Recap: aprile 2021

Aprile è terminato. Un mese davvero intenso dal punto di vista musicale, contraddistinto da nuove uscite molto interessanti. A-Rock ha recensito il remix di “Fearless” di Taylor Swift, il nuovo album degli SPIRIT OF THE BEEHIVE, il ritorno dei BROCKHAMPTON e il breve EP dei Sorry. Inoltre, abbiamo analizzato i nuovi LP dei Godspeed You! Black Emperor e dei The Armed. Buona lettura!

Godspeed You! Black Emperor, “G_d’s Pee AT STATE’S END!”

godspeed

Il nuovo CD del leggendario gruppo post-rock canadese è un highlight in una carriera già costellata di perle, sia molto in là nel tempo (“Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven” del 2000) che più recenti (“Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” del 2012). Il disco è infatti fra i più euforizzanti in un periodo di sospensione come quello che stiamo vivendo, in cui alla paura del virus si contrappone la speranza per le campagne vaccinali in corso. Che la luce sia finalmente in fondo al tunnel? I Godspeed You! Black Emperor, a tratti, ne paiono convinti.

In effetti, l’inizio del lavoro ci fa tornare alle lugubri atmosfere di “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!”: A Military Alphabet, la prima delle quattro suite in cui è diviso “G_d’s Pee AT STATE’S END!”, è il pezzo più ossessivo e pessimista del lavoro. Al contrario, il tono della seguente Fire At Static Valley è più positivo e fa del post-rock quasi gradevole e accessibile, non una tipica caratteristica dei Godspeed You! Black Emperor.

Le due lunghe tracce che chiudono il lavoro, “GOVERNMENT CAME”OUR SIDE HAS TO WIN (for D.H.), mantengono questa dualità; tuttavia, a differenza dei lavori della prima fase della carriera del complesso di Montreal, il tono complessivo è di cauto ottimismo. È per questo che “G_d’s Pee AT STATE’S END!” è un ottimo LP per la vita durante la fase conclusiva (almeno speriamo) dell’emergenza Covid-19: se è vero che non siamo di fronte ad un disco puramente pop, d’altro canto la forza di queste quattro composizioni è innegabile e rende il 2021 davvero interessante per gli amanti del rock alternativo e sperimentale, già deliziati dall’esordio dei Black Country, New Road e pronti ad assaporare il secondo lavoro dei black midi, in uscita a maggio.

Un’ultima curiosità: il quattro pervade tutto il CD. Siamo infatti di fronte al quarto album della fase post reunion della band, le canzoni (pur elaborate) sono teoricamente quattro e probabilmente, come qualità, questo è il quarto più bel disco nell’intera produzione dei canadesi. Quest’ultimo dato è sufficiente per capire il talento di questi pilastri dello scenario rock.

Voto finale: 8,5.

Taylor Swift, “Fearless (Taylor’s Version)”

fearless

Il nuovo lavoro della popstar americana è in realtà una sorta di remix: la prima versione di “Fearless” è infatti datata 2008, ma occorre un po’ di contesto per capire il motivo di questa nuova registrazione di un album di 13 anni fa.

È da un po’ di tempo che riconosciamo a Taylor Swift un impegno in prima persona per l’indipendenza degli artisti, specialmente donne, da manager spietati e case discografiche avide. Beh, “Fearless (Taylor’s Version)” è la prova che lei ha sempre fatto sul serio.

Nel 2019 infatti Scooter Braun, un talent scout che rappresenta fra gli altri artisti del calibro di Ariana Grande e Justin Bieber, comprò la casa discografica indipendente per cui Swift aveva firmato fino ad allora i propri CD, la Big Machine Records. Questa fu la prima volta in cui la cantautrice perse il controllo dei propri lavori, dato che le incisioni passarono a Braun. Lei tentò di mediare, ma senza risultato. L’anno seguente il fondo di private equity Shamrock Holdings a sua volta subentrò a Scooter Braun, anche in questo caso senza avvertimenti preventivi a Swift, che quindi ha deciso di riguadagnare il totale controllo sulle proprie registrazioni passate rifacendo ogni suo album del passato alla sua maniera.

Questa lunga spiegazione era necessaria per capire lo scopo di una mossa commercialmente strana, considerando il successo che già la prima versione di “Fearless” aveva avuto: era stato l’album che aveva fatto conoscere Taylor Swift al mondo e le aveva permesso di vincere il primo Grammy della sua carriera per il Miglior Album dell’Anno. Beh, possiamo dire che la “versione di Taylor” migliora sotto molti aspetti un CD già carino, ma che originariamente era un po’ ingenuo come sonorità e produzione.

Se nel 2008 Taylor era ancora una ragazza molto giovane, appassionata di country e pop, nel 2021 abbiamo di fronte una donna affermata e molto determinata, come abbiamo visto. Anche vocalmente Swift ha ora una voce più ricca e piena che nel passato; insomma, era inevitabile trovarsi di fronte ad un lavoro diverso. Aggiungiamo a questo un roster di collaboratori di prima classe: Jack Antonoff e Aaron Dessner sono pezzi grossi del pop e dell’indie rock, già protagonisti occulti l’anno passato nel doppio grande successo “folklore”-“evermore”.

Fearless, la title track, è ora un ottimo pezzo pop-rock, tra i migliori nella produzione dell’artista statunitense; You Belong With Me, allo stesso modo, è un netto miglioramento rispetto alla prima versione. Laddove invece si torna al country delle origini, il disco zoppica un po’, è il caso di Love Story; ingenua invece Hey Stephen. Da notare infine che Swift allunga la durata del lavoro estraendo dal proprio “archivio” alcuni pezzi di quell’epoca, riarrangiati per l’occasione, che portano il tutto a durare ben 106 minuti! Tra questi menzioniamo la dolce You All Over Me e la raccolta We Were Happy, brani davvero notevoli.

Anche nei testi, se letti con la testa al 2008, emerge una nostalgia forte per i tempi andati: riferimenti al liceo (“She wears high heels, I wear sneakers. She’s cheer captain and I’m on the bleachers” in You Belong With Me), amori spezzati (“Hello, Mr. casually cruel” canta Taylor in All Too Well), desideri di normalità presto sotterrati dall’ambizione di diventare una popstar, come in Fifteen: “Back then I swore I was gonna marry him someday, but I realised some bigger dreams of mine”.

In conclusione, “Fearless (Taylor’s Version)” è un attestato di forza, coraggio e carattere da parte di una delle più brillanti star del firmamento musicale dei nostri tempi. Taylor Swift ci aveva già fatto capire in passato di avere stoffa, ma in questi ultimi due anni sta ribaltando con successo non solo la propria estetica, ma forse l’intera concezione di “possedere la mia musica”.

Voto finale: 8.

SPIRIT OF THE BEEHIVE, “ENTERTAINMENT, DEATH”

entertainment death

Il trio originario di Philadelphia ha dato origine, con “ENTERTAINMENT, DEATH”, a uno degli album più imprevedibili degli ultimi anni. Indie rock, psichedelia, noise, pop: tutto si mescola nel corso del CD. Canzoni brevi, sui tre minuti, ma anche una suite di quasi sette minuti: di tutto e di più anche in termini di durata delle melodie. Zack Schwartz, Rivka Ravede e Corey Wichlin, al loro quarto lavoro, confermano il bene che si diceva di loro anche riguardo i precedenti lavori.

Se c’è una differenza, è nella produzione: il lavoro è più curato rispetto al passato, sintomo di una maggiore autorevolezza anche in sede di etichetta discografica. I risultati, malgrado a volte fin troppo confusionari, sono a tratti irresistibili: la struttura tipica delle canzoni popolari è stravolta, spesso all’interno della stessa (si senta a riguardo THERE’S NOTHING YOU CAN’T DO). ENTERTAINMENT inizia come un pastiche noise sperimentale, poi sboccia in un pezzo che richiama gli anni ’60. GIVE UP YOUR LIFE sembra quasi un brano del Ty Segall più psichedelico, DEATH invece rievoca i primi Pink Floyd. C’è un brano che si intitola I SUCK THE DEVIL’S COCK… Nessun commento aggiuntivo sul significato.

In generale, possiamo dire che l’umorismo non fa difetto alla band americana. Anche molte liriche testimoniano questo atteggiamento, a metà fra lo scanzonato e il nichilista: “Dust picks up and swallows us whole” canta convintamente Schwartz in ENTERTAINMENT. Invece in I SUCK THE DEVIL’S COCK lo sentiamo proclamare “Another middle-class dumb American, falling asleep. He don’t appreciate constructive criticism”, compreso l’errore grammaticale. Infine, in RAPID & COMPLETE RECOVERY, abbiamo il verso più sognante ed evocativo del lotto: “Spanning lifetimes compressed in a vacuum, no limitations, you know what comes after”.

In concreto, però, malgrado questi momenti leggeri, il CD suona claustrofobico e ansiogeno; sentimenti che purtroppo tutti abbiamo provato nel corso dell’ultimo anno, colpiti come siamo dalla pandemia e dalle sue conseguenze. Non per questo però dobbiamo ignorare gli SPIRIT OF THE BEEHIVE; anzi, la band di Philadelphia, con “ENTERTAINMENT, DEATH” potrebbe avere scritto uno dei più originali album pandemici. Non un traguardo da poco, in un panorama musicale sempre più omologato.

Voto finale: 8.

BROCKHAMPTON, “ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE”

roadrunner

La boyband più famosa dell’hip hop è tornata. Giunti al sesto album in quattro anni, i BROCKHAMPTON hanno ormai uno stile riconoscibile e allo stesso tempo sempre variegato: pop, rap, R&B, addirittura il rock progressivo trovano spazio in “ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE”. Il risultato? Non perfetto, ma certamente un progresso rispetto a “GINGER” (2019).

Se in passato i lavori del collettivo americano potevano essere tacciati di contenere pezzi troppo lunghi, per dare modo a tutti i componenti di dire la loro, in “ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE” i ragazzi suonano più leggeri. Brani riusciti come l’epica WHAT’S THE OCCASION, che pare un remix dei Pink Floyd, riescono a integrarsi bene con BUZZCUT, ottima intro con Danny Brown protagonista, e la perla pop OLD NEWS, che ricorda il Tyler, The Creator di “IGOR”. In generale, a parte la monotona DON’T SHOOT UP THE PARTY, Kevin Abstract e compagni hanno prodotto il loro miglior lavoro dai tempi della trilogia delle “SATURATION” (2017).

Anche testualmente il CD suona profondo e sentito, ma non sovraccarico di introspezione come in passato. Joba parla del tragico suicidio del padre in THE LIGHT con versi frammentari ma drammaticamente veri: “At a loss, aimless… Hope it was painless, I know you cared… Heard my mother squealing. I miss you”. In BUZZCUT invece Abstract canta di periodi difficili nella sua vita: “Thank God you let me crash on your couch”, lo stesso accade in THE LIGHT: “I was broke and desperate, leaning on my best friends”.

In conclusione, se questo è davvero l’ultimo LP a firma BROCKHAMPTON, come alcuni di loro hanno fatto intendere, il gruppo se ne andrà con un ottimo lavoro. “ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE” è infatti relativamente compatto (46 minuti in 13 canzoni) e ben strutturato, vario (forse fin troppo) e curato.

Voto finale: 7,5.

The Armed, “ULTRAPOP”

ultrapop

Siamo forse di fronte al nuovo, attesissimo disco di Frank Ocean? No, purtroppo, anche se la copertina di “ULTRAPOP” potrebbe ingannare. The Armed è anzi sinonimo di rock pesante, abrasivo: “ULTRAPOP” conferma questa nomea, introducendo però sorprendenti elementi pop che rendono la ricetta del gruppo americano davvero unica nel suo genere.

L’iniziale title track in effetti è un brano quasi dream pop: certo, la base industrial à la Nine Inch Nails resta onnipresente, ma le tastiere sognanti e la voce quasi amichevole di Adam Vallely è rasserenante. Fin da ALL FUTURES, tuttavia, la musica cambia radicalmente: urla belluine, batteria tonante, muro invalicabile di chitarre… Insomma, non un brano per palati fini. Diciamo che la lineup, formata da ben otto membri, aiuta a mantenere sempre altissimo il volume, tranne ovviamente in quei momenti “pop” che rendono l’estetica dei The Armed davvero particolare, si ascolti AN ITERATION che pare una canzone dei Muse ai tempi di “Absolution” (2003).

Questi brani più tranquilli in realtà servono solo da introduzione o pausa per passare a momenti ancora più feroci, che raggiungono la loro vetta in MASUNAGA VAPORS e BIG SHELL. In generale, al terzo CD, i The Armed sono giunti probabilmente al perfezionamento di un’idea di musica nata con “Untitled” (2015) e poi raffinata in “Only Love” (2018). Va detto infine che, ad arricchire ulteriormente “ULTRAPOP”, abbiamo anche ospiti di grande spessore: da Mark Lanegan (in THE MUSIC BECOMES A SKULL) a Troy Van Leeuwen (REAL FOLK BLUES).

Il CD può certamente essere “troppo” per molti ascoltatori, ma gli amanti dell’hardcore punk e del metal troveranno pane per i loro denti. Resta solo un piccolo rimpianto: e se un intero LP di tracce “noise pop” come ULTRAPOP fosse stata la soluzione migliore per cercare un’improbabile svolta mainstream? Probabilmente questo non era l’obiettivo dei The Armed, ma in futuro potrebbe essere un’evoluzione ulteriore in una carriera già interessante.

Voto finale: 7.

Sorry, “Twixtustwain”

sorry

Il nuovo EP dei Sorry segue l’interessante esordio “925” dell’anno scorso: un lavoro che era contraddistinto da pezzi indie rock accanto ad altri molto più oscuri, vicini al post-punk. “Twixtustwain” invece è un lavoro molto più sperimentale: elettronica e trip hop si mescolano, spesso ricordando i Dirty Projectors o il (Sandy) Alex G più ardito.

I due fondatori del gruppo, Asha Lorenz e Louis O’Bryen, hanno dato sfogo alla loro vena creativa: i risultati sono davvero strani, ma aprono strade innovative per il gruppo inglese. Don’t Be Scared fa da antipasto a Things To Hold Onto, uno dei pezzi più riusciti dell’insieme. La seguente Separate invece è quasi breakbeat nella ritmica; Cigarette Packet, dal canto suo, è il singolo di lancio dell’EP e quindi è anche il più accattivante momento di “Twixtustwain”. Infine, Favourite è una buona ballata che chiude su una nota malinconica un lavoro davvero strambo.

I Sorry si confermano una promessa del rock inglese: già capaci di passare con relativa facilità dall’indie rock all’elettronica, Lorenz e O’Brien confermano una chimica difficile da scalfire e una voglia di esplorare nuovi territori non comune. Vedremo dove li condurrà la loro ispirazione in futuro.

Voto finale: 6,5.

Recap: agosto 2019

Agosto è stato un mese decisamente movimentato, malgrado la calura estiva e il richiamo della bella stagione. Abbiamo infatti i nuovi lavori dell’instancabile Ty Segall e degli altrettanto prolifici King Gizzard & The Lizard Wizard, la nuova raccolta di Drake, il primo CD ufficiale di Chance The Rapper e il ritorno dei Bon Iver, dei Ride e delle Sleater-Kinney. Infine abbiamo i nuovi CD di Taylor Swift, Jay Som e dei BROCKHAMPTON.

Bon Iver, “i,i”

bon iver

Il quarto album dei Bon Iver, il progetto di Justin Vernon, arriva a tre anni dallo sperimentale “22, A Million”. Il disco è una pregevole fusione dei precedenti sforzi della band, il già citato “22, A Million” e “Bon Iver, Bon Iver” (2011). Accanto alla vena più elettronica e innovativa di Vernon troviamo infatti un ritorno alle sonorità folk che inizialmente ne decretarono la fortuna, come nella scarna Marion.

L’inizio pare ritornare al precedente LP di Vernon e compagni: sia la breve strumentale Yi che iMi sono di difficile lettura e l’impatto sugli ascoltatori potrebbe risultare a primo impatto deludente. Già con la bellissima Hey, Ma però Bon Iver ritorna ai suoi livelli: la voce di Vernon è in primo piano in tutta la sua bellezza e la strumentazione è innovativa ma mai fine a sé stessa.

La seconda parte del breve ma organico CD (13 brani per 40 minuti) è la più riuscita: abbiamo alcune delle più belle canzoni a firma Bon Iver, da Naeem a Sh’diah passando per l’epica Faith. In generale, aiutato anche da numerosi collaboratori, fra cui annoveriamo i fratelli Dessner dei The National, Moses Sumney e James Blake, Bon Iver come accennato riesce a bilanciare quasi perfettamente i suoi istinti più sperimentali con quelli più accessibili, creando con “i,i” un disco davvero affascinante.

Liricamente, come sempre, la band comunica più tramite immagini che con frasi definite e compiute: affiorano a volte sentimenti di amore (“I like you and that ain’t nothing new” canta Vernon in iMi), mentre in RABi compare in modo insolitamente chiaro il tema della morte: “Well, it’s all just scared of dying”.

Strumentalmente, questo è forse il lavoro meno avanguardistico di Bon Iver: mentre con le sue precedenti opere il gruppo americano aveva sempre anticipato o cavalcato i trend della musica contemporanea, tanto da guadagnarsi collaborazioni di alto profilo con due visionari come Kanye West e James Blake, oggi Vernon si limita a ri-assemblare il suono del progetto Bon Iver. Tuttavia, se i risultati sono così eccezionalmente belli, è probabile che Justin abbia ancora diversi assi nella manica.

Voto finale: 8,5.

Taylor Swift, “Lover”

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L’evento del mondo musicale di agosto, almeno per quanto riguarda il pop, è stato senza dubbio il ritorno di Taylor Swift. La popstar, giunta al settimo lavoro di studio (a soli 29 anni) dimostra una maturità maggiore rispetto a “reputation” (2017), il suo precedente CD. Accanto ai soliti temi dell’amore e delle pene che ne derivano, infatti, trovano spazio anche il dolore personale per la salute della madre e riflessioni non banali sui rapporti interpersonali.

I singoli che hanno lanciato “Lover” sono stati accolti in maniera controversa: ME! è già nella storia dei meme per quel verso che esalta lo spelling (“Spelling is fun!”), mentre You Really Need To Calm Down è una canzone pop talmente generica da essere paragonabile al peggior fiasco di Taylor, quella Look What You Made Me Do che era il peggior pezzo di “reputation”. Tuttavia, il livello generale del disco è davvero buono, con le vette di Cruel Summer e The Archer, oltre alla ballata strappalacrime Soon You’ll Get Better.

L’inizio del disco è intrigante: I Forgot That You Existed è un ritorno alla “vecchia” Taylor, con quel titolo che sa di vendetta per un ex partner e una melodia tanto essenziale quanto riuscita. Come già detto, Cruel Summer è un highlight immediato del disco, invece The Man e Lover sono più prevedibili. La lunghezza di “Lover” risulta eccessiva (più di un’ora), ma di cose da dire Taylor ne ha, quindi la presenza di brani mediocri è perdonabile nell’economia di un CD complesso ma da lodare per varietà e tematiche affrontate.

Parlando dei testi, “Lover” come già accennato è il lavoro più maturo della Swift: in Soon You’ll Get Better parla senza timori della battaglia contro il tumore della madre, invece la conclusiva Daylight contiene un riferimento a “Red” (2012): “I once believed love would be black and white… I once believed love would be burning red, but it’s golden”. Esiste modo migliore per descrivere l’amore?

In conclusione, la presenza di 4-5 canzoni inferiori alla media impedisce a “Lover” di essere il CD definitivo di Taylor Swift. Nondimeno, l’ampiezza della palette sonora messa in mostra dalla popstar americana fa capire che la traiettoria intrapresa è tornata sulla retta via, quella persa da “reputation” in avanti.

Voto finale: 8.

Sleater-Kinney, “The Center Won’t Hold”

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Il nono album delle Sleater-Kinney, una delle più longeve e talentuose band indie rock a cavallo fra i due millenni, è il secondo dopo la reunion del 2014 e segue il bellissimo “No Cities To Love” (2015). “The Center Won’t Hold” vanta la presenza di Annie Clark aka St. Vincent alla produzione, un contributo visibile e che probabilmente ha influito sulla decisione di Janet Weiss (batterista delle Sleater-Kinney fino al 2019) di abbandonare il complesso, ormai troppo mainstream per lei.

Il disco in realtà non suona troppo diverso dai precedenti sforzi del gruppo americano: le canzoni sono sempre dirette e le liriche mai banali, basate sui concetti di empowerment femminile, come il movimento riot grrl che ha originato le Sleater-Kinney ha sempre propugnato. Certo, vi sono episodi più melodici come Restless e l’influenza dell’elettronica è maggiore, ma fa parte della naturale evoluzione delle tre (ormai due) componenti della band.

Il CD si apre quasi su sonorità industrial: la title track pare anticipare svolte totali, prima di risolversi in un’esplosione punk degna delle prime Sleater-Kinney. Hurry On Home, il primo singolo estratto da “The Center Won’t Hold”, pare quasi un pezzo di St. Vincent ai tempi di “Strange Mercy” (2011), ma è un complimento non un’accusa di plagio. Non tutte le canzoni sono completamente convincenti: RUINS è fin troppo lenta, così come la già citata Restless sembra fuori posto dato il mood del lavoro.

Le liriche sono sempre state un pezzo forte delle Sleater-Kinney; anche “The Center Won’t Hold” lo conferma. Ad esempio, un tema portante è il destino delle donne considerate mature dal mondo della musica e in generale dell’arte, quasi impossibilitate a parlare del loro invecchiamento senza sentirsi nell’occhio del ciclone (LOVE), mentre altrove appare l’alienazione provocata dall’uso degli smartphone (“I start my day on a tiny screen, never have I felt so goddamned lost and alone” canta Corin Tucker in The Future Is Here). Il tono di Bad Dance è invece quasi ironico: “If the world is ending now then let’s dance… And if we’re all going down in flames, then let’s scream the bloody scream”.

In conclusione, “The Center Won’t Hold” sembrava nato sotto i migliori auspici: una band al top delle sue potenzialità, aiutata da una produttrice sopraffina, facevano pensare ad un capolavoro in arrivo. Il disco è senza dubbio gradevole, ma niente di trascendentale; pare anzi un LP di transizione, considerato anche l’abbandono della Weiss. Vedremo dove quest’incarnazione più elettronica e orientata al pop condurrà le Sleater-Kinney: il talento resta intatto, pertanto siamo fiduciosi.

Voto finale: 7,5.

Drake, “Care Package”

drake

La superstar canadese ha voluto essere generosa con i suoi fans; “Care Package” è infatti una compilation che raccoglie i singoli pubblicati da Drake fra il 2010 e il 2015, il suo periodo più prolifico e creativamente ispirato, in cui il rapper ha composto i suoi lavori più iconici: “Take Care” (2011), “Nothing Was The Same” (2013) e “If You’re Reading This It’s Too Late” (2015).

Attenzione però: non si tratta di scarti o b-sides, queste sono canzoni di punta di Aubrey Graham, con la sola caratteristica di non essere mai state prima di oggi messe in un album. Non è un caso che la qualità media sia davvero alta: il suono tipico di Drake, a metà fra rap e pop, che avrebbe poi fatto scuola e trovato il successo definitivo in “VIEWS” (2016) e “Scorpion” (2018), risplende in Dreams Money Can Buy e The Motion. Days In The East riporta alla mente le sonorità rilassate di “If You’re Reading This It’s Too Late”.

L’unico memento in cui il disco perde mordente è la parte centrale, con brani inferiori alla media come My Side e Club Paradise. In generale, le tracce che compongono “Care Package” (ben 17) non rendono il CD facilmente digeribile al primo ascolto (ricordiamo anche la durata, 74 minuti), tuttavia fanno sì che la noia di “VIEWS” o “Scorpion” venga evitata, grazie ad una discreta varietà e al cantato di Drake, mai banale.

Ecco perché possiamo facilmente eleggere “Care Package” il miglior album di Drake dal 2017 ad oggi: è lontana l’apertura a ritmi africaneggianti e tropicali del sottovalutato “More Life”, ma questo LP funge da macchina del tempo, verso una versione più umile (o meglio, meno arrogante) di Drake, meno popstar e più attento al prodotto finito. Tempi magari contraddistinti da minore ricchezza per Graham, ma anche da tracce più “vere” e, per questo, maggiormente apprezzabili.

Voto finale: 7,5.

Jay Som, “Anak Ko”

jay som

Il terzo album di Melina Duterte, in arte Jay Som, trova la talentuosa musicista americana più matura e aperta rispetto al precedente “Everybody Works” (2017) che l’aveva fatta conoscere, tanto da meritarsi un posto nella rubrica “Rising” di A-Rock.

Rispetto al bedroom pop delle origini, “Anak Ko” (“il mio bambino” in filippino, lingua natale di Melina) vira verso un indie rock intimista degno di Julia Jacklin o di Phoebe Bridgers, mantenendo però anche quegli ingredienti pop, quasi shoegaze che avevano fatto la fortuna dei suoi precedenti LP.

L’inizio di If You Want It è intrigante: il basso e la chitarra sono ben definiti e la canzone ha una deriva psichedelica nel finale che la rende imprevedibile. Superbike, il singolo di lancio del CD, è un immediato highlight del disco; la seguente Peace Out invece ha un assolo di chitarra potentissimo e innovativo per la Duterte. Buona anche la più raccolta Devotion. La brevità del disco (9 pezzi per 34 minuti) ne rende l’ascolto un’esperienza gradevole, anche se a tratti troppo “semplice” (ad esempio in Tenderness).

Da sottolineare è poi il fatto che la giovane cantautrice, come già in “Everybody Works”, ha anche prodotto il CD e suonato tutti gli strumenti presenti nel disco. Una mania accentratrice, verrebbe da dire, che però dimostra il grande talento e la versatilità di Melina.

In conclusione, “Anak Ko” non scrive pagine tremendamente nuove nello scenario indie rock, sempre più affollato e con una benvenuta schiera di giovani cantanti donne che stanno dando nuova linfa al genere. Nondimeno, le canzoni delicate ed evocative di Jay Som si confermano una garanzia per gli amanti del genere. Siamo davvero impazienti di vedere dove Melina Duterte ci condurrà nei suoi prossimi lavori.

Voto finale: 7,5.

BROCKHAMPTON, “GINGER”

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Il quinto album ufficiale della discografia frammentaria e molto prolifica della giovane band americana è un altro step importante nel loro processo di maturazione. Pare che la traiettoria del gruppo sia ora più spostata verso l’R&B e il pop rispetto alla trilogia delle “Saturation” (2017), non necessariamente una notizia negativa. Anzi, Kevin Abstract (il membro più talentuoso del gruppo) ha pubblicato alcuni mesi fa un interessante CD R&B, il che spiega in parte l’evoluzione dei BROCKHAMPTON.

L’inizio dell’album è splendido: NO HALO è una delle migliori canzoni mai composte dal gruppo e un immediato highlight di “GINGER”. Anche la seguente SUGAR è un buon pezzo, che fa quasi presagire che i BROCKHAMPTON abbiano composto il loro capolavoro. Purtroppo altrove la qualità non è altrettanto eccellente: ST. PERCY è un pezzo rap decisamente sottotono, mentre il breve intermezzo HEAVEN BELONGS TO YOU fa perdere ritmo al disco. Anche nella seconda parte del disco troviamo questa contrapposizione fra brani di qualità e altri sotto la media: DEARLY DEPARTED è riuscita, mentre I BEEN BORN AGAIN è un pezzo rap senza ritornello e senza mordente. Ottime d’altro canto la title track e BIG BOY, che alzano notevolmente il livello del finale del lavoro.

In generale, le tante bocche da fuoco del gruppo sono senza dubbio il tratto caratteristico dei BROCKHAMPTON, ma questa risorsa si rivela un limite quando ognuno vuole avere un uguale spazio nella scrittura e nel canto, malgrado il talento (legittimamente) diverso. Pertanto pare difficile immaginarli in questa formazione ancora per molti anni, malgrado la coesione mostrata a parole. Ad esempio, in NO HALO Joba canta: “Been goin’ through it again. Been talkin’ to myself, wonderin’ who I am. Been thinkin’, I am better than him. In times like these, I just need to believe it’s all part of a plan. Lost a part of me, but I am still here”. Parole che pesano come macigni sul futuro del gruppo.

In conclusione, “GINGER” è un buon lavoro da parte dei BROCKHAMPTON, ma allo stesso tempo, come il precedente “iridescence” (2018), mostra alcuni segni di stanchezza nella chimica di gruppo. I risultati paiono portare a un LP di transizione, vedremo verso cosa.

Voto finale: 7.

Ride, “This Is Not A Safe Place”

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Il secondo album post reunion dei britannici Ride, alfieri dello shoegaze anni ’90, rinnova ancora una volta la fiducia che avevamo riposto in loro già prima di “Weather Diaries” (2017). Gli inglesi infatti continuano nella loro singolare traiettoria, fatta di dischi apprezzabili sia per gli ascoltatori casuali che per i fans della prima ora, mancando però il capolavoro capace di rinverdire i fasti di “Nowhere” (1990) e “Going Blank Again” (1992).

L’inizio è abbastanza straniante: R.I.D.E. è quasi garage come base, riportando alla mente le migliori canzoni di Burial e del mondo hip hop. Già con Future Love torniamo sui terreni più congeniali per la band, a metà fra shoegaze e dream pop, in territorio Slowdive e Lush quindi. La seguente Repetition è un interessante pezzo shoegaze, che però guarda anche con decisione alla new wave anni ’80. Il ventaglio sonoro è ulteriormente ampliato dalla potente Kill Switch, quasi metal.

Non sempre il disco possiede questa carica innovativa: i Ride a volte preferiscono virare verso brani più convenzionali, come ad esempio Clouds Of Saint Marie. Tuttavia, il CD non perde mai la bussola e resta un ascolto sempre gradevole, segno che i Ride sono tornati non solamente per motivi economici: restano ancora pagine da scrivere per il complesso inglese.

In conclusione, “This Is Not A Safe Place” è un’altra aggiunta interessante alla discografia della band che, se eccettuiamo gli inciampi dolorosi di “Carnival Of Light” (1994) e “Tarantula” (1996), contiene molti LP di ottimo livello.

Voto finale: 7.

Ty Segall, “First Taste”

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La seconda produzione del 2019 dell’iperprolifico rocker statunitense segue la pubblicazione del live “Deforming Lobes”, un concentrato della potenza live espressa da Ty Segall e dalla sua Freedom Band. Il disco pareva anche un’ideale chiusura del cerchio dopo un 2018 incredibile: 4 album (!) di inediti più la collaborazione in numerosi altri progetti.

“First Taste” appare quindi inevitabilmente come un album di transizione e, soprattutto, decisamente sperimentale dati i canoni da rigoroso garage rocker usualmente abbracciati da Ty. Certo, il ragazzo altre volte aveva fatto vedere lati diversi di sé (dal folk alla psichedelia, passando per l’hard rock) ma la matrice era sempre e comunque un rock veloce e sbarazzino, a metà fra White Stripes e T. Rex, con decise iniezioni di Led Zeppelin.

Il disco, promette Ty, non conterrà chitarre: una cosa decisamente inusuale per lui, che anzi è uno dei migliori chitarristi in circolazione. Il CD è senza dubbio sperimentale, ma non per questo fine a sé stesso: diciamo che ci troviamo di fronte ad un altro “Emotional Mugger” (2016), quindi un album utile per Segall per ricaricare le batterie e ampliare la propria palette sonora.

Nel corso del disco abbiamo pertanto una fortissima presenza della batteria e dei sintetizzatori, con accanto altri strumenti più esotici come il bouzouki greco e il koto giapponese. Ne nascono ritmiche e sonorità lontane dal Ty Segall tradizionale, ma non per questo sbagliate: Taste è trascinante, The Arms sarebbe stata benissimo in “Goodbye Bread” (2011) e la conclusiva Lone Cowboys è una suite interrotta troppo presto, ambiziosa e che ci fa desiderare di sapere come va a finire. Altrove la sperimentazione conduci a risultati dubbi: Ice Plant, ad esempio, è quasi gospel.

In conclusione, Ty Segall si conferma allo stesso tempo instancabile e incapace di generare lavori completamente sbagliati. Ognuno potrà avere la sua incarnazione preferita del genietto californiano, ma di cantautori capaci di pubblicare (almeno) un album all’anno e con questa consistenza ne conosciamo pochissimi.

Voto finale: 7.

King Gizzard & The Lizard Wizard, “Infest The Rats’ Nest”

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Deve esserci una qualche sfida in corso fra i King Gizzard & The Lizard Wizard e Ty Segall: nel 2017 gli australiani hanno pubblicato 5 (!) dischi di inediti, il ragazzo prodigio americano ha risposto l’anno seguente con 4 (!) CD. Il 2019 per ora li vede appaiati, con 2 LP ciascuno: chi avrà la meglio?

Scherzi a parte, il gruppo aussie stupisce ancora una volta il suo pubblico: se il precedente “Fishing For Fishies” era un disco insolitamente acustico per i King Gizzard & The Lizard Wizard, “Infest The Rats’ Nest” è ad oggi il loro disco più metal, in cui si notano decise influenze di  Metallica, Black Sabbath e Slayer. I risultati sono buoni: il CD è compatto e mai scontato, malgrado guardi più al passato che al futuro. Una cosa è certa: al quindicesimo (!!) album di studio in soli 8 anni di carriera, il collettivo australiano si conferma voce sempre fuori dal coro nella scena rock.

L’inizio è fulminante: Planet B è un pezzo puramente metal, in cui i King Gizzard & The Lizard Wizard, questa volta ridotti solo a tre (il cantante Stu Mackenzie, il chitarrista Joey Walker e il batterista Michael Cavanagh), danno sfogo alla loro passione per il metal anni ’80. Mars For The Rich invece contiene quelle derive strumentali più psichedeliche che hanno fatto la fortuna della band.

Questa alternanza fra metal e heavy psych (così è chiamato l’incrocio fra rock psichedelico e hard rock) mette il CD sempre sull’orlo del precipizio e soggetto ad andare fuori dai binari, ma Mackenzie e compagni non sono mai eccessivamente estremisti e “Infest The Rats’ Nest”, anche grazie al messaggio ecologista che lo accompagna (forse l’unica cosa in comune con “Fishing For Fishies”) risulta gradevole, anche se inferiore ai capolavori del complesso, quale “Polygondwanaland” (2017) e “Nonagon Infinity” (2016).

In conclusione, i King Gizzard & The Lizard Wizard hanno allargato ulteriormente la loro già variegata palette sonora con questo disco. Accanto al rock psichedelico e al garage rock delle origini adesso abbiamo anche del caro vecchio heavy metal. Questa svolta potrà non piacere ai fans dei lavori più acustici del gruppo, ma senza dubbio dimostra che Mackenzie e compagni non hanno alcuna intenzione di fermarsi o di adagiarsi sui successi e sulle formule del passato.

Voto finale: 7.

Chance The Rapper, “The Big Day”

the big day

Dopo tre mixtape di crescente successo, il rapper statunitense ha deciso di pubblicare il primo CD ufficiale a firma Chance The Rapper. Il risultato è piuttosto contraddittorio: accanto a brani molto riusciti, spesso le 22 canzoni (e i 77 minuti che ne derivano) possono risultare decisamente pesanti, anche perché i temi portanti del disco, la felicità coniugale e l’amore per Dio per avergli concesso questa fortuna, possono essere, beh, fin troppo smielati.

“The Big Day” era peraltro molto atteso da pubblico e critica: Chance è il rapper indipendente più famoso sui servizi di streaming e sui social, anche grazie ad una personalità esuberante e solare. Questa solarità tuttavia va a detrimento dei risultati del disco: mentre in “Coloring Book” (2016) e nel precedente “Acid Rap” (2013) il focus di Chance The Rapper era preciso e mai ridondante, in “The Big Day” il Nostro non riesce mai ad essere totalmente convincente.

Vi sono canzoni riuscite, a dire il vero, che riportano alla mente le migliori di Chance, come Do You Remember, grazie anche all’aiuto del cantante dei Death Cab For Cutie Ben Gibbard. Altrove però abbiamo veri e propri fiaschi, soprattutto nel finale, in cui Chance presenta brani a mala pena finiti e il mood generale del disco comincia a pesare. Basti pensare a I Got You (Always And Forever) e Hot Shower. Altra caratteristica criticabile: i numerosi skit, cioè i brevi intermezzi popolari nel mondo hip hop negli anni ’00, che rompono solamente il flusso delle canzoni senza aggiungere nulla di significativo al contenuto lirico del CD. Peccato, perché il lavoro contava un parco ospiti sterminato e variegato fra produttori (Justin Vernon dei Bon Iver, James Taylor) e cantanti (Nicky Minaj, Shawn Mendes, Gucci Mane), poco sfruttati da Chancelor Jonathan Bennett (questo il vero nome di Chance).

Dicevamo delle tematiche affrontate nel corso di “The Big Day”. Chance The Rapper, da poco sposato, ha dedicato “The Big Day” alle gioie matrimoniali, con accanto abbondanti riferimenti alla religione, un tema va detto ricorrente nella sua discografia. Ad esempio, in We Go High canta “They prop up statues and stones, try to make a new God. I don’t need a EGOT, as long as I got you, God”. Altrove abbiamo temi più maturi come la paura della morte (“Used to have an obsession with the 27 club, now I’m turning 27, wanna make it to the 2070 club” in Do You Remember) e le battaglie femministe (“For every small increment liberated, our women waited” in Zanies and Fools), però il disco è davvero troppo lungo per apprezzare appieno questi riferimenti testuali.

In conclusione, “The Big Day” è una delle maggiori delusioni dell’anno. Sposando un pop-rap davvero scontato, almeno in alcune canzoni, Chance The Rapper ha prodotto il primo vero fiasco della sua finora onorevole carriera. Speriamo che si riprenda presto, tornando a creare LP più brevi e centrati rispetto a questo “The Big Day”.

Voto finale: 5.

Recap: ottobre 2018

Un altro mese è finito. Come di consueto, A-Rock propone una sintesi dei CD più rilevanti usciti in ottobre. Abbiamo il live di Mount Eerie, il quarto CD solista della cantante dei Big Thief Adrianne Lenker, il nuovo LP di Tim Hecker, il ritorno degli Spiritualized, di Christine And The Queens, di Kurt Vile e di Annie Clark aka St. Vincent, oltre al nuovo lavoro del collettivo americano BROCKHAMPTON e dei Cloud Nothings. Buona lettura!

Mount Eerie, “(after)”

after

Gli amanti della musica rock alternativa conoscono la tragica vicenda di Phil Elverum, ex leader dei Microphones e attuale solista con il nome d’arte Mount Eerie. La moglie Geneviève Castrée è scomparsa nel 2016 a causa di un cancro, lasciando soli Elverum e la figlioletta. La vicenda ha ovviamente distrutto il cantante statunitense, che ha deciso di mettere in musica tutti i sentimenti provati in questo drammatico periodo e i ricordi più belli del suo matrimonio con l’amata Geneviève.

Ne sono usciti due CD di inediti, toccanti come pochi altri (forse “Carrie & Lowell” di Sufjan Stevens è paragonabile) e bellissimi: “A Crow Looked At Me” del 2017 e “Now Only” di quest’anno. A corredo di tutto ciò, Elverum ha poi suonato le canzoni dei due album in un tour mondiale di buon successo. Una scelta discussa da molti, che lo considerano un mezzo per trarre ancora più denaro da una vicenda tragica; Elverum stesso era incerto su come procedere. La decisione di fare un tour è dipesa soprattutto dalla volontà di connettersi con il suo pubblico, magari aiutando altre persone nella sua stessa situazione ad affrontarla: un fine nobile, tanto che lui stesso aveva detto di non aspettarsi show pirotecnici o brani da album più vecchi.

Sentir risuonare al festival Guess Who?, a Utrecht, in Olanda, le canzoni semplici e delicate tratte da “A Crow Looked At Me” e “Now Only” è davvero bellissimo, un’esperienza toccante ma allo stesso tempo catartica. Ad esempio, Ravens e Distortion sono ancora più cariche di pathos, mentre la chiusura di Tintin In Tibet apre finalmente uno spiraglio di felicità.

Insomma, se siete amanti di Mount Eerie, questo è un disco imperdibile. “(after)” sembra, fin dal titolo, la chiusura di un capitolo doloroso della vita di Phil Elverum, che ora ha anche ritrovato l’amore (è sposato infatti con la famosa attrice Michelle Williams). Speriamo che tutto ora vada per il meglio e che l’uomo Elverum possa tornare a vivere e scrivere belle canzoni non permeate da morte e tristezza come negli ultimi anni. Tanti auguri, Phil.

Voto finale: 9.

Kurt Vile, “Bottle It In”

kurt vile

Il settimo LP solista di Kurt Vile (ottavo considerando “Lotta Sea Lice”, inciso con Courtney Barnett nel 2017) mostra il nostro slacker preferito mantenere alta la bandiera del folk-rock che lo ha reso celebre, dapprima con i The War On Drugs, poi nella sua carriera solista.

Rispetto al passato, Kurt cambia leggermente la ricetta: il CD è infatti il più lungo della sua prolifica produzione (quasi 80 minuti) e sono numerosi gli ospiti, i più rilevanti dei quali sono Kim Gordon (Sonic Youth) e il cantautore country Cass McCombs. I brani sono spesso molto articolati: in quattro casi superano i 7 minuti, in due addirittura i 10!

Ciò detto, il 38enne statunitense riesce quasi sempre a mantenere alta l’attenzione dell’ascoltatore, grazie alla consueta abilità nel mescolare melodie sicuramente già sentite, ma assemblate in maniera mai banale. Basti ascoltarsi l’iniziale Loading Zones: forse Neil Young, forse Bob Dylan, certo qualcuno aveva prodotto qualche cosa di simile in passato, ma Kurt riesce ad adattare il tutto al XXI secolo in maniera furba. Altro brano degno di nota è l’ipnotica suite Bassackwards, uno dei pezzi migliori mai creati da Vile; buone anche la lunghissima Skinny Mini e Rollin With The Flow. Deludono invece la title track e Come Again, ma sono errori accettabili in un lavoro lungo come “Bottle It In”.

Liricamente, come sempre, Kurt non dispensa mai grandi insegnamenti, ma il suo spirito di osservazione riesce a volte a esprimere concetti semplici ma non così scontati oggigiorno: “I think things were way easier with a regular telephone” proclama calmo in Mutinies, mentre in Bassackwards “Just the way things is these days, just the way things come out”. Quest’ultimo è in effetti il primo momento in cui Kurt sembra davvero insoddisfatto del presente, lui che dell’osservazione placida del mondo circostante aveva fatto una bandiera.

In conclusione, “Bottle It In” è una gradevole aggiunta ad una discografia già abbondante e di buona qualità media. Malgrado l’eccessiva lunghezza e alcuni momenti di stallo, il CD conferma Kurt Vile tra le voci (e i chitarristi) più importanti del panorama rock moderno. Non una cosa scontata, dopo una carriera che è iniziata nell’ormai lontano 2003 e continua ad essere rilevante anche quindici anni dopo.

Voto finale: 8.

Cloud Nothings, “Last Building Burning”

cloud nothings

Il quinto album della band americana, capitanata dallo scatenato Dylan Baldi, è il loro lavoro più feroce. Ed è tutto dire per una band punk come i Cloud Nothings, autrice di capolavori del genere come “Attack On Memory” (2012) e “Here And Nowhere Else” (2014).

Il CD arriva solo un anno e mezzo dopo “Life Without Sound”, l’album più quieto del gruppo originario di Cleveland: brani pur ottimi come Enter Entirely e Up To The Surface ce li saremmo aspettati dagli Arctic Monkeys o dai Bloc Party delle origini, non da una solida band punk. In effetti sia critica che pubblico erano stati tiepidi; non è un caso che la radicale inversione di rotta arrivi dopo così breve tempo.

L’inizio è devastante: On An Edge presenta liriche praticamente incomprensibili, sopra una base potentissima, quasi metal. Gli altri sei brani che compongono questo breve ma compattissimo disco non frenano poi molto l’irruenza della prima traccia; anche testualmente Baldi riporta alla memoria la rabbia dei suoi dischi di maggior successo. Ad esempio, in In Shame canta “They won’t remember my name, I’ll be alone in my shame!”, mentre in Offer An End abbiamo un pessimismo ancora più universale: “Nothing’s gonna change!”. Infine, in So Right So Clean se la prende con una ex partner ormai abbandonata: “I wish I could believe in your dream” le urla Baldi.

I sette brani che compongono “Last Building Burning” sono molto veloci e generalmente al di sotto dei quattro minuti di durata; solo la colossale Dissolution ha una durata anomala (supera i 10 minuti) ed è un preciso rimando al vero capolavoro della band, Wasted Days. Le migliori canzoni sono Offer An End e So Right So Clean; meno convincente la troppo violenta On An Edge.

In conclusione, i Cloud Nothings sono tornati alle loro radici, a quel punk sporco e diretto che li aveva fatti conoscere al mondo. I risultati forse non raggiungeranno le vette di “Attack On Memory” e “Here And Nowhere Else”, ma la band è più viva che mai. Chissà che il loro prossimo grande CD non stia per arrivare…

Voto finale: 7,5.

Christine And The Queens, “Chris”

chris

Il secondo album di Héloïse Letissier, meglio conosciuta come Christine And The Queens, è un concentrato del pop da classifica degli ultimi vent’anni: passiamo dalla Madonna più funk ai Daft Punk più suadenti alla Lorde di “Melodrama”. Tuttavia, ad una base musicale già importante la giovane francese aggiunge delle tematiche non banali, già affrontate quest’anno ad esempio da Troye Sivan e Anna Calvi (la liberazione sessuale), ma da una prospettiva tutta nuova.

Héloïse infatti canta le peripezie di un personaggio fittizio da lei ideato, il Chris che dà il titolo al CD, femminile ma con alcuni tratti mascolini, che trascende quindi ogni classificazione di genere. In Girlfriend Chris vuole possedere il suo partner, tanto che canta “Came back steaming in sweats in the morning, I muscled in, for I wanted to hold him”. Damn (What Must A Woman Do) canta cosa provano le donne quando hanno attrazione sessuale verso un uomo. Insomma, tematiche decisamente carnali, cantate con franchezza. La bella voce della Letissier aiuta a trasmettere questi sentimenti, così come l’efficace partecipazione di Dâm-Funk (nome d’arte del cantante americano Damon Garrett Riddick) rende Girlfriend decisamente più interessante.

I pezzi migliori sono The Walker e la più sperimentale Damn (What Must A Woman Do); buona anche Feel So Good. Meno riuscite Doesn’t Matter e la scontata Make Some Sense, ma i risultati complessivi restano buoni, soprattutto grazie alla coerente visione del pop e del funk trasmesse da Christine And The Queens in “Chris”.

In conclusione, il pop quest’anno ha trovato almeno altre due voci decise a scrivere pagine importanti: sia Troye Sivan che Christine And The Queens paiono avere un brillante futuro davanti, grazie a un talento non comune e al coraggio di affrontare argomenti complessi come la propria sessualità, il bullismo e le violenze subite in passato a causa delle proprie preferenze sessuali o delle proprie idee. “Chris” non sarà un capolavoro, ma mette in mostra la competenza e la voglia di sperimentare di Héloïse Letissier, facendone una figura contemporaneamente emergente ma già pronta a fare il grande salto fra le star del genere.

Voto finale: 7,5.

Spiritualized, “And Nothing Hurt”

spiritualized

All’ottavo (e forse ultimo) album, gli Spiritualized sembrano aver finalmente trovato la pace. Da sempre infatti la band britannica capitanata da Jason Pierce ha affrontato temi difficili nei suoi CD, a partire dal capolavoro “Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space” del 1997: Dio, morte, disperazione… a ciò aggiungiamo i problemi di dipendenza affrontati da Pierce in passato. Insomma, non una eredità facile, sia musicale che personale.

“And Nothing Hurt” è probabilmente l’album meno innovativo musicalmente degli Spiritualized, ma allo stesso tempo è anche il loro LP più coeso e compatto: la parte psichedelica stavolta prevale su quella più sperimentale e space rock, che tanto ha dato al rock degli scorsi decenni, ispirando band come Tame Impala e King Gizzard & The Lizard Wizard. I riferimenti stavolta sono Velvet Underground e il Lou Reed solista: la dolce A Perfect Miracle richiama i Velvet Underground del 1967, mentre I’m Your Man e Let’s Dance sembrano prese da “Transformer” (1972). I bei pezzi non mancano: stupiscono specialmente la già menzionata A Perfect Miracle e Sail On Through, ma anche I’m Your Man e Here It Comes (The Road) Let’s Go non sono trascurabili. Inferiori alla media i brani della parte centrale, ad esempio On The Sunshine, ma non intaccano eccessivamente il risultato finale.

Liricamente, Pierce sembra un uomo maturo, ormai in pace con sé stesso e la sua eredità: un verso bellissimo e schietto è contenuto in The Prize e recita “Gonna burn brightly for a while, then you’re gone”. Una riflessione sulla vita lucida e un po’ malinconica, ma che contiene più di un briciolo di verità.

In conclusione, l’ex frontman degli Spacemen 3 e attuale leader degli Spiritualized dimostra ancora una volta il suo talento, con una (apparente?) chiusura di carriera che riassume benissimo i pilastri che lo hanno reso un punto di riferimento per gli amanti del rock alternativo. “And Nothing Hurt” non sarà un capolavoro, ma potevano esserci uscite di scena peggiori.

Voto finale: 7,5.

Adrianne Lenker, “abysskiss”

abysskiss

La cantante dei Big Thief, giunta al quarto CD solista, amplia considerevolmente la propria tavolozza sonora componendo un album folk molto delicato e toccante nei suoi momenti migliori, che denota un’abilità non comune nell’uso della chitarra e una voce duttile come mai in carriera.

“abysskiss” è stato composto in una sola settimana, ma non per questo suona affrettato o tirato via. Anzi, le 10 melodie che formano il disco creano un lavoro coeso, con tematiche ricorrenti e sonorità coerenti da una canzone all’altra. Come già detto per Waxahatchee nel recap di settembre, il fatto di saper comporre efficaci pezzi folk non è che un’interessante aggiunta alla propria tavolozza sonora e a quella dei Big Thief.

Il CD si apre e chiude con immagini drammatiche, di morte: la Lenker nella bellissima terminal paradise canta “See my death become a trail; and the trail leads to a flower”. Ma del resto già il titolo era evocativo. In 10 miles invece Adrianne evoca la sua morte, ma con dei flashback che ricordano i suoi (immaginari) ricordi di una vita passata, mentre lei muore tra le braccia dell’amato. Insomma, canzoni con tematiche tragiche, ma affrontate con delicatezza. Altrove, gli scenari sono più incentrati sull’amore, a volte addirittura selvaggio: in 10 miles, rievocando la gioventù, il personaggio della canzone bacia l’amante “very hard and wild”.

In generale, dunque, come già visto nei Big Thief, la Lenker è capace di evocare immagini oniriche e allo stesso tempo molto reali, un’abilità che in pochi possiedono. A ciò si accompagna un uso della chitarra sempre ingegnoso, che rievoca i grandi cantori del passato (da Leonard Cohen a Elliott Smith).

I pezzi migliori dell’album sono terminal paradise e out of your mind; bella anche cradle. Meno convincente invece blue and red horses; in generale, se non si è fan della musica folk, il CD può risultare melodicamente monotono, ma ripetuti ascolti svelano sempre nuovi particolari deliziosi di “abysskiss”.

In conclusione, questo piccolo ma grazioso album non cambierà la storia della musica, ma ci fa capire una volta di più il potenziale immenso di Adrianne Lenker. Che il capolavoro definitivo dei Big Thief sia dietro l’angolo?

Voto finale: 7,5.

Tim Hecker, “Konoyo”

konoyo

Il compositore canadese Tim Hecker è una delle voci più rilevanti dell’elettronica più sperimentale: nel corso di una carriera quasi ventennale (il primo disco a suo nome è del 2001) Hecker ha infatti costruito la reputazione di artista mai fermo, anzi sempre in cerca di nuovi suoni e collaborazioni. Non dimentichiamo infatti che egli vanta brani incisi con il defunto produttore finlandese Jóhann Jóhannsson e Daniel Lopatin (aka Oneohtrix Point Never), due nomi decisamente rilevanti per questa nicchia musicale.

Il suo nuovo disco, il nono della carriera, ha una storia particolare: “Konoyo” infatti è stato inciso durante una permanenza dell’autore in Giappone in un tempio buddhista insieme al collettivo “gagaku” Tokyo Gakuso. “Gagaku” è una parola giapponese che rappresenta la colonna sonora della vita nel palazzo imperiale di Tokyo; in poche parole, l’ambizione di Hecker era di fondere le ritmiche ambient occidentali con la musica giapponese e creare una melodia degna dell’imperatore del Giappone!

Insomma, non banale come obiettivo. Hecker non si smentisce mai, insomma, cercando sempre nuove esperienze per creare un suono sempre più complesso. Per farlo si avvale, oltre che dei Tokyo Gakasu, anche di collaboratrici come Kara-Lis Coverdale e Mariel Roberts. I risultati, al primo ascolto, possono apparire stranianti: l’elettronica di Hecker è sperimentale come mai in carriera, i suoni sintetici e le atmosfere evocate eteree. Tuttavia, dando tempo al disco di maturare dentro di noi, “Konoyo” rivela una profondità che poche volte abbiamo apprezzato quest’anno. Ne sono esempio l’iniziale This Life e In Mother Earth Phase; meno riuscita Keyed Out.

In conclusione, non parliamo di un album fondamentale per il 2018 e tantomeno per la decade che sta per finire, ma certamente gli amanti della musica ambient più sperimentale troveranno pane per i loro denti.

Voto finale: 7.

St. Vincent, “MassEducation”

masseducation

L’anno scorso, Annie Clark (meglio conosciuta col nome d’arte St. Vincent) ha realizzato un album di grande successo, tanto che ha ottenuto la più alta posizione della carriera di St. Vincent nella classifica Billboard 200, la numero 10. “MASSEDUCTION” era un concentrato di ottimi brani pop e un pizzico della virtuosità chitarristica che aveva fatto conoscere la Clark.

È pertanto interessante (e rischiosa) la scelta dell’artista di riproporre la scaletta del suo precedente LP, stavolta però reinterpretata con solamente piano, voce e rare tastiere; a collaborare con lei è stato l’amico pianista Thomas Bartlett. Dicevamo, scelta rischiosa: affrontare canzoni zuccherosamente pop in maniera radicalmente diversa, in chiave acustica, può portare a risultati ottimi, ma anche parodistici.

Parlando di St. Vincent, uno dei nomi più apprezzati dell’indie rock del XXI secolo, i risultati non potevano che essere buoni; e così è. Pezzi che in “MASSEDUCTION” erano fin troppo mielosi (vedi la title track) qua acquistano una nuova dimensione e un rinnovato fascino; al contrario, come prevedibile, i pezzi che nel precedente album funzionavano meglio (vedi Sugarboy) qua perdono rilevanza. I pezzi migliori sono Slow Disco, rifacimento di Fast Disco; Savior; e Los Ageless. Come già accennato, convince meno Sugarboy, ma non intacca eccessivamente il risultato complessivo.

Insomma, “MassEducation” non sarà ricordato come il miglior CD della Clark, nondimeno St. Vincent si conferma un nome rilevante nella scena pop-rock mondiale: anche con un album di cover, infatti, la voce di Annie trasforma melodie scontate in qualcosa di particolare. Aspettiamo con trepidazione il prossimo disco vero e proprio a nome St. Vincent, per capire finalmente se la svolta pop era solo un divertissement oppure una scelta stilistica ben precisa.

Voto finale: 7.

BROCKHAMPTON, “iridescence”

iridescence

Il primo disco per una major (la RCA) del collettivo americano BROCKHAMPTON continua il percorso tracciato dalla trilogia di “Saturation”, che aveva sconvolto il 2017 e fatto di loro una sensazione nel mondo del rap indipendente e più sperimentale.

“iridescence”, registrato ai leggendari studi di Abbey Road, ha debuttato al numero 1 della classifica Billboard, un grande traguardo per il gruppo; i BROCKHAMPTON hanno poi presentato un tour mondiale. Questo malgrado le tensioni seguite alla cacciata di Ameer Van, a causa di accuse di molestie sessuali arrivategli nella prima parte del 2018. Una scelta coraggiosa, dato il grande contributo che Vann aveva avuto nel successo dei BROCKHAMPTON, nondimeno giusta e premiata dal pubblico.

L’inizio di “iridescence” è travolgente: NEW ORLEANS è un brano trap potentissimo, in cui i rimanenti BROCKHAMPTON si alternano efficacemente al microfono. La canzone fluisce perfettamente nella dolce THUG LIFE, evidenziando il contrasto che pervaderà tutto il CD, rendendolo alternativamente elettrizzante o confuso. Ad esempio, BERLIN è davvero un mix quasi inascoltabile; invece la toccante WEIGHT è il pezzo migliore del disco.

Questa “confusione ragionata” dei BROCKHAMPTON è certamente messa in azione per sedurre il maggior numero di ascoltatori (e i numeri premiano la band statunitense); tuttavia, ascoltato nella sua interezza “iridescence” non convince appieno, come invece i migliori momenti delle tre “Saturation” erano in grado di fare.

Oltre a NEW ORLEANS e WEIGHT, altro pezzo convincente è J’OUVERT; sotto la media invece la già menzionata BERLIN, la breve e inutile SOMETHING ABOUT HIM e DISTRICT.

In conclusione, “iridescence” fallisce nella sua missione di presentare i BROCKHAMPTON come il fenomeno destinato a cambiare il rap contemporaneo; allo stesso tempo, tuttavia, il gruppo dimostra di aver mantenuto la propria integrità, malgrado le vicissitudini con l’ex membro Ameer Vann e un contratto da 15 milioni di dollari in tasca, che poteva portarli a diventare decisamente più commerciali (e prevedibili). Speriamo che nel prossimo LP i BROCKHAMPTON mettano più a fuoco i loro talenti, così da avere un disco meno dispersivo.

Voto finale: 7.