voci femminili. Da poco il gruppo americano ha accolto altri tre membri, vale a dire Maia Friedman, Felicia Douglass e Kristin Slipp, quindi tre donne che saranno di aiuto a Longstreth vocalmente e daranno maggiore varietà alle composizioni.
Le quattro canzoni dell’EP passano via serene e senza scosse, allo stesso tempo un vantaggio ma anche un punto debole per una band sempre imprevedibile (a volte anche troppo) come i Dirty Projectors. Molto carina Overlord, ma nessuna è fuori posto; allo stesso tempo i soli dieci minuti di durata del disco ci fanno bramare per qualcosa di più sostanzioso.
“Flight Tower”, il secondo EP del 2020 a firma Dirty Projectors finora, mantiene l’attenzione al pop data recentemente dal gruppo, guardando contemporaneamente all’R&B, specialmente in “Lamp Lit Prose” (2018), lasciando da parte l’ermetismo e la cupezza di “Dirty Projectors” (2017).
La brevissima durata del lavoro (solo quattro pezzi per poco più di dieci minuti) costituisce anche in questo caso un vantaggio, dato che consente un’assimilazione istantanea, ma allo stesso tempo ci farebbe propendere per un progetto più compiuto. Spicca soprattutto l’iniziale Inner World, in generale le canzoni si integrano bene l’una con l’altra.
In conclusione, “Flight Tower” è un gradevole EP da parte di una band ormai celeberrima nel mondo indie rock. La nuova direzione potrà non piacere agli amanti della parte più rock del gruppo, ad esempio di “Swing Lo Magellan” (2012), ma dimostra che Longstreth e co. hanno ancora qualcosa da dare alla musica contemporanea. Accoppiato a “Windows Open”, i risultati sono rispettabili, non certo trascendentali.
Voto finale: 6,5.
Wasted Shirt, “Fungus II”
Il prolifico garage rocker californiano Ty Segall ha già flirtato in passato con altri generi, dal punk (“Slaughterhouse” del 2012) al folk (“Sleeper” del 2013) passando per la psichedelia (“Hair” del 2012 insieme a White Fence). Wasted Shirt è l’ennesimo progetto del Nostro, questa volta concentrato sul versante più duro del rock, non a caso affiancato da Brian Chippendale dei Lightning Bolt, duo noise rock.
Il risultato di questa collaborazione è lo strano “Fungus II”, un ibrido fra gli istinti più estremi di Ty e l’usuale caos dei Lightning Bolt: canzoni abrasive, dure e mal digeribili al primo ascolto, piene di riff potenti e con la batteria in primo piano. Diciamo che entrambi si lasciano andare con gusto, producendo anche un brano prog come la conclusiva Four Strangers Enter The Cement At Dusk. L’output non è sempre riuscito, però senza dubbio piacerà agli amanti del rock più sperimentale e del metal. Convince in generale più la seconda parte rispetto all’inizio, quando il rumore pare a volte fine sé stesso.
Ty Segall è un artista dai mille volti, come già accennato; questo è per certi versi un vantaggio, dato che consente ai suoi fans di restare sempre sorpresi dai suoi numerosi CD, siano essi di inediti, cover o live. Dall’altro lato, però, produrre due/tre dischi all’anno non gli ha mai permesso di pubblicare un lavoro ragionato e quindi incontestabilmente bello, malgrado i buoni non manchino, da “Manipulator” (2014) a “Freedom’s Goblin” (2018) passando per “Ty Segall” (2017). “Fungus II” rientra pertanto nell’ambito delle occasioni perse: alcune buone tracce ci sono (ad esempio Harsho), ma in generale Wasted Shirt pare un esperimento più che un progetto destinato a durare.
Voto finale: 6,5.
A-Rock 