Ottobre è stato un mese molto interessante, che ha visto ritorni attesi ed altri invece tanto imprevisti quanto benvenuti. È questo il caso della nuova collaborazione fra 21 Savage e Metro Boomin. Abbiamo poi il ritorno del duo elettronico Autechre, di Bruce Springsteen e dei Gorillaz. Inoltre ottobre ha visto l’esordio solista del cantante dei The National, Matt Berninger, oltre che i due nuovi lavori di Adrianne Lenker, frontwoman dei Big Thief. Ah, non scordiamoci del secondo CD del 2020 di Jay Electronica, del quarto EP del 2020 dei Dirty Projectors e del nuovo EP a firma James Blake! Per concludere, citiamo il lavoro di Jeff Tweedy, frontman dei Wilco, e il ritorno dei Fuzz, una delle tante creature che vedono il coinvolgimento di Ty Segall.

Adrianne Lenker, “songs” / “instrumentals”

La prolificità e la consistenza dimostrate nel corso degli ultimi anni da Adrianne Lenker hanno dell’incredibile: tra 2016 e 2020 abbiamo ben sette dischi (!) in cui lei collabora o si espone in prima persona, quattro con i Big Thief (di cui due nel 2019) e tre a suo nome, di cui due nell’infausto 2020. Infausto non solo per il Coronavirus: Adrianne infatti ha anche subito la rottura col suo partner di lunga data, tanto da sentirsi in dovere di rifugiarsi in una cabina in Massachusetts (un po’ à la Bon Iver) e comporre la coppia di lavori “songs” e “instrumentals”.

Sebbene quindi i due possano apparire divisi, in realtà vanno intesi come un unico lungo LP: una prima parte contenente canzoni vere e proprie, con Adrianne e la sua chitarra in primo piano, e una seconda composta da due lunghe suite strumentali, quasi ambient a tratti. I quasi 90 minuti tuttavia non pesano e fanno capire quanto dotata sia la cantautrice americana, uno dei volti più riconoscibili e meritevoli del panorama indie, sia sul versante rock che su quello folk.

“songs” è un album nato nella sofferenza, come abbiamo intuito e come Adrianne ribadisce in varie liriche del CD; tuttavia la sensazione che ne deriva ascoltandolo è di calma e serenità, grazie a pezzi efficaci come l’incantevole anything e not a lot, just forever. Non demeritano nemmeno ingydar e dragon eyes, mentre è un po’ monotona forwards beckon rebound.

Liricamente, dicevamo, il CD contiene frasi davvero espressive, con cui Lenker dichiara tutto il rammarico per la storia finita dopo sei anni di fidanzamento: “Tell me lies, wanna see your eyes. Is it a crime to say I still need you?” (two reverse), “Your dearest fantasy is to grow a baby in me” (not a lot, just forever), “Oh emptiness! Tell me ’bout your nature, maybe I’ve been getting you wrong” (zombie girl). Come detto, però, tutta questa malinconia non intacca il carattere del lavoro, che la Nostra mantiene su binari simili al primo Bon Iver e alla Joni Mitchell degli esordi.

“instrumentals” è la coda tanto misteriosa quanto affascinante di “songs”: formato da soli due pezzi molto estesi, music for indigo e mostly chimes, ha comunque una durata di 37 minuti e una capacità di evocare luoghi e sensazioni non banale. Se la prima almeno presenta la chitarra in primo piano, mostly chimes è invece un pezzo ambient puro e semplice, che pare voler fare scomparire del tutto la figura di Adrianne Lenker, riuscendoci peraltro in pieno.

Accostare Joni Mitchell così come Leonard Cohen e Bob Dylan a Lenker inizia a non essere un affronto; nulla di male, anzi. Adrianne, sia da frontwoman dei Big Thief che solista, ha trovato una sua preziosa dimensione, fatta di canzoni raffinate, semplici ma mai scontate e testi fantastici. “songs” e “instrumentals” sono la dimostrazione ulteriore che siamo di fronte ad un talento straordinario, che merita ogni riconoscimento.

Voto finale: 8.

Matt Berninger, “Serpentine Prison”

Il cantante dei The National ha prodotto il secondo album al di fuori del suo gruppo principale dopo l’esperimento “El Vy” del 2015, che lo vedeva collaborare con Brent Knopf: un mezzo fiasco, che aveva fatto pensare che Berninger non si sentisse a suo agio nei panni di unico interprete e senza i fidati fratelli Dessner e Davendorf al suo fianco. “Serpentine Prison” ribalta la prospettiva: se il CD non innova radicalmente l’estetica a cui Matt ci ha abituato, dall’altro i risultati sono più che buoni e fanno pensare che la sua dimensione sia magari ridotta come palette sonora, ma non soffocante.

Va detto che il lavoro non è interamente appannaggio di Berninger: aiutato da ospiti di spessore come Andrew Bird, Gail Ann Dorsey (che aveva già collaborato nell’ultimo LP dei The National “I Am Easy To Find” del 2019) e il produttore Booker T. Jones, il Nostro ha composto dieci canzoni estremamente coese, prive di guizzi particolari ma senza dubbio gradevoli. Andiamo da brani molto simili ai The National (Loved So Little) a pezzi invece più ispirati agli U2 (Distant Axis) e infine altri molto raccolti, che fanno pensare al pop da camera (Silver Springs). In generale, quindi, l’estetica di Berninger è confacente a quel tono di voce affascinante ma a tratti ferito che tutti gli riconoscono, così come le liriche.

Abbiamo infatti ad esempio versi come “The way we talked last night… It felt like a different kind of fight” (Boiler Plate) e “I feel like an impersonation of you… Or am I doing another version of you doing me?” (la title track). Il paesaggio tratteggiato da Matt è quindi fosco, un pomeriggio di pioggia verrebbe da dire; certo non una novità per i fans dei The National. I pezzi interessanti non mancano: dalla progressione di All For Nothing a Distant Axis, passando per Serpenine Prison, il CD brilla spesso. Il solo brano sottotono è Loved So Little, ma non intacca i risultati complessivi del disco.

In conclusione, conosciamo tutti Berninger per essere un cantautore prolifico: basti pensare che fra 2017 e 2020 è stato coinvolto in ben tre CD, due a firma The National e uno solista. La qualità tuttavia non ha mai risentito di questo output abbondante, anzi “Sleep Well Beast” (2017) ha vinto il Grammy come miglior album di musica alternativa. “Serpentine Prison” non è un capolavoro, ma arricchisce il canzoniere di Matt Berninger di altre canzoni che non sfigurano al cospetto di capolavori come quelle contenute in “Trouble Will Find Me” (2013).

Voto finale: 8.

Gorillaz, “Song Machine, Season One: Strange Timez”

I Gorillaz sono la creatura più eccentrica nello sterminato canzoniere di Damon Albarn, già noto come frontman dei Blur e dei The Good, The Bad & The Queen, oltre che apprezzato solista. Mescolando hip hop, elettronica e pop, i Gorillaz sono entrati nel cuore del pubblico grazie a singoli perfetti come Clint Eastwood, Feel Good Inc. e On Melancholy Hill. Non sempre però, considerando gli album nella loro interezza, la band animata aveva mantenuto le attese: “The Fall” (2010), “Humanz” (2017) e “The Now Now” (2018) ad esempio sono CD controversi anche per i fans più accaniti. Non sempre quindi abbiamo perle come “Demon Days” (2005) e “Plastic Beach” (2010).

Un’altra particolarità dei Gorillaz, più o meno amata, è quella di infarcire i loro dischi con grandi ospiti, spesso in quantità eccessiva: basti pensare che in “Humanz” avevamo Vince Staples, Mavis Staples, Popcaan, Danny Brown, Kali Uchis e Pusha T, solo per citarne alcuni! Non sempre era quindi rintracciabile un tratto comune fra personaggi tanto distanti musicalmente. Beh, questo non è il caso di “Song Machine, Season One: Strange Timez”.

I Gorillaz peraltro ampliano ancora di più la lista di collaboratori in questo bel lavoro, aggiungendo Elton John, Robert Smith (The Cure), Beck, St. Vincent, slowthai e Kano, fra gli altri. Insomma, il gotha del mondo hip hop, pop e rock; nella edizione deluxe contiamo fra gli altri anche JPEGMAFIA, Skepta e il compianto Tony Allen. La cosa che colpisce però è la coesione del lavoro, capace di muoversi in equilibrio fra hip hop e pop senza mai deragliare, con singoli riusciti e l’intrinseca stranezza dei Gorillaz a fare da collante.

Il progetto “Song Machine” pareva partito come una serie di EP, contenenti pezzi azzeccati accanto a brevi intermezzi, e pareva improbabile che Albarn & co. decidessero di compilare un album intero di singoli che già da mesi erano stati pubblicati. Invece la scelta si è rivelata felice: gli highlights Strange Timez e Momentary Bliss stanno benissimo accanto alla ballata The Pink Phantom (con un grande Elton John) e a The Valley Of The Pagans, che ospita un Beck in ottima forma.

In generale, “Song Machine, Season One: Strange Timez” è probabilmente il CD più solido dei Gorillaz dai tempi di “Plastic Beach”: Damon Albarn ha dimostrato una volta di più il suo sconfinato talento ed eclettismo, creando un prodotto che piacerà a molti, divertente e mai prevedibile. È proprio quello che ci vuole, in un 2020 quanto mai desolante.

Voto finale: 8.

Bruce Springsteen, “Letter To You”

Il ventesimo CD del Boss non poteva che essere un evento: cadendo nel 2020, i riferimenti al numero 20 sono già numerosi. Va poi aggiunto che Springsteen ha composto alcune delle canzoni che sono entrate in “Letter To You” in giovane età (si tratta di Janey Needs A Shooter, Burnin’ Train e Ghosts), probabilmente proprio nei suoi vent’anni.

Finita la parte di “statistica e curiosità”, passiamo all’analisi dell’album: composto in pochi giorni in sessioni infuocate con la E Street Band, “Letter To You” riporta nei suoi momenti migliori con la mente ai capolavori della collaborazione, come “Darkness On The Edge Of Town” (1978) e “Born In The U.S.A.” (1984). Alcune melodie superano addirittura i sei minuti di durata: tra di esse l’epica Janey Needs A Shooter e If I Was The Priest. In realtà la prima canzone in scaletta, la deliziosa One Minute You’re Here, è una ballata raccolta che ricorda “Nebraska” (1982), ma è un falso allarme. Il resto del disco infatti si muove sui territori più conosciuti per i fans del Boss, quel rock potente e nostalgico di cui è il massimo interprete e maestro (vero The War On Drugs?). Non fosse per dei piccoli passi falsi come le troppo prevedibili House Of A Thousand Guitars e Rainmaker, avremmo davanti a noi un capolavoro dell’età matura di Springsteen.

Nei testi di “Letter To You” si evince una malinconia per gli anni che passano e gli amici di una vita che, giorno dopo giorno, abbandonano questo mondo: George Theiss, il frontman della primissima band in cui militò Bruce, i Castiles, è scomparso nel 2018 e ciò portò Springsteen a voler comporre nuovi pezzi e recuperarne degli altri dalla propria gioventù. Successivamente, come sappiamo, il Boss diede alle stampe il più sereno “Western Stars” (2019) e “Letter To You” è slittato al 2020, un anno in cui la morte è più presente che mai e in cui i testi delle canzoni sono più evocativi di quanto lo sarebbero stati in tempi migliori.

Ne sono esempi “We’ll meet and live and laugh again… for death is not the end” (I’ll See You In My Dreams), “Forget about the old friends and the old times” (If I Was The Priest) e “Sometimes folks need to believe in something so bad” (Rainmaker). Quest’ultimo, oltreché in chiave religiosa, può essere interpretato come monito per i politici populisti e il desiderio delle persone di sentirsi guidate da figure che, spesso, sono veri e propri criminali, come confermato dallo stesso Springsteen.

In conclusione, “Letter To You” non raggiunge le vette di capolavori come “Born In The U.S.A.” e “Darkness On The Edge Of Town”, nondimeno renderà felici i numerosi fans del Boss, capace ancora di scrivere canzoni forti e a tratti commoventi, come solo i veri fuoriclasse sanno fare. A 71 anni e con ormai 50 anni di carriera alle spalle, Springsteen è ancora oggi uno degli artisti più rilevanti del mondo rock.

Voto finale: 7,5.

James Blake, “Before”

Il cantautore inglese è sempre stato un cultore della forma EP, fin dall’inizio della sua sfavillante carriera: ricordiamo che Blake è emerso dalla scena dubstep inglese grazie a una serie di folgoranti EP dai titoli misteriosi come “CMYK” e “Klavierwerke” (entrambi del 2010).

“Before” non è, come erroneamente si potrebbe pensare, un modo per pulire l’archivio delle canzoni rimaste fuori da “Assume Form” (2019), il disco in cui James flirtava con la musica hip hop (Mile High) e latina (Barefoot In The Park): è piuttosto un ritorno alle sonorità più elettroniche delle sue origini, senza però dimenticare le ultime avventure in campo R&B e art pop. I risultati sono molto intriganti, anche se il lavoro non comprende uno dei migliori singoli recenti del Nostro, Are You Even Real, che a questo punto pare resterà fuori da progetti veri e propri.

La verità è che James Blake è uno dei più dotati musicisti della scena britannica e, sia che lui si avventuri su territori più da club che cantautorali, i risultati sono sempre notevoli: “Before” non fa eccezione. Fra le quattro canzoni che compongono l’EP nessuna sfigura, ma a fare particolare impressione sono I Keep Calling e Summer Of Now, che fondono perfettamente la sensibilità elettronica di Blake con le ultime influenze.

In conclusione, questo album non sposterà molti fans a favore dell’artista inglese, ma senza dubbio consoliderà la sua fama e sembra aprire favorevolmente la strada al prossimo LP vero e proprio a firma James Blake.

Voto finale: 7,5.

21 Savage & Metro Boomin, “Savage Mode II”

Seguire un album di grande successo e che ha reso i suoi due autori rispettatissimi nel mondo trap non era un’impresa facile. 21 Savage e Metro Boomin, il primo un trapper ormai consolidato e il secondo il produttore di grido capace di collaborare anche con The Weeknd, avevano realizzato con “Savage Mode” (2016) un CD tanto breve quanto riuscito.

La decisione di seguirlo con “Savage Mode II”, incrementando decisamente il budget (basti dire che abbiamo un’ospitata di Drake e a narrare i capitoli in cui il lavoro si divide c’è addirittura Morgan Freeman!), è una mossa commercialmente prevedibile. La cosa sorprendente è che musicalmente il CD supera il suo predecessore: laddove infatti il primo episodio verso il finale era un po’ fiacco, in “Savage Mode II” sia 21 Savage che Metro Boomin riescono a suonare pezzi efficaci dall’inizio alla fine, cercando anche di sperimentare con beat sbilenchi (Mr. Right Now e Steppin On Niggas).

Non stiamo parlando di un capolavoro, sia chiaro, ma nel genere (chi segue A-Rock sa quanto andiamo con i piedi di piombo, spesso con scetticismo quando affrontiamo dischi trap) ultimamente non sono molti i lavori capaci di vantare pezzi accattivanti come Runnin e Many Men. Da non sottovalutare anche la chiusura brillante di RIP Luv e Said N Done.

In conclusione, “Savage Mode II” è uno dei migliori dischi hip hop dell’anno: mescolando abilmente versi insensati con i dettagli violenti tipici dell’estetica di 21 Savage, il CD viaggia su binari sicuri dall’inizio alla fine e offre 45 minuti di divertimento senza troppe pretese.

Voto finale: 7,5.

Autechre, “SIGN”

Chi segue il duo inglese pioniere dell’IDM (Intelligent Dance Music) sa quanto le composizioni degli Autechre possano suonare sperimentali, spesso tanto ardite quanto difficili da comprendere. Era questo il caso delle due compilation pubblicate fra 2016 (“elseq 1-5”) e 2018 (“NTS Sessions 1-4”): 12 ore di musica (!) composta prevalentemente da macchine e aggiustata da umani in cui gli Autechre esploravano qualsiasi possibile angolo della musica elettronica, non trascurando momenti puramente sperimentali.

“SIGN” è una sorta di ritorno alla forma per Sean Booth e Rob Brown: le melodie sono riconoscibili e tentano di flirtare con la musica ambient, con risultati spesso interessanti. Se la prima traccia M4 Lema è piuttosto intimidatoria (sì, i titoli assurdi dei brani sono un must del duo), già dalla successiva F7 gli Autechre creano un suono più abitabile e quasi accattivante considerati i loro dischi recenti. Altri buoni pezzi sono la sognante Metaz form8 e si00, senza trascurare l’ottima chiusura di r cazt; è sotto la media invece sch.mefd 2.

In conclusione, i 65 minuti di “SIGN” sono un ritorno benvenuto degli Autechre alla forma album. In un 2020 difficile per tutti e abbastanza interlocutorio per il mondo della musica elettronica, un nuovo CD degli Autechre che sia così ambizioso e allo stesso tempo accessibile è davvero una sorpresa.

Voto finale: 7,5.

Jay Electronica, “Act II: Patents Of Nobility”

Il 2020 del misterioso rapper conosciuto come Jay Electronica è stato davvero denso: dapprima ha pubblicato il suo esordio, “A Written Testimony”, che vantava una forte presenza di Jay-Z. Ora ha visto la luce il suo “album perduto”, un CD che pareva sul punto di essere pubblicato addirittura nel 2012! Bisogna infatti ricordare che parliamo con ammirazione di Jay Electronica da ormai quasi 15 anni: i primi brani a fare breccia nel mainstream furono Exhibit A ed Exhibit C, fra 2009 e 2010.

I motivi che hanno spinto Jay a ritardare così tanto la pubblicazione (peraltro dovuta, pare, a un leak emerso su Internet qualche giorno prima del passaggio sul servizio streaming Tidal) sono tuttora ignoti. Il CD in realtà, pur essendo ancora bisognoso di ritocchi in termini di lunghezza e produzione, è riuscito: immaginandone la pubblicazione nell’ormai lontano 2012, avremmo probabilmente strabuzzato gli occhi sentendo brani avventurosi come Shiny Suit Theory e i pezzi del “periodo francese”, Bonnie And Clyde (che campiona Serge Gainsbourg) e Dinner At Tiffany’s, con la figlia di quest’ultimo, Charlotte.

Il Nostro campiona anche Ronald Reagan in ben due brani: Real Magic e Road To Perdition, a testimonianza di una conoscenza molto ampia e di una curiosità senza limiti. Da migliorare invece, come già ricordato, il sequenziamento e la produzione di alcuni pezzi: i numerosi intermezzi iniziali rovinano il ritmo e la chiusura affidata a brani deboli come Rough Love e Run And Hide non convince.

In conclusione, se da un lato ci fa piacere finalmente ascoltare “Act II: Patents Of Nobility”, dall’altro  ci resta quasi un amaro in bocca: la storia dell’hip hop sarebbe cambiata se otto anni fa fosse stato pubblicato questo disco? Nessuno può dirlo. Speriamo che Jay Electronica abbia trovato la serenità che gli è mancata quando la hype dei media era troppo pesante per lui e che possa riprendere una carriera che pareva lanciatissima e che, chissà, potrebbe darci ancora tante soddisfazioni.

Voto finale: 7,5.

Jeff Tweedy, “Love Is The King”

Il terzo album solista in tre anni del leader dei Wilco è un lavoro semplice, godibile e poco impegnativo: tutte qualità apprezzabili in un periodo di lockdown o comunque di timore per la salute propria e degli altri. Nessuna delle undici canzoni che formano il CD è magnifica o trascinante, ma l’andamento lento e costante contribuisce a creare un’atmosfera rilassata e mai troppo impegnativa per l’ascoltatore.

La migliore melodia del disco arriva subito: la title track è un bel brano, di quasi cinque minuti, in cui il tipico folk-rock di Jeff si affianca ad un testo su, appunto, una visione in cui l’amore guida le scelte della nostra vita. Altrove possiamo avere pezzi più mossi (Natural Disaster) oppure più country (Bad Day Lately), ma la sostanza non cambia: Tweedy non ricalca le scelte stilistiche della band con cui è diventato famoso, piuttosto le addolcisce e rallenta, come già visto nei precedenti “WARM” (2018) e “WARMER” (2019).

I pezzi migliori, oltre a Love Is The King, sono Gwendolyn e Natural Disaster; invece sotto media Even I Can See. In generale, come già ricordato, il disco è estremamente compatto e digeribile fin dal primo ascolto. Chiudiamo ricordando l’interessante iniziativa del cantautore americano, che affianca il CD con un libro intitolato “How To Write One Song”, in cui spiega appunto come funziona il suo processo creativo, una trasparenza non comune fra le rockstar.

In conclusione, “Love Is The King” è un LP consigliato ad amanti del folk-rock e dell’estetica di Jeff Tweedy; per gli altri resta un buon lavoro, nulla per cui perdere la testa ma nemmeno un buco nell’acqua.

Voto finale: 7.

Fuzz, “III”

Il 2020 di Ty Segall è stato stranamente calmo finora, almeno secondo i suoi frenetici standard: vero, è stato inaugurato il progetto Wasted Shirt con Brian Chippendale dei Lightning Bolt e Ty ha pubblicato un breve EP di cover di Harry Nilsson. Tuttavia, nessun album vero e proprio a firma Ty Segall ha visto la luce, un fatto che non accadeva dal lontano 2015!

Questo per far capire l’estrema prolificità del Nostro. Il terzo album dei Fuzz, uno dei tanti progetti secondari del garage rocker californiano, si è fatto aspettare ben cinque anni: “II” (2015) era un doppio album tanto ambizioso quanto strampalato, pieno di derive metal e quasi jazz. Invece questo “III” è un CD compatto: otto brani per 36 minuti di durata, con chiari rimandi all’hard rock dei Black Sabbath e al garage rock dei progetti più rumorosi di Segall, come “Slaughterhouse” (2012).

L’inizio è scoppiettante: Returning è un pezzo hard rock potente, con la chitarra di Charles Moothart scatenata e Ty (sia voce che batteria) in gran spolvero. Spit è leggermente più tranquilla, ma non è che il prologo alla durissima Time Collapse. In Close Your Eyes ci sono quasi rimandi psichedelici, mentre End Returning, che chiude il lavoro, idealmente ne riprende l’inizio, creando un interessante concept dietro al CD.

In generale, nulla brilla particolarmente, ma fa piacere constatare che la promessa di Segall di aver finito la sua passione per i dischi basati sulla chitarra è stata presto infranta, dopo l’interlocutorio “First Taste” (2019). Vedremo dove lo porteranno i suoi prossimi lavori, che siano solisti o insieme alla solita gang di garage rockers.

“III” è un altro degli innumerevoli LP della discografia di Ty Segall che piacerà agli amanti del garage rock e dell’hard rock, ma allo stesso tempo speriamo che presto il più scatenato rocker della West Coast ritorni al quasi perfetto equilibrio di lavori come “Manipulator” (2014)  e “Freedom’s Goblin” (2018).

Voto finale: 7.

Dirty Projectors, “Earth Crisis”

La serie di cinque EP promessi dai Dirty Projectors per il solo 2020, iniziata con “Windows Open” e proseguita poi con “Flight Tower” e “Super João”, arriva ora al quarto capitolo. Se nei precedenti avevamo visto i lati dei Dirty Projectors più vicini a folk, R&B e bossa nova, in “Earth Crisis” il gruppo flirta con atmosfere che addirittura richiamano la musica classica (Eyes On The Road, Now I Know).

I quattro brani che formano il lavoro sono i più arditi per ora dell’affollato 2020 dei Dirty Projectors: Dave Longstreth e la tastierista Kristin Slipp si alternano nelle parti vocali (con la netta prevalenza di quest’ultima), come da tradizione nei quattro EP, sopra melodie sempre ricolme di archi, che rendono l’esperienza complessiva quasi un saggio di musica piuttosto che un insieme spontaneo di canzoni. A ciò aggiungiamo che esiste anche un video di accompagnamento all’album, in chiave ambientalista.

I risultati, come già visto nei precedenti CD del gruppo nel 2020, sono intriganti ma allo stesso tempo ci fanno bramare per un numero di brani maggiori, per gustare appieno e valutare più solidamente se il talento di Longstreth e co. è stato usato in maniera profittevole o meno. “Earth Crisis” non farà cambiare idea a chi ritiene che i Dirty Projectors siano fin troppo snob e artificiosi, anzi rafforzerà i loro pregiudizi; per chi li apprezza invece i Nostri hanno regalato altri quattro brani ardimentosi quanto compiuti, che allieteranno un inverno che si preannuncia non facile.

Voto finale: 6.