Novembre è, come da tradizione, l’ultimo mese di eleggibilità per la lista dei migliori 50 album di A-Rock. Quasi lo sapessero, molti artisti hanno pubblicato album molto interessanti: abbiamo infatti recensito il ritorno di Courtney Barnett e di Lindsey Jordan aka Snail Mail, così come il secondo album dell’anno di Taylor Swift e l’attesissimo nuovo CD di Adele. In più, abbiamo analizzato il primo CD nato dalla collaborazione di Anderson .Paak e Bruno Mars nota come Silk Sonic e il ritorno solista di Damon Albarn. Infine, spazio al secondo EP del 2021 dei The Horrors e ai nuovi dischi degli IDLES e di Jon Hopkins. Buona lettura!

Silk Sonic, “An Evening With Silk Sonic”

Ci sono collaborazioni che sembrano fatte apposta per nascere e prosperare: il progetto Silk Sonic, formato da Bruno Mars e Anderson .Paak, ne è un caso emblematico. “An Evening With Silk Sonic” è una piccolo gemma, capace di evocare le atmosfere del soul anni ’70 di Marvin Gaye e Stevie Wonder con delicatezza ma senza suonare un plagio, anzi con hit indelebili che ne fanno un CD imperdibile in questo strano 2021.

Non sempre le partnership fra pesi massimi escono come erano state pensate: se in certi casi era impossibile che fallissero (David Bowie e i Queen, con Under Pressure), in altri hanno prodotto risultati contraddittori (Future e Drake in “What A Time To Be Alive” del 2015) oppure addirittura disastrosi (Lou Reed e i Metallica con “Lulu”, 2011). Beh, Silk Sonic è un caso a sé stante: non per forza Mars e .Paak parevano destinati al successo, ma “An Evening With Silk Sonic” è un piccolo capolavoro, che rende i Silk Sonic maggiori della somma dei singoli interpreti.

Già i singoli di lancio avevano fatto pensare a un lavoro eccellente: Leave The Door Open è un’ottima ballata, Skate è un perfetto brano funk mentre Smoking Out The Window, pur leggermente inferiore agli altri due, è comunque un buonissimo pezzo. Se a questi aggiungiamo After Last Night, con la preziosa collaborazione di Thundercat e del veterano Bootsy Collins, già bassista dei Parliament-Funkadelic, abbiamo metà CD di perle. Il resto del lavoro contiene brani che, seppur discreti, non arrivano a questi livelli, ma il risultato complessivo è in ogni caso ottimo, contando anche la totale mancanza di tracce riempitivo (basti dire che “An Evening With Silk Sonic” dura a malapena 32 minuti), tanto che ci viene da desiderare che ci siano 2-3 canzoni in più per arrivare ai canonici 40 minuti, fatto sempre più raro nel panorama musicale odierno.

In conclusione, il progetto Silk Sonic, pur non brillando a volte di originalità (si senta Put On A Smile), raggiunge risultati davvero squisiti. Anderson .Paak si conferma pronto per il salto definitivo nel mainstream, mentre Bruno Mars, dal canto suo, si conferma infallibile produttore di hit. “An Evening With Silk Sonic”, ad oggi, è il miglior CD pop-soul del decennio oltre che uno dei più belli del 2021.

Voto finale: 8,5.

Taylor Swift, “Red (Taylor’s Version)”

Il secondo album ri-registrato da Taylor Swift al fine di prendere il controllo sul suo lavoro riguarda il suo album più elogiato dalla critica nei suoi primi anni, quello che fece scoprire al mondo il suo talento di cantante solidamente pop, togliendo le tracce di country residue nella sua estetica. Un passaggio fondamentale per avere la Taylor Swift odierna.

Al di là del fine ultimo, quello di riguadagnare l’indipendenza a spese di una industria discografica tanto spietata quanto avida di denaro, “Red” del 2021 è molto simile al “Red” del 2012. Certo, la voce di Taylor è più matura, la produzione più precisa e questo contribuisce a migliorare pezzi già ottimi come State Of Grace, la title track e All Too Well. Poco può invece su brutti episodi come Stay Stay Stay e We Are Never Ever Getting Back Together, che anche in questo “remix” suonano decisamente inferiori alla media.

La parte davvero interessante del lavoro è rappresentata però dalle canzoni contrassegnate come “(From The Vault)”, cioè ripescate dagli archivi in cui Swift le aveva messe all’epoca poiché considerate non adatte al disco. Sentite oggi, per alcune è davvero un mistero che sia stata compiuta questa scelta: Come Back… Be Here, Ronan e Nothing New sono buoni pezzi e non avrebbero sfigurato nel “Red” originale. Invece Girl At Home rappresenta, ad essere ottimisti, una b-side.

Ad arricchire un piatto già ricchissimo (130 minuti di musica, 30 canzoni), contribuiscono gli ospiti di spessore invitati da Taylor. Gary Lightbody (Snow Patrol), Ed Sheeran, Chris Stapleton e Phoebe Bridgers rendono ancora più imperdibile questo appuntamento per gli “swifties”, i fan più accaniti della cantautrice americana. Per chiudere, Swift ha pubblicato un mini-film di dieci minuti con la colonna sonora rappresentata da All Too Well (10 Minute Version), appunto la versione deluxe della celebre hit.

In conclusione, “Red (Taylor’s Version)” è un disco imperdibile per gli amanti del pop e, soprattutto, per i fan di Taylor Swift. Certo, la durata può essere dura da sopportare, soprattutto verso la fine, dove emergono i pezzi più deboli, tuttavia è un piacere sentire nove anni dopo delle canzoni che suonano come nuove, non fosse per qualche lirica un po’ datata (22).

Taylor Swift può fare praticamente quello che vuole in questo momento della sua carriera, per noi è un piacere sentirla sia quando compone nuovi dischi (la doppietta “folklore”-“evermore” del 2020 è ancora ben piantata nella nostra memoria) che quando riarrangia dischi per dimostrare a tutti la sua indipendenza.

Voto finale: 8.

Damon Albarn, “The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows”

Il nuovo progetto solista di Damon Albarn, solamente il secondo dopo “Everyday Robots” del 2014, è in realtà un altro capitolo di una storia sempre variegata e di alto livello. “The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows” è un CD più meditativo rispetto agli ultimi Gorillaz o Blur (entrambe band comandate da Albarn), ispirato dai paesaggi islandesi dove il cantautore ha vissuto per un periodo prima dell’arrivo del Covid e del ritorno a casa nel Devon. Pur non perfetto, rappresenta bene i tempi sospesi in cui viviamo e arricchisce ulteriormente un’eredità sempre più ingombrante.

Solo in certi aspetti il CD riporta alla memoria i momenti più movimentati delle band più celebri di Damon: ad esempio, in Royal Morning Blue e The Tower Of Montevideo. Al contrario, il mood complessivo è molto più raccolto, quasi musica ambient in certi tratti: Albarn ha infatti dichiarato di ispirarsi ai modesti e solitari paesaggi dell’isola. Ne sono esempio la title track e Daft Wader.

Nel corso dei 39 minuti che formano “The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows”, Damon ci porta in posti diversi, dal vulcano Esja nell’omonima traccia all’Uruguay in The Tower Of Montevideo, evocando i momenti più belli della gioventù (“Youth seemed immortal, so sweet it did weave heaven’s halo around”, The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows) così come la sensazione di paura che tutti abbiamo quando ci sentiamo abbandonati (“Am I imprisoned on this island?”, The Cormorant).

Non tutto musicalmente gira alla perfezione, ad esempio Giraffe Trumpet Sea è confusa e Combustion è debole, ma in generale il CD conquista con la sua grazia e cura dei dettagli. Damon Albarn si conferma cantautore pressoché unico, capace di spaziare riguardo temi politici (in “Merrie Land” dei The Good, The Bad & The Queen criticava la Brexit, nel 2018) così come di portarci in Africa con il progetto Africa Express e di rappresentare l’Inghilterra anni ’90 coi Blur. Abbiamo una sola richiesta: Damon, per favore tagliati quel mullet!

Voto finale: 7,5.

Snail Mail, “Valentine”

Il secondo disco, per molti, è un ostacolo insormontabile e si rivela un peso dopo un esordio elogiato dalla critica e, magari, anche da larghe fette di pubblico. Questo poteva essere il caso per Lindsey Jordan, la giovane cantautrice dietro il progetto Snail Mail. “Lush”, il suo primo disco del 2018, era stato visto da molti come l’inizio di una carriera brillante nel mondo indie rock. A-Rock, dal canto suo, l’aveva inserita in una puntata della rubrica Rising e “Lush” era entrato nella lista dei 50 migliori lavori dell’anno. Pertanto, l’attesa era tanta.

I singoli di lancio del CD avevano contribuito a fare di “Valentine” uno dei più attesi dell’anno: la title track è un irresistibile pezzo indie rock, Ben Franklin è più melodico ma non meno riuscito, così come Madonna. Aggiungiamo poi una lunghezza per una volta adeguata: 32 minuti presuppongono, auspicabilmente, poco spazio per le tracce filler tipiche dei dischi più lunghi. A tutto ciò aggiungiamo la produzione di Brad Cook, in passato collaboratore di altre “indie darlings” come Waxahatchee e Indigo De Souza, per una ricetta potenzialmente squisita.

I risultati sono lusinghieri, in effetti: Snail Mail si conferma nome di crescente peso nel panorama rock e canzoni come Valentine e la conclusiva Mia farebbero la fortuna di molti. Peccato solo per la presenza di un paio di brani inferiori alla media, come Forever (Sailing) e Automate, altrimenti il voto complessivo sarebbe ancora maggiore.

Anche liricamente “Valentine” conferma il talento di Lindsey Jordan nel trasmettere sentimenti che molti hanno provato con parole semplici ma toccanti. Chi non ha mai avuto il cuore infranto oppure provato invidia vedendo la vecchia fiamma accompagnata da un’altra persona? La Jordan è però candida nelle sue ammissioni, quasi al limite della sfrontatezza, ma è un tratto che apprezziamo in versi come “Those parasitic cameras, don’t they stop to stare at you?” (Valentine) e “I wanna wake up early every day just to be awake in the same world as you” (Light Blue). Altrove emerge l’ironia della Nostra: “Got money, I don’t care about sex” (Ben Franklin).

In conclusione, il CD non stravolge il mondo dell’indie, come alcuni vorrebbero credere. Nondimeno, Lindsey Jordan conferma la sua duttilità nel passare da brani più movimentati (Glory) ad altri più rilassati (c. et al.), che le apre la strada per un futuro radioso. Staremo a vedere in futuro dove andrà a parare, ma il progetto Snail Mail pare qui per restare.

Voto finale: 7,5.

IDLES, “CRAWLER”

Il quarto album in quattro anni dei britannici IDLES vede il gruppo capitanato da Joe Talbot virare verso un’estetica più sperimentale rispetto al passato. Se il precedente “Ultra Mono” (2020) era l’inizio della fine per quel punk sparato a mille all’ora e con testi che sembravano una raccolta di slogan trovati su Twitter, “CRAWLER” flirta con l’art rock e la musica industrial, creando un CD magari non perfetto, ma certamente intrigante e che apre strade inedite per gli IDLES.

La band stessa, del resto, in varie interviste ha dichiarato che “Ultra Mono” non li aveva soddisfatti e che erano alla ricerca di un sound diverso. A questo, “CRAWLER” aggiunge delle tematiche delicate per il frontman del complesso: Talbot, infatti, in passato ha lottato con la dipendenza da droghe e ha subito un incidente molto grave. In molte canzoni troviamo riferimenti a questi temi: basti citare MTT 420 RR, Car Crash e Meds.

Musicalmente, il CD è, come già accennato, caratterizzato da una forte voglia di sfidare le convenzioni a cui i fan degli IDLES erano abituati. Kenny Beats, il celebre produttore hip hop, collabora con il gruppo: malgrado un accostamento a prima vista ardito, i risultati sono interessanti.  The Wheel è un pezzo punk, ma decisamente più dark del passato degli IDLES, pare quasi di sentire un pezzo dei Joy Division. The Beachland Ballroom invece è quasi art rock ed è, inoltre, un ottimo pezzo, fra i migliori dell’album. Tra gli altri highlights abbiamo Car Crash, che pare un brano dei primi Nine Inch Nails, mentre i brevi intermezzi Kelechi e Wizz sono inutili ai fini del risultato finale.

In conclusione, “CRAWLER” è un buon disco: se fino al 2020 gli IDLES potevano essere facilmente etichettati come una tipica band post-punk, con buone intenzioni e i temi giusti portati avanti ma urlati in modo fin troppo smaccato, questo lavoro smentisce le previsioni della vigilia e si rivela sorprendente a quasi ogni incrocio. Potrà non piacere a tutti i fan del gruppo, ma rappresenta una svolta importante in un’estetica che cominciava a farsi un po’ ripetitiva.

Voto finale: 7,5.

Jon Hopkins, “Music For Psychedelic Therapy”

Il nuovo album del produttore e musicista britannico Jon Hopkins è stato composto a seguito di un viaggio nella foresta amazzonica, nella sua parte ecuadoregna, nel 2018. Il risultato è un lavoro che mescola sapientemente musica ambient, new age e registrazioni dell’ambiente circostante, creando un continuum sonoro lungo 68 minuti, rilassante e coeso. Pur staccandosi dalla techno che ne ha fatto la fortuna in passato, Hopkins conferma il suo talento una volta di più.

Il titolo del CD, “Music For Psychedelic Therapy”, è indicativo del suo scopo: Hopkins ha composto una suite sonora divisa in nove movimenti al fine di guidare i pazienti dei centri di cura nelle loro escursioni psichedeliche prodotte da LSD e simili sostanze, pratica legale in alcuni Stati. Notiamo che, a chiusura del lavoro, in Sit Around The Fire, è contenuto un discorso del guru new age Ram Dass, scomparso nel 2019, in cui quest’ultimo fa dichiarazioni rassicuranti del tipo “You don’t need doubt because you already know” oppure “You don’t need loneliness”, che fungono da chiusura adeguata al CD.

Il disco, soprattutto nella parte centrale, diventa un po’ monotono, ad esempio in Tayos Caves Ecuador, III. Invece buone Tayos Caves Ecuador, II e Deep In The Glowing Heart. In generale, un po’ come avveniva anche in “Promises”, il lavoro collaborativo di Floating Points e Pharoah Sanders con la London Symphony Orchestra, l’unità della composizione è notevole, così come la produzione, sempre impeccabile.

In conclusione, “Music For Psychedelic Therapy” è un lavoro più che discreto, con uno scopo nobile e una qualità media elevata. Certo, magari alcuni rimpiangono le epiche suite elettroniche e techno che caratterizzavano le migliori prove di Jon Hopkins, “Immunity” (2013) e “Singularity” (2018), ma non per questo occorre sottovalutare questo LP.

Voto finale: 7,5.

The Horrors, “Against The Blade”

Il breve EP “Against The Blade” della band inglese segue l’altrettanto conciso “Lout” di marzo 2021 ed è il secondo di una serie di tre EP, stando a quanto dichiarato da Faris Badwan e compagni. Il genere che caratterizza le tre canzoni di “Against The Blade” è sempre un industrial rock massiccio, sanguigno, che ricorda molto i Nine Inch Nails dei primi anni ’90.

Rispetto a “Lout”, ai The Horrors manca l’effetto sorpresa, ma i Nostri sembrano aver preso maggior maestria col genere e nessuno dei tre pezzi è fuori posto. Partiamo con la potente title track, miglior canzone del lotto; poi abbiamo Twisted Skin, forse la più debole composizione del terzetto, mentre a chiudere abbiamo la lunga e complessa cavalcata I Took A Deep Breath And I Kept My Mouth Shut, che quasi riporta alla mente i The Prodigy.

I risultati sono generalmente interessanti e lasciano credere che, se i The Horrors seguiranno la pista dell’industrial rock in un CD vero e proprio, ne vedremo delle belle. Abbiamo aspettative moderatamente positive sul terzo ed ultimo EP della serie.

Voto finale: 7,5.

Adele, “30”

L’attesissimo quarto CD di Adele arriva dopo ben sei anni dal precedente “25” ed è stato influenzato da molte cose accadute nella vita della cantante inglese dal 2015 ad oggi. Giusto per citarne alcune: il tour di grande successo a supporto di “25”; il matrimonio e il successivo divorzio con Simon Konecki; la crescita del figlio Angelo, che oggi ha 9 anni; il ritorno alla vita dopo la depressione e i lockdown pandemici.

Tutti sarebbero sconvolti da una serie di avvenimenti di questo tipo; Adele è umana, come tutti noi, ma è anche una talentuosa cantautrice e “30” ne è un’ulteriore dimostrazione. Non tutto funziona, ma la potenza della sua meravigliosa voce e qualche esperimento in più rispetto al passato sono da premiare.

Il singolo di lancio, Easy On Me, aveva in realtà anticipato la versione di Adele che tutti ci aspetteremmo: liriche strappalacrime, pianoforte in primo piano a dar risalto alla splendida voce della Nostra… tutto ok, ma zero innovazione. Invece, con My Little Love abbiamo quasi dei sentori neo-soul e il brano è un assoluto highlight del disco. Tra le altre perle ricordiamo Strangers By Nature, che ricorda Lana Del Rey, e I Drink Wine; mentre Can I Get It, malgrado la produzione del rinomato Max Martin, è l’episodio più debole del CD.

“30”, come già accennato, non è il solito disco di Adele: se l’influenza dei precedenti suoi lavori è evidente, sia musicalmente che testualmente ci sono novità rilevanti. Spesso sentiamo Adele enunciare proclami motivazionali nel corso di “30”: “When you’re in doubt, go at your own pace” (Cry Your Heart Out), “I’ll never learn if I never leap” (To Be Loved). Dal punto di vista sonoro, la presenza di produttori innovativi come Inflo e Ludwig Göransson ha aiutato Adele ad andare fuori dalla propria comfort zone, circostanza evidente in Cry Your Heart Out e Love Is A Game.

Se c’è un problema nel CD, è il sequenziamento: la gran parte dei brani più lunghi e impegnativi, come le ballate Hold On e Love Is A Game, sono piazzate a fine tracklist, rendendo un po’ pesante la parte finale del lavoro. Il risultato complessivo, tuttavia, non ne risente troppo e la qualità generale delle canzoni è alto.

Malgrado si stia parlando chiaramente di un album malinconico, derivante da un fatto traumatico come un divorzio, “30” è allo stesso tempo il lavoro più avventuroso a firma Adele. In una carriera iniziata con l’acerbo “19” (2008) e proseguita con i grandi successi di vendite di “21” (2011) e “25” (2015), “30” rappresenta l’album della maturità. Non sarà il suo più bello, forse, ma certamente rappresenta una tappa importante nella carriera di un’artista che per molti è “quella col vocione e le canzoni tristi”. Beh, Adele ci ha mostrato un’altra delle sue facce e ci è piaciuta; vedremo in futuro quali aspetti della sua estetica vorrà approfondire.

Voto finale: 7.

Courtney Barnett, “Things Take Time, Take Time”

Il nuovo album della cantautrice australiana arriva in un periodo non fortunato per lei: la recente rottura con la partner Jen Cloher, la sensazione di burnout al termine del precedente tour e la pandemia hanno influito fortemente sulla sua psiche e il CD ne è una diretta conseguenza. Più calmo, privo della frenesia dei suoi migliori momenti ma non per questo monotono: “Things Take Time, Take Time”, come il titolo anticipa, richiede alcuni ascolti, ma rivela dettagli ad ogni replay.

Il lavoro arriva a tre anni da “Tell Me How You Really Feel” (2018), un secondo album che aveva in qualche modo evitato la sindrome che spesso colpisce gli artisti di successo già all’esordio, anche se non era riuscito a replicare completamente la bellezza di “Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit” (2015). Questo “Things Take Time, Take Time” è ancora più raccolto del precedente e questo non sarebbe per forza un difetto, non fosse per la presenza di brani palesemente inferiori (Before You Gotta Go) che impattano sui risultati complessivi del CD.

Peccato, perché nei momenti migliori “Things Take Time, Take Time” è anche un buon prodotto: Turning Green e If I Don’t Hear From You Tonight sono buoni pezzi, che riportano con la mente alla Courtney Barnett degli esordi. Non male anche Write A List Of Things To Look Forward To. Peccato poi ci siano delusioni come la già menzionata Before You Gotta Go e Splendour che frenano il ritmo del disco.

Anche liricamente abbiamo dei momenti felici, ad esempio quando la cantautrice mormora: “All our candles, hopes n prayers, though well-meaning they don’t mean a thing, unless we see some change… I might change my sheets today” (Rae Street), oppure: “Don’t stick that knife in the toaster”, premio “verso più assurdo di novembre” (Take It Day By Day).

In conclusione, “Things Take Time, Take Time” è ad oggi il CD più debole della produzione di Courtney Barnett. Se da un lato è positivo che la cantautrice cerchi nuovi ritmi e contaminazioni, dall’altro servono risultati più coerenti e all’altezza del passato per non perdere il favore della critica e del pubblico. Abbiamo l’impressione che il prossimo LP sarà quello della verità per Courtney: non resta che farle un “in bocca al lupo!”.

Voto finale: 6,5.