Anche maggio è terminato. Un mese ricco di uscite musicali attese, soprattutto per gli amanti dell’indie rock. Abbiamo infatti i nuovi lavori di Mac DeMarco, dei The National, degli Interpol e dei Big Thief. Segnaliamo inoltre i ritorni di Flying Lotus, Tyler, The Creator, Rhye, Tim Hecker, Jamila Woods e Carly Rae Jepsen.

The National, “I Am Easy To Find”

L’ottavo album dei The National, beniamini dell’indie rock statunitense, è il loro CD con più tracce (16) e dal minutaggio più elevato (64 minuti). Malgrado inevitabilmente alcuni momenti siano ridondanti, il disco è eccellente, grazie anche alla collaborazione di voci femminili di altissimo livello, fatto inedito per la band.

Matt Berninger e i fratelli Dessner e Darendorf, a soli due anni dall’ottimo “Sleep Well Beast”, vincitore del Grammy come miglior album di musica alternativa, sono tornati più in forma che mai. In “I Am Easy To Find” ogni fan del gruppo avrà soddisfazione: dalle ballate ai brani più rock, non manca davvero nulla, tanto che il disco pare una chiusura ideale di un cerchio cominciato nello scorso millennio. Dicevamo inoltre che il CD è popolato da presenze esterne ai The National: in effetti molte vocalist, da Sharon Van Etten a Gail Ann Dorsey, si alternano con Berninger, creando vocalizzi molto belli e innovativi per la band. Infine, ricordiamo che “I Am Easy To Find” fa da colonna sonora a un breve film con protagonista l’attrice premio Oscar Alicia Vikander. Insomma, un’opera davvero totale, sintomo di grande ambizione da parte del gruppo.

Le prime due tracce sono magnetiche: You Had Your Soul With You e Quiet Light rientrano a pieno titolo fra le migliori dei The National, la prima con base ritmica forsennata, la seconda più raccolta. Invece Oblivions è leggermente sotto la media, mentre The Pull Of You ricorda la Guilty Party di “Sleep Well Beast”. Anche la seconda metà del CD è molto intrigante: eccettuate la brevissima Her Father In The Pool e l’eterea Dust Swirls In Strange Light, il resto dei pezzi è sempre all’altezza della fama dei The National, con le perle di Where Is Her Head e la conclusiva Light Years.

In generale, un LP con durata superiore all’ora e ben 16 canzoni non è facile da digerire, ma i tesori sono numerosi e davvero rimarchevoli: i The National si confermano band incapace di comporre cattivi dischi e in continuo cambiamento, fatto che rende davvero poco credibile la crisi di mezza età che colpisce molti gruppi rock.

Liricamente, Berninger (aiutato anche dalla moglie Carin Besser) non abbandona la sua fama di persona sensibile ma mai passiva di fronte alle disgrazie, soprattutto personali: nella title track canta di una coppia troppo divisa per stare insieme ma anche tanto consuetudinaria da non avere il coraggio di lasciarsi. Invece in Not In Kansas denuncia la deriva politica dell’America, citando il caso dei neonazisti. Allo stesso tempo, però, l’amore è sempre il centro dei suoi pensieri: “There’s never really any safety in it!” afferma perentorio in Hey Rosey, una frase quanto mai veritiera. Tuttavia, forse il verso più significativo dell’intero album è contenuta in Where Is Her Head: “And I will not come back the same” canta Berninger. Una dichiarazione di intenti chiarissima.

In conclusione, “I Am Easy To Find” è un ritorno in grande stile per i nativi di Brooklyn. Il disco è coeso ma allo stesso tempo mai banale o semplicemente noioso. I The National si candidano, chissà, ad un altro Grammy? Possibile, certamente sono fra i gruppi indie rock che sono meglio maturati se paragonati alla nidiata di complessi nati a cavallo fra XX e XXI secolo. Chapeau.

Voto finale: 8,5.

Tyler, The Creator, “IGOR”

Il sesto lavoro tra mixtape e CD veri e propri, non contando L’EP natalizio a tema Grinch uscito l’anno scorso, è un trionfo per Tyler, The Creator. Mescolando abilmente soul e hip hop, con strutture delle canzoni sempre innovative, Tyler ha prodotto il suo LP di maggior rilievo, forse anche superiore a quel “Flower Boy” (2017) che gli aveva dato definitivamente la fama.

Tyler, The Creator ne ha fatta di strada rispetto agli esordi, prima con gli Odd Future e poi come solista: se prima i suoi testi erano fortemente violenti, spesso amaramente ironici e omofobi, già in “Flower Boy” avevamo intravisto il suo lato più gentile e aperto, con annessa confessione di essere omosessuale che è stata francamente una rivelazione dato il suo passato.

Questo background è importante per comprendere appieno “IGOR”: l’album si articola in 12 brani per 39 minuti, quindi un lavoro compatto. Tyler narra una storia, in cui il suo alter ego Igor cerca di salvare la propria relazione con un altro uomo, prima suo amante ma poi incerto se tornare dalla sua fidanzata. Tyler canta in molte parti del disco versi commoventi nel loro candore: in EARFQUAKE “Don’t leave, it’s my fault”, mentre in RUNNING OUT OF TIME cerca di convincere il partner: “Stop lyin’ to yourself, I know the real you”. Quando però capisce che la storia è finita, in GONE, GONE / THANK YOU, ammette “Thank you for the love, thank you for the joy”.

Dicevamo della struttura delle canzoni: aiutato da gente del calibro di Kanye West, Pharrell e Cee-Lo Green, fra gli altri, Tyler mantiene la peculiarità di saper mescolare abilmente vari generi musicali: dal rap al funk, passando per soul e R&B, “IGOR” è un trionfo. Certo, la narrativa e la struttura non coincidono, a volte le canzoni finiscono improvvisamente e si intersecano con le successive, ma il CD mantiene un suo fascino innegabile. Inoltre, iniziare il lavoro con una suite strumentale come IGOR’S THEME non è una scelta facile, ma è lodevole e in fondo riuscita.

I pezzi migliori sono EARFQUAKE, la ballabile I THINK e la folle WHAT’S GOOD, in cui risplende tutta l’abilità di Tyler, The Creator nel creare canzoni davvero articolate. Buona anche la potente NEW MAGIC WAND. Se vogliamo trovare un brano inferiore alla media è forse GONE, GONE / THANK YOU, un po’ troppo lungo e pop.

In conclusione, “IGOR” è il lavoro che posiziona Tyler, The Creator nell’Olimpo dell’hip hop contemporaneo. Come molti dei suoi vecchi compagni degli Odd Future, Tyler ha saputo imporsi, malgrado alcuni passaggi a vuoto specialmente ad inizio carriera. Vedremo dove lo porterà il futuro, certo “IGOR” è fino ad ora il suo miglior LP.

Voto finale: 8,5.

Jamila Woods, “LEGACY! LEGACY!”

Il secondo album della talentuosa Jamila Woods è un trionfo per gli amanti di R&B e soul. Facendo riferimento ai maestri del passato e ripercorrendo le vite di grandi artisti di colore de passato e del presente, la Woods ha composto uno dei migliori album di black music dell’anno.

Il disco è perfetto per sequenziamento e lunghezza, contando 13 canzoni per 49 minuti di durata, con nessun brano fuori posto. In questo la giovane americana è migliorata rispetto all’esordio “HEAVN” (2016), mostrando maturità e consapevolezza di sé. Il CD tuttavia non è solamente un ottimo estratto di influenze legate alla musica nera: con titoli di per sé evocativi come MILES e BASQUIAT, l’intento di Jamila è evidente: rievocare le figure storiche del passato che hanno reso i neri degni di attenzione non solo socialmente ma anche artisticamente, gli eroi che hanno aperto la strada agli artisti di colore di oggi.

I risultati, sia liricamente che come composizioni e arrangiamenti, sono sfarzosi ma mai sovraccarichi o fini a sé stessi: pezzi come GIOVANNI e BETTY sono grandiosi, ma nessuno come già accennato è superfluo.

In conclusione, Jamila Woods si conferma un’artista dal potenziale immenso, forse ancora non completamente sfruttato. “LEGACY! LEGACY!” è un trionfo, un LP da assaporare e che rivela sempre nuovi dettagli seducenti. In poche parole, anche questo album farà parte della legacy degli artisti di colore del futuro.

Voto finale: 8,5.

Flying Lotus, “Flamagra”

Il sesto album del celebre produttore losangelino Steven Ellison, meglio conosciuto col nome d’arte Flying Lotus, si è fatto attendere. Il suo ultimo lavoro, il breve ma densissimo “You’re Dead!”, risaliva al 2014. Questi cinque anni sono però stati impegnativi per Ellison: ha girato un film horror, Kuso; lanciato un’intera divisione della sua Brainfeeder dedicata al cinema; composto svariate colonne sonore.

In mezzo a tutto questo, Flying Lotus non ha tuttavia dimenticato la sua prima passione, la musica. Del resto, un personaggio che vanta fra i suoi avi John e Alice Coltrane non può che avere una creatività musicale decisamente sviluppata. “Flamagra” si presenta come il suo lavoro più complesso, sia per struttura che come personale coinvolto: Ellison infatti non bada a spese, coinvolgendo il meglio del mondo hip hop contemporaneo, da Solange Knowles a Tierra Whack, passando per Anderson .Paak e Denzel Curry. Non ci scordiamo poi il contributo del mitico David Lynch in Fire Is Coming! Insomma, 27 canzoni per 67 minuti, contando tutti questi ospiti, vogliono dire una cosa sola: “Flamagra” deve essere digerito, i giudizi impulsivi possono essere fuori asse.

Una cosa è comunque subito chiara: l’ipnotico mix di elettronica, jazz e hip hop dei migliori lavori di Flying Lotus non è scomparsa. Anzi, la formula viene in un certo senso portata agli estremi: spesso in un solo brano troviamo differenti parti, ognuna dedicata ad un genere particolare. I risultati sono prevedibilmente ostici, soprattutto ai primi ascolti, ma la pazienza degli ascoltatori viene premiata da un concentrato di pezzi efficaci: dalla sognante Remind U, che ricorda “Until The Quiet Comes” (2012) alla trascinante More, con grande contributo di Anderson .Paak e Thundercat, passando per Heroes e Land Of Honey, il CD è spesso un trionfo. Certo, alcuni momenti (su tutti la troppo lunga Takashi) sarebbero stati evitabili, ma sappiamo che Ellison è sempre stato un massimalista, fin dai tempi di “Cosmogramma” (2010), quindi aspettarsi da lui prudenza sarebbe vano.

In generale, dunque, “Flamagra” è valso l’attesa: i cinque anni passati da “You’re Dead!” non pesano sulle composizioni di FlyLo, che anzi restano fresche e innovative anche dopo numerosi ascolti. Questo sesto disco non sarà il migliore della sua produzione, ma segna il ritorno di una figura fondamentale per l’elettronica e il jazz contemporanei, capace di stravolgere i cardini di questi due mondi apparentemente lontani.

Voto finale: 8.

Big Thief, “U.F.O.F.”

Il terzo album degli statunitensi Big Thief, capitanati dalla talentuosa Adrianne Lenker, è una svolta decisa rispetto ai loro precedenti lavori. Se in “Masterpiece” (2016) e “Capacity” (2017) prevaleva un indie rock intimista, in “U.F.O.F.” troviamo una virata verso il folk, probabilmente aiutata anche dall’album solista pubblicato dalla Lenker lo scorso anno.

Non è un caso infatti che, tra le 12 canzoni che compongono il disco, 2 siano riprese da “abysskiss”: sia From che Terminal Paradise già splendevano nella versione originale, ma anche rifatte dai Big Thief non perdono il loro fascino. Complimenti vanno poi alla base ritmica della band: le chitarre gentili di Adrianne Lenker e Buck Meek sono ipnotiche, buono poi il contributo di basso (emblematica From) e batteria (efficacissima in Contact). In generale questo “U.F.O.F.” ritorna, soprattutto liricamente, su quei terreni che hanno reso i Big Thief dei moderni beniamini dei fan dell’indie: riferimenti alla solitudine, alla capacità di relazionarsi solamente con dei corpi estranei (il titolo del CD sta infatti per UFO Friend) ma anche paesaggi naturali e animali, fantastici o meno.

Musicalmente, nei suoi momenti migliori il disco è uno dei migliori album folk degli ultimi anni: specialmente in Contact (con potente coda rock) e Cattails i risultati sono eccellenti. A peccare sono i momenti più lenti, a volte troppo prevedibili: ne sono esempi Betsy e Magic Dealer, non perfetti. Molto interessante l’esperimento di Jenni, una sorta di shoegaze lento, che ricorda i Low.

In conclusione, “U.F.O.F.” ha raccolto giustamente elogi sperticati da tutte le parti: i critici elogiano il cambio di passo della band e la capacità di mantenere intatte le proprie caratteristiche anche cambiando pelle. In effetti questo LP è il migliore della loro produzione, un concentrato di ottimo folk-rock imprescindibile per gli amanti del genere.

Voto finale: 8.

Tim Hecker, “Anoyo”

Il mini-album “Anoyo” del musicista canadese Tim Hecker richiama il precedente suo lavoro, quel “Konoyo” (2018) ispirato alla musica giapponese. In effetti i brani che fanno parte di questo progetto sono presi dalle stesse sessions del precedente, i risultati sono tuttavia ancora più intriganti.

Se “Konoyo” aveva una pecca, era sicuramente la lunghezza: la musica di Hecker sa essere sublime, ma se presa troppo a lungo rischia di diventare difficilmente digeribile. “Konoyo”, pur avendo alcune parti eccellenti, alla lunga diventava fin troppo opprimente: le sonorità ambient di Hecker mescolate all’ensemble di musica gagaku Tokyo Gakuso a volte non si sposavano bene.

Ciò non vale per “Anoyo”, quasi un negativo dell’album fratello: dove uno era fin troppo carico, l’altro è essenziale e severo nelle sonorità. Anche il significato dei titoli è antitetico: konoyo sta per aldiquà, mentre anoyo significa aldilà. Musicalmente, “Anoyo” è un ottimo album ambient, allo stesso tempo sperimentale ma più accessibile di altri lavori di Hecker. Ottima Is But A Simulated Blur e buona anche l’iniziale That World, sebbene un po’ prolissa. Nessuna traccia in realtà è fuori posto, anzi nell’insieme il CD è organico e coeso.

In conclusione, “Anoyo” è uno dei punti più alti della musica ambient degli ultimi anni: per la verità, è l’intero genere ad essere tornato in prima linea nel variegato panorama della musica elettronica, grazie anche ai ritorni dei veterani Aphex Twin e Gas. Tim Hecker dal canto suo continua la sua singolare striscia di collaborazioni con paesi e culture diversi, dimostrando una creatività ancora viva e vegeta pur avendo alle spalle più di 20 anni di attività.

Voto finale: 8.

Rhye, “Spirit”

Il mini-album di Mike Milosh, già dall’anno scorso privo dell’altra metà dei Rhye Robin Hannibal, mantiene l’estetica raffinata vista nei due precedenti album “Woman” (2013) e “Blood” (2018), riducendo però l’influenza di elettronica e R&B per comporre il suo lavoro più intimista.

La struttura dell’EP è molto particolare: abbiamo 3 canzoni su 8 che non arrivano ai 3 minuti e sono puramente strumentali, mentre le altre sono decisamente più articolate. Milosh ha composto queste melodie su un pianoforte tra una pausa e l’altra del tour a supporto di “Blood”, ma non per questo “Spirit” è una semplice raccolta di b-sides: i pezzi sono formati perfettamente, prodotti con raffinatezza e hanno ciascuno un fascino sensuale o romantico che alla lunga conquista.

I pezzi migliori sono Needed e Patience; ma nessuno è fuori posto, tanto che anche i brevi intermezzi sono necessari alla riuscita del lavoro. Liricamente, Milosh conferma i temi che più gli stanno a cuore: desiderio e fragilità, entrambi come vediamo strettamente legati all’amore nel senso più ampio del termine. Esemplari questi due versi: “Why you look so fragile? Do I seem so bad?” e “I wanna be needed, that’s what I need”, entrambi in Needed.

In conclusione, “Spirit” prosegue la striscia vincente inaugurata nel 2013: Milosh continua a deliziarci con canzoni romantiche fino al midollo e capaci di suscitare in ogni ascoltatore un sentimento diverso, dalla nostalgia al desiderio alla paura per la fine di una relazione. Non una cosa da tutti.

Voto finale: 7,5.

Carly Rae Jepsen, “Dedicated”

Il quarto disco della popstar canadese non si allontana molto dall’estetica dei precedenti suoi album, mantenendo una rotta ben precisa a cavallo fra pop anni ’80 e elettronica soft. I risultati sono accattivanti, ma alcuni difetti (su tutti la lunghezza) intaccano il giudizio complessivo.

“Dedicated” arriva a tre anni dall’EP “E•MO•TION: Side B”, ideale continuazione di “E•MO•TION” (2015), il CD che aveva fatto entrare definitivamente la Jepsen nei cuori dei suoi numerosi fans, anche più dell’enorme successo del 2012 Call Me Maybe. Il disco era un concentrato di potenziali successi, che mescolavano abilmente melodie ballabili con testi che denotavano una sensibilità e un’abilità lirica fuori dal comune.

Come già anticipato, “Dedicated” contiene molte canzoni, ben 15, per una lunghezza complessiva di 49 minuti, che penalizzano il risultato complessivo: brani come la spagnoleggiante For Sure e I’ll Be Your Girl sarebbero discrete b-sides, ma in questo lavoro sono decisamente sotto la media. Peccato, perché brani innegabilmente belli come Real Love e la conclusiva Party For One annegano in questo oceano di canzoni a volte troppo zuccherose, altre troppo tirate.

Liricamente, Carly Rae Jepsen si conferma molto talentuosa, specialmente nel delineare i tratti principali di quegli amori sfuggenti, a volte non corrisposti altre destinati a infrangersi: ad esempio, in Happy Not Knowing si sentono le seguenti parole, “I’ll only go so far, I don’t have the energy to risk a broken heart when you’re already killing me”, un verso sincero e che riflette la fragilità della cantante. Altrove l’artista canadese è più sfrontata: in Want You In My Room canta “I’m like a lighthouse, I’m a reminder of where you’re goin’”.

Per concludere la nostra analisi, “Dedicated” non è assolutamente un cattivo CD pop; anzi, nel 2019 è probabilmente uno dei più riusciti, in un anno per ora avaro di soddisfazioni per il genere. Tuttavia, Carly Rae Jepsen ha sprecato una ghiotta opportunità: l’ispirazione era ai massimi livelli, peccato averla usata solo parzialmente, infarcendo il disco di brani superflui.

Voto finale: 7.

Mac DeMarco, “Here Comes The Cowboy”

Il rocker più goffo del momento è tornato: il canadese Mac DeMarco, giunto al quarto album, rallenta ulteriormente i ritmi e allunga ancora di più il bordo, con canzoni a volte davvero bizzarre e risultati generalmente mediocri.

Rispetto al passato, DeMarco aveva già fatto intravedere delle evoluzioni nel precedente “This Old Dog” (2017): ritmi più compassati, testi più diretti e un’attenzione alla produzione maggiore. I risultati erano stati interessanti, ma forse non al livello del suo capolavoro “Salad Days” (2014). La vera svolta nella sua discografia sembra quindi essere l’EP “Another One” (2015), che per primo aveva fatto vedere il lato dolce di Mac, con delizie come The Way You’d Love Her.

Il vero problema di “Here Comes The Cowboy” tuttavia non è l’evoluzione dell’estetica del cantautore canadese: alla fine “This Old Dog” era entrato nella top 50 del 2017 di A-Rock senza problemi, a dimostrazione che i cambiamenti non sempre sono negativi, anzi. Le canzoni del nuovo lavoro però sono per lo più pigre: Mac suona quasi svogliato, i pochi esperimenti (come la funk Choo Choo) sono scadenti e la capacità di DeMarco di scrivere canzoni semplici ma accattivanti sembra esaurita.

È un sollievo allora sentirlo cantare “I hope you had your fun…all those days are over now” in Little Dogs March: forse un’idea di cambiamento più deciso si è fatta strada nella psiche contorta del nostro. Alla fine, comunque, un paio di brani buoni però ci sono: Nobody e On The Square, non a caso scelti per promuovere il CD, rientrano fra i migliori della carriera di Mac. Allo stesso tempo, la presenza di fiaschi totali come Choo Choo e la monotona title track rovina un LP altrimenti discreto.

In conclusione, “Here Comes The Cowboy” è ad ora il disco più debole nella prospera carriera di Mac DeMarco. La necessità di cambiare è evidente, per evitare una spirale potenzialmente drammatica nella qualità dei suoi futuri lavori.

Voto finale: 6.

Interpol, “A Fine Mess”

Dopo il buon “Marauder” (2018), il loro sesto album, gli Interpol sono tornati già all’opera. “A Fine Mess” (“un bel casino”) presenta 5 canzoni, probabilmente rimaste fuori da “Marauder”, in un EP di breve durata ma decisamente intenso.

Il gruppo statunitense è infatti tornato a calcare le ben note frontiere post-punk che ne hanno fatto la fortuna ma anche rappresentato una maledizione; gli Interpol non sono purtroppo mai riusciti a rinnovare il loro sound, rimanendo intrappolati nel successo di “Turn On The Bright Lights” (2002), il loro eccellente album d’esordio.

Il problema è che la formula inizia a essere consumata e i risultati, specialmente prendendo delle b-sides, sono mediocri. Se infatti sia “El Pintor” (2014) che “Marauder” erano riusciti in qualche modo a mantenere alta la bandiera degli Interpol, “A Fine Mess” è, come indica il titolo, un casino, ma decisamente non “bello”: canzoni senza direzione, mixate male e prodotte peggio.

C’è ben poco da salvare in quello che è, assieme all’omonimo “Interpol” del 2010, il peggior fiasco della carriera della band di Paul Banks e compagni. Peccato, perché pareva che gli Interpol avessero ritrovato linfa vitale negli ultimi anni.

Voto finale: 5.