Recap: ottobre 2020

Ottobre è stato un mese molto interessante, che ha visto ritorni attesi ed altri invece tanto imprevisti quanto benvenuti. È questo il caso della nuova collaborazione fra 21 Savage e Metro Boomin. Abbiamo poi il ritorno del duo elettronico Autechre, di Bruce Springsteen e dei Gorillaz. Inoltre ottobre ha visto l’esordio solista del cantante dei The National, Matt Berninger, oltre che i due nuovi lavori di Adrianne Lenker, frontwoman dei Big Thief. Ah, non scordiamoci del secondo CD del 2020 di Jay Electronica, del quarto EP del 2020 dei Dirty Projectors e del nuovo EP a firma James Blake! Per concludere, citiamo il lavoro di Jeff Tweedy, frontman dei Wilco, e il ritorno dei Fuzz, una delle tante creature che vedono il coinvolgimento di Ty Segall.

Adrianne Lenker, “songs” / “instrumentals”

La prolificità e la consistenza dimostrate nel corso degli ultimi anni da Adrianne Lenker hanno dell’incredibile: tra 2016 e 2020 abbiamo ben sette dischi (!) in cui lei collabora o si espone in prima persona, quattro con i Big Thief (di cui due nel 2019) e tre a suo nome, di cui due nell’infausto 2020. Infausto non solo per il Coronavirus: Adrianne infatti ha anche subito la rottura col suo partner di lunga data, tanto da sentirsi in dovere di rifugiarsi in una cabina in Massachusetts (un po’ à la Bon Iver) e comporre la coppia di lavori “songs” e “instrumentals”.

Sebbene quindi i due possano apparire divisi, in realtà vanno intesi come un unico lungo LP: una prima parte contenente canzoni vere e proprie, con Adrianne e la sua chitarra in primo piano, e una seconda composta da due lunghe suite strumentali, quasi ambient a tratti. I quasi 90 minuti tuttavia non pesano e fanno capire quanto dotata sia la cantautrice americana, uno dei volti più riconoscibili e meritevoli del panorama indie, sia sul versante rock che su quello folk.

“songs” è un album nato nella sofferenza, come abbiamo intuito e come Adrianne ribadisce in varie liriche del CD; tuttavia la sensazione che ne deriva ascoltandolo è di calma e serenità, grazie a pezzi efficaci come l’incantevole anything e not a lot, just forever. Non demeritano nemmeno ingydar e dragon eyes, mentre è un po’ monotona forwards beckon rebound.

Liricamente, dicevamo, il CD contiene frasi davvero espressive, con cui Lenker dichiara tutto il rammarico per la storia finita dopo sei anni di fidanzamento: “Tell me lies, wanna see your eyes. Is it a crime to say I still need you?” (two reverse), “Your dearest fantasy is to grow a baby in me” (not a lot, just forever), “Oh emptiness! Tell me ’bout your nature, maybe I’ve been getting you wrong” (zombie girl). Come detto, però, tutta questa malinconia non intacca il carattere del lavoro, che la Nostra mantiene su binari simili al primo Bon Iver e alla Joni Mitchell degli esordi.

“instrumentals” è la coda tanto misteriosa quanto affascinante di “songs”: formato da soli due pezzi molto estesi, music for indigo e mostly chimes, ha comunque una durata di 37 minuti e una capacità di evocare luoghi e sensazioni non banale. Se la prima almeno presenta la chitarra in primo piano, mostly chimes è invece un pezzo ambient puro e semplice, che pare voler fare scomparire del tutto la figura di Adrianne Lenker, riuscendoci peraltro in pieno.

Accostare Joni Mitchell così come Leonard Cohen e Bob Dylan a Lenker inizia a non essere un affronto; nulla di male, anzi. Adrianne, sia da frontwoman dei Big Thief che solista, ha trovato una sua preziosa dimensione, fatta di canzoni raffinate, semplici ma mai scontate e testi fantastici. “songs” e “instrumentals” sono la dimostrazione ulteriore che siamo di fronte ad un talento straordinario, che merita ogni riconoscimento.

Voto finale: 8.

Matt Berninger, “Serpentine Prison”

matt

Il cantante dei The National ha prodotto il secondo album al di fuori del suo gruppo principale dopo l’esperimento “El Vy” del 2015, che lo vedeva collaborare con Brent Knopf: un mezzo fiasco, che aveva fatto pensare che Berninger non si sentisse a suo agio nei panni di unico interprete e senza i fidati fratelli Dessner e Davendorf al suo fianco. “Serpentine Prison” ribalta la prospettiva: se il CD non innova radicalmente l’estetica a cui Matt ci ha abituato, dall’altro i risultati sono più che buoni e fanno pensare che la sua dimensione sia magari ridotta come palette sonora, ma non soffocante.

Va detto che il lavoro non è interamente appannaggio di Berninger: aiutato da ospiti di spessore come Andrew Bird, Gail Ann Dorsey (che aveva già collaborato nell’ultimo LP dei The National “I Am Easy To Find” del 2019) e il produttore Booker T. Jones, il Nostro ha composto dieci canzoni estremamente coese, prive di guizzi particolari ma senza dubbio gradevoli. Andiamo da brani molto simili ai The National (Loved So Little) a pezzi invece più ispirati agli U2 (Distant Axis) e infine altri molto raccolti, che fanno pensare al pop da camera (Silver Springs). In generale, quindi, l’estetica di Berninger è confacente a quel tono di voce affascinante ma a tratti ferito che tutti gli riconoscono, così come le liriche.

Abbiamo infatti ad esempio versi come “The way we talked last night… It felt like a different kind of fight” (Boiler Plate) e “I feel like an impersonation of you… Or am I doing another version of you doing me?” (la title track). Il paesaggio tratteggiato da Matt è quindi fosco, un pomeriggio di pioggia verrebbe da dire; certo non una novità per i fans dei The National. I pezzi interessanti non mancano: dalla progressione di All For Nothing a Distant Axis, passando per Serpenine Prison, il CD brilla spesso. Il solo brano sottotono è Loved So Little, ma non intacca i risultati complessivi del disco.

In conclusione, conosciamo tutti Berninger per essere un cantautore prolifico: basti pensare che fra 2017 e 2020 è stato coinvolto in ben tre CD, due a firma The National e uno solista. La qualità tuttavia non ha mai risentito di questo output abbondante, anzi “Sleep Well Beast” (2017) ha vinto il Grammy come miglior album di musica alternativa. “Serpentine Prison” non è un capolavoro, ma arricchisce il canzoniere di Matt Berninger di altre canzoni che non sfigurano al cospetto di capolavori come quelle contenute in “Trouble Will Find Me” (2013).

Voto finale: 8.

Gorillaz, “Song Machine, Season One: Strange Timez”

gorillaz

I Gorillaz sono la creatura più eccentrica nello sterminato canzoniere di Damon Albarn, già noto come frontman dei Blur e dei The Good, The Bad & The Queen, oltre che apprezzato solista. Mescolando hip hop, elettronica e pop, i Gorillaz sono entrati nel cuore del pubblico grazie a singoli perfetti come Clint Eastwood, Feel Good Inc. e On Melancholy Hill. Non sempre però, considerando gli album nella loro interezza, la band animata aveva mantenuto le attese: “The Fall” (2010), “Humanz” (2017) e “The Now Now” (2018) ad esempio sono CD controversi anche per i fans più accaniti. Non sempre quindi abbiamo perle come “Demon Days” (2005) e “Plastic Beach” (2010).

Un’altra particolarità dei Gorillaz, più o meno amata, è quella di infarcire i loro dischi con grandi ospiti, spesso in quantità eccessiva: basti pensare che in “Humanz” avevamo Vince Staples, Mavis Staples, Popcaan, Danny Brown, Kali Uchis e Pusha T, solo per citarne alcuni! Non sempre era quindi rintracciabile un tratto comune fra personaggi tanto distanti musicalmente. Beh, questo non è il caso di “Song Machine, Season One: Strange Timez”.

I Gorillaz peraltro ampliano ancora di più la lista di collaboratori in questo bel lavoro, aggiungendo Elton John, Robert Smith (The Cure), Beck, St. Vincent, slowthai e Kano, fra gli altri. Insomma, il gotha del mondo hip hop, pop e rock; nella edizione deluxe contiamo fra gli altri anche JPEGMAFIA, Skepta e il compianto Tony Allen. La cosa che colpisce però è la coesione del lavoro, capace di muoversi in equilibrio fra hip hop e pop senza mai deragliare, con singoli riusciti e l’intrinseca stranezza dei Gorillaz a fare da collante.

Il progetto “Song Machine” pareva partito come una serie di EP, contenenti pezzi azzeccati accanto a brevi intermezzi, e pareva improbabile che Albarn & co. decidessero di compilare un album intero di singoli che già da mesi erano stati pubblicati. Invece la scelta si è rivelata felice: gli highlights Strange Timez e Momentary Bliss stanno benissimo accanto alla ballata The Pink Phantom (con un grande Elton John) e a The Valley Of The Pagans, che ospita un Beck in ottima forma.

In generale, “Song Machine, Season One: Strange Timez” è probabilmente il CD più solido dei Gorillaz dai tempi di “Plastic Beach”: Damon Albarn ha dimostrato una volta di più il suo sconfinato talento ed eclettismo, creando un prodotto che piacerà a molti, divertente e mai prevedibile. È proprio quello che ci vuole, in un 2020 quanto mai desolante.

Voto finale: 8.

Bruce Springsteen, “Letter To You”

bruce

Il ventesimo CD del Boss non poteva che essere un evento: cadendo nel 2020, i riferimenti al numero 20 sono già numerosi. Va poi aggiunto che Springsteen ha composto alcune delle canzoni che sono entrate in “Letter To You” in giovane età (si tratta di Janey Needs A Shooter, Burnin’ Train e Ghosts), probabilmente proprio nei suoi vent’anni.

Finita la parte di “statistica e curiosità”, passiamo all’analisi dell’album: composto in pochi giorni in sessioni infuocate con la E Street Band, “Letter To You” riporta nei suoi momenti migliori con la mente ai capolavori della collaborazione, come “Darkness On The Edge Of Town” (1978) e “Born In The U.S.A.” (1984). Alcune melodie superano addirittura i sei minuti di durata: tra di esse l’epica Janey Needs A Shooter e If I Was The Priest. In realtà la prima canzone in scaletta, la deliziosa One Minute You’re Here, è una ballata raccolta che ricorda “Nebraska” (1982), ma è un falso allarme. Il resto del disco infatti si muove sui territori più conosciuti per i fans del Boss, quel rock potente e nostalgico di cui è il massimo interprete e maestro (vero The War On Drugs?). Non fosse per dei piccoli passi falsi come le troppo prevedibili House Of A Thousand Guitars e Rainmaker, avremmo davanti a noi un capolavoro dell’età matura di Springsteen.

Nei testi di “Letter To You” si evince una malinconia per gli anni che passano e gli amici di una vita che, giorno dopo giorno, abbandonano questo mondo: George Theiss, il frontman della primissima band in cui militò Bruce, i Castiles, è scomparso nel 2018 e ciò portò Springsteen a voler comporre nuovi pezzi e recuperarne degli altri dalla propria gioventù. Successivamente, come sappiamo, il Boss diede alle stampe il più sereno “Western Stars” (2019) e “Letter To You” è slittato al 2020, un anno in cui la morte è più presente che mai e in cui i testi delle canzoni sono più evocativi di quanto lo sarebbero stati in tempi migliori.

Ne sono esempi “We’ll meet and live and laugh again… for death is not the end” (I’ll See You In My Dreams), “Forget about the old friends and the old times” (If I Was The Priest) e “Sometimes folks need to believe in something so bad” (Rainmaker). Quest’ultimo, oltreché in chiave religiosa, può essere interpretato come monito per i politici populisti e il desiderio delle persone di sentirsi guidate da figure che, spesso, sono veri e propri criminali, come confermato dallo stesso Springsteen.

In conclusione, “Letter To You” non raggiunge le vette di capolavori come “Born In The U.S.A.” e “Darkness On The Edge Of Town”, nondimeno renderà felici i numerosi fans del Boss, capace ancora di scrivere canzoni forti e a tratti commoventi, come solo i veri fuoriclasse sanno fare. A 71 anni e con ormai 50 anni di carriera alle spalle, Springsteen è ancora oggi uno degli artisti più rilevanti del mondo rock.

Voto finale: 7,5.

James Blake, “Before”

james

Il cantautore inglese è sempre stato un cultore della forma EP, fin dall’inizio della sua sfavillante carriera: ricordiamo che Blake è emerso dalla scena dubstep inglese grazie a una serie di folgoranti EP dai titoli misteriosi come “CMYK” e “Klavierwerke” (entrambi del 2010).

“Before” non è, come erroneamente si potrebbe pensare, un modo per pulire l’archivio delle canzoni rimaste fuori da “Assume Form” (2019), il disco in cui James flirtava con la musica hip hop (Mile High) e latina (Barefoot In The Park): è piuttosto un ritorno alle sonorità più elettroniche delle sue origini, senza però dimenticare le ultime avventure in campo R&B e art pop. I risultati sono molto intriganti, anche se il lavoro non comprende uno dei migliori singoli recenti del Nostro, Are You Even Real, che a questo punto pare resterà fuori da progetti veri e propri.

La verità è che James Blake è uno dei più dotati musicisti della scena britannica e, sia che lui si avventuri su territori più da club che cantautorali, i risultati sono sempre notevoli: “Before” non fa eccezione. Fra le quattro canzoni che compongono l’EP nessuna sfigura, ma a fare particolare impressione sono I Keep Calling e Summer Of Now, che fondono perfettamente la sensibilità elettronica di Blake con le ultime influenze.

In conclusione, questo album non sposterà molti fans a favore dell’artista inglese, ma senza dubbio consoliderà la sua fama e sembra aprire favorevolmente la strada al prossimo LP vero e proprio a firma James Blake.

Voto finale: 7,5.

21 Savage & Metro Boomin, “Savage Mode II”

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Seguire un album di grande successo e che ha reso i suoi due autori rispettatissimi nel mondo trap non era un’impresa facile. 21 Savage e Metro Boomin, il primo un trapper ormai consolidato e il secondo il produttore di grido capace di collaborare anche con The Weeknd, avevano realizzato con “Savage Mode” (2016) un CD tanto breve quanto riuscito.

La decisione di seguirlo con “Savage Mode II”, incrementando decisamente il budget (basti dire che abbiamo un’ospitata di Drake e a narrare i capitoli in cui il lavoro si divide c’è addirittura Morgan Freeman!), è una mossa commercialmente prevedibile. La cosa sorprendente è che musicalmente il CD supera il suo predecessore: laddove infatti il primo episodio verso il finale era un po’ fiacco, in “Savage Mode II” sia 21 Savage che Metro Boomin riescono a suonare pezzi efficaci dall’inizio alla fine, cercando anche di sperimentare con beat sbilenchi (Mr. Right Now e Steppin On Niggas).

Non stiamo parlando di un capolavoro, sia chiaro, ma nel genere (chi segue A-Rock sa quanto andiamo con i piedi di piombo, spesso con scetticismo quando affrontiamo dischi trap) ultimamente non sono molti i lavori capaci di vantare pezzi accattivanti come Runnin e Many Men. Da non sottovalutare anche la chiusura brillante di RIP Luv e Said N Done.

In conclusione, “Savage Mode II” è uno dei migliori dischi hip hop dell’anno: mescolando abilmente versi insensati con i dettagli violenti tipici dell’estetica di 21 Savage, il CD viaggia su binari sicuri dall’inizio alla fine e offre 45 minuti di divertimento senza troppe pretese.

Voto finale: 7,5.

Autechre, “SIGN”

sign

Chi segue il duo inglese pioniere dell’IDM (Intelligent Dance Music) sa quanto le composizioni degli Autechre possano suonare sperimentali, spesso tanto ardite quanto difficili da comprendere. Era questo il caso delle due compilation pubblicate fra 2016 (“elseq 1-5”) e 2018 (“NTS Sessions 1-4”): 12 ore di musica (!) composta prevalentemente da macchine e aggiustata da umani in cui gli Autechre esploravano qualsiasi possibile angolo della musica elettronica, non trascurando momenti puramente sperimentali.

“SIGN” è una sorta di ritorno alla forma per Sean Booth e Rob Brown: le melodie sono riconoscibili e tentano di flirtare con la musica ambient, con risultati spesso interessanti. Se la prima traccia M4 Lema è piuttosto intimidatoria (sì, i titoli assurdi dei brani sono un must del duo), già dalla successiva F7 gli Autechre creano un suono più abitabile e quasi accattivante considerati i loro dischi recenti. Altri buoni pezzi sono la sognante Metaz form8 e si00, senza trascurare l’ottima chiusura di r cazt; è sotto la media invece sch.mefd 2.

In conclusione, i 65 minuti di “SIGN” sono un ritorno benvenuto degli Autechre alla forma album. In un 2020 difficile per tutti e abbastanza interlocutorio per il mondo della musica elettronica, un nuovo CD degli Autechre che sia così ambizioso e allo stesso tempo accessibile è davvero una sorpresa.

Voto finale: 7,5.

Jay Electronica, “Act II: Patents Of Nobility”

jay

Il 2020 del misterioso rapper conosciuto come Jay Electronica è stato davvero denso: dapprima ha pubblicato il suo esordio, “A Written Testimony”, che vantava una forte presenza di Jay-Z. Ora ha visto la luce il suo “album perduto”, un CD che pareva sul punto di essere pubblicato addirittura nel 2012! Bisogna infatti ricordare che parliamo con ammirazione di Jay Electronica da ormai quasi 15 anni: i primi brani a fare breccia nel mainstream furono Exhibit A ed Exhibit C, fra 2009 e 2010.

I motivi che hanno spinto Jay a ritardare così tanto la pubblicazione (peraltro dovuta, pare, a un leak emerso su Internet qualche giorno prima del passaggio sul servizio streaming Tidal) sono tuttora ignoti. Il CD in realtà, pur essendo ancora bisognoso di ritocchi in termini di lunghezza e produzione, è riuscito: immaginandone la pubblicazione nell’ormai lontano 2012, avremmo probabilmente strabuzzato gli occhi sentendo brani avventurosi come Shiny Suit Theory e i pezzi del “periodo francese”, Bonnie And Clyde (che campiona Serge Gainsbourg) e Dinner At Tiffany’s, con la figlia di quest’ultimo, Charlotte.

Il Nostro campiona anche Ronald Reagan in ben due brani: Real Magic e Road To Perdition, a testimonianza di una conoscenza molto ampia e di una curiosità senza limiti. Da migliorare invece, come già ricordato, il sequenziamento e la produzione di alcuni pezzi: i numerosi intermezzi iniziali rovinano il ritmo e la chiusura affidata a brani deboli come Rough Love e Run And Hide non convince.

In conclusione, se da un lato ci fa piacere finalmente ascoltare “Act II: Patents Of Nobility”, dall’altro  ci resta quasi un amaro in bocca: la storia dell’hip hop sarebbe cambiata se otto anni fa fosse stato pubblicato questo disco? Nessuno può dirlo. Speriamo che Jay Electronica abbia trovato la serenità che gli è mancata quando la hype dei media era troppo pesante per lui e che possa riprendere una carriera che pareva lanciatissima e che, chissà, potrebbe darci ancora tante soddisfazioni.

Voto finale: 7,5.

Jeff Tweedy, “Love Is The King”

jeff

Il terzo album solista in tre anni del leader dei Wilco è un lavoro semplice, godibile e poco impegnativo: tutte qualità apprezzabili in un periodo di lockdown o comunque di timore per la salute propria e degli altri. Nessuna delle undici canzoni che formano il CD è magnifica o trascinante, ma l’andamento lento e costante contribuisce a creare un’atmosfera rilassata e mai troppo impegnativa per l’ascoltatore.

La migliore melodia del disco arriva subito: la title track è un bel brano, di quasi cinque minuti, in cui il tipico folk-rock di Jeff si affianca ad un testo su, appunto, una visione in cui l’amore guida le scelte della nostra vita. Altrove possiamo avere pezzi più mossi (Natural Disaster) oppure più country (Bad Day Lately), ma la sostanza non cambia: Tweedy non ricalca le scelte stilistiche della band con cui è diventato famoso, piuttosto le addolcisce e rallenta, come già visto nei precedenti “WARM” (2018) e “WARMER” (2019).

I pezzi migliori, oltre a Love Is The King, sono Gwendolyn e Natural Disaster; invece sotto media Even I Can See. In generale, come già ricordato, il disco è estremamente compatto e digeribile fin dal primo ascolto. Chiudiamo ricordando l’interessante iniziativa del cantautore americano, che affianca il CD con un libro intitolato “How To Write One Song”, in cui spiega appunto come funziona il suo processo creativo, una trasparenza non comune fra le rockstar.

In conclusione, “Love Is The King” è un LP consigliato ad amanti del folk-rock e dell’estetica di Jeff Tweedy; per gli altri resta un buon lavoro, nulla per cui perdere la testa ma nemmeno un buco nell’acqua.

Voto finale: 7.

Fuzz, “III”

fuzz

Il 2020 di Ty Segall è stato stranamente calmo finora, almeno secondo i suoi frenetici standard: vero, è stato inaugurato il progetto Wasted Shirt con Brian Chippendale dei Lightning Bolt e Ty ha pubblicato un breve EP di cover di Harry Nilsson. Tuttavia, nessun album vero e proprio a firma Ty Segall ha visto la luce, un fatto che non accadeva dal lontano 2015!

Questo per far capire l’estrema prolificità del Nostro. Il terzo album dei Fuzz, uno dei tanti progetti secondari del garage rocker californiano, si è fatto aspettare ben cinque anni: “II” (2015) era un doppio album tanto ambizioso quanto strampalato, pieno di derive metal e quasi jazz. Invece questo “III” è un CD compatto: otto brani per 36 minuti di durata, con chiari rimandi all’hard rock dei Black Sabbath e al garage rock dei progetti più rumorosi di Segall, come “Slaughterhouse” (2012).

L’inizio è scoppiettante: Returning è un pezzo hard rock potente, con la chitarra di Charles Moothart scatenata e Ty (sia voce che batteria) in gran spolvero. Spit è leggermente più tranquilla, ma non è che il prologo alla durissima Time Collapse. In Close Your Eyes ci sono quasi rimandi psichedelici, mentre End Returning, che chiude il lavoro, idealmente ne riprende l’inizio, creando un interessante concept dietro al CD.

In generale, nulla brilla particolarmente, ma fa piacere constatare che la promessa di Segall di aver finito la sua passione per i dischi basati sulla chitarra è stata presto infranta, dopo l’interlocutorio “First Taste” (2019). Vedremo dove lo porteranno i suoi prossimi lavori, che siano solisti o insieme alla solita gang di garage rockers.

“III” è un altro degli innumerevoli LP della discografia di Ty Segall che piacerà agli amanti del garage rock e dell’hard rock, ma allo stesso tempo speriamo che presto il più scatenato rocker della West Coast ritorni al quasi perfetto equilibrio di lavori come “Manipulator” (2014)  e “Freedom’s Goblin” (2018).

Voto finale: 7.

Dirty Projectors, “Earth Crisis”

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La serie di cinque EP promessi dai Dirty Projectors per il solo 2020, iniziata con “Windows Open” e proseguita poi con “Flight Tower” e “Super João”, arriva ora al quarto capitolo. Se nei precedenti avevamo visto i lati dei Dirty Projectors più vicini a folk, R&B e bossa nova, in “Earth Crisis” il gruppo flirta con atmosfere che addirittura richiamano la musica classica (Eyes On The Road, Now I Know).

I quattro brani che formano il lavoro sono i più arditi per ora dell’affollato 2020 dei Dirty Projectors: Dave Longstreth e la tastierista Kristin Slipp si alternano nelle parti vocali (con la netta prevalenza di quest’ultima), come da tradizione nei quattro EP, sopra melodie sempre ricolme di archi, che rendono l’esperienza complessiva quasi un saggio di musica piuttosto che un insieme spontaneo di canzoni. A ciò aggiungiamo che esiste anche un video di accompagnamento all’album, in chiave ambientalista.

I risultati, come già visto nei precedenti CD del gruppo nel 2020, sono intriganti ma allo stesso tempo ci fanno bramare per un numero di brani maggiori, per gustare appieno e valutare più solidamente se il talento di Longstreth e co. è stato usato in maniera profittevole o meno. “Earth Crisis” non farà cambiare idea a chi ritiene che i Dirty Projectors siano fin troppo snob e artificiosi, anzi rafforzerà i loro pregiudizi; per chi li apprezza invece i Nostri hanno regalato altri quattro brani ardimentosi quanto compiuti, che allieteranno un inverno che si preannuncia non facile.

Voto finale: 6.

Recap: settembre 2020

Settembre è ormai terminato. È stato un mese ricco di uscite interessanti, in cui segnaliamo in particolare i nuovi lavori di Sufjan Stevens, Bill Callahan e degli IDLES. Abbiamo poi il ritorno degli Everything Everything, il terzo EP del 2020 dei Dirty Projectors e il CD pubblicato a sorpresa dai Fleet Foxes.

Fleet Foxes, “Shore”

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Il quarto album dei Fleet Foxes, probabilmente la più osannata band folk degli scorsi quindici anni, è un trionfo. “Shore” prende le parti migliori di ogni disco precedente del gruppo per creare un CD coeso e brillante, che dà sollievo in questi tempi così difficili a causa del Coronavirus. Robin Pecknold ha infatti sfruttato questi mesi di reclusione per portare a compimento un lavoro che lui stesso aveva decretato ormai fuori gioco e i risultati, ancora una volta, gli danno ragione.

La storia dei Fleet Foxes non è stata tutta rose e fiori: se il primo disco “Fleet Foxes” (2008) era stato un immediato successo e il secondo “Helplessness Blues” (2011) un erede ambizioso, l’abbandono del batterista Josh Tillman (poi divenuto celebre col nome d’arte di Father John Misty) aveva portato il progetto ad un punto morto, superato solo sei anni dopo con il maestoso “Crack-Up”, eletto miglior album del 2017 da A-Rock. È pertanto sorprendente che “Shore” arrivi solo tre anni dopo, senza alcuna campagna di lancio e nessun singolo. Il lavoro, va detto, beneficia di questo trattamento: l’effetto sorpresa è garantito e la coesione del CD non richiede pezzi di lancio per far risaltare il resto del disco.

“Shore” è un disco molto personale: Pecknold ha composto la totalità delle canzoni praticamente in assoluta solitudine a causa del lockdown, cercando di trasporre nei brani le sensazioni contrastanti che ne derivano. Da un lato abbiamo la tristezza per gli amici musicisti e gli idoli di gioventù che se ne vanno (da John Prine a Richard Swift, passando per Elliott Smith e David Berman), che in canzoni come la pur godibile Sunblind è in evidenza. Abbiamo però, dall’altro, la vita: la cosa più preziosa di ogni uomo, che fa esclamare “Oh devil walk by. I never want to die” in Quiet Air / Gioia.

Nei 15 brani del CD non ci sono veri punti deboli: magari in alcuni episodi i Fleet Foxes tendono a ripetere con meno successo la ricetta del passato (si senta Thymia), ma in generale il livello medio dei brani è altissimo: Sunblind, Can I Believe You e Jara sono capolavori fatti e finiti, fra le migliori melodie mai composte da Pecknold e compagni. Da non trascurare anche Cradling Mother, Cradling Woman.

I Fleet Foxes sono ormai un gruppo riconosciuto a livello mondiale, un pilastro dell’indie rock; le armonie vocali che rendono anche il loro pezzo più convenzionale imperdibile non si sono mai rassegnate al passare del tempo, tanto che “Shore” pare un logico erede di “Fleet Foxes”. Non fossero passati dodici anni potremmo scommettere che ne siano trascorsi solo due. Questo, che potrebbe rivelarsi un limite, in realtà è il vero punto di forza della band: raffinamento, piuttosto che  rivoluzione, è la parola d’ordine di Robin Pecknold. Finché i risultati saranno tanto magnifici quanto “Shore” i Fleet Foxes potranno continuare a godere della stima di critica e pubblico; non si vede perché tutto ciò non possa continuare in eterno.

Voto finale: 9.

Sufjan Stevens, “The Ascension”

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Il nuovo CD del musicista americano è una svolta radicale nella sua estetica: se consideriamo che il suo ultimo disco solista, lo straziante “Carrie & Lowell” (2015), era un magnifico lavoro folk, intimista ed essenziale, mentre “The Ascension” è un lavoro prevalentemente elettronico, capiamo che Sufjan ha voluto rivoluzionare la sua visione. Non sempre i risultati sono ottimi, ma nel complesso gli 80 minuti di “The Ascension” valgono il prezzo del biglietto e rappresentano un’aggiunta di spessore alla discografia di Stevens.

Nei cinque anni trascorsi fra “Carrie & Lowell” e il suo erede, in realtà Sufjan non ha tenuto le mani in mano: ha collaborato a colonne sonore per film (Chiamami Col Tuo Nome del 2017) e balletti (The Decalogue del 2019). Inoltre ha composto gli album collaborativi “Planetarium” (2017) e “Aporia” (2020). In questi lavori si vedevano tracce di uno sperimentalismo a cui Stevens non è estraneo, ma che aveva rappresentato solo un diversivo nei momenti migliori della sua carriera, come “Illinois” (2005). Solo “The Age Of Adz” (2010) è in qualche modo simile a “The Ascension”, anche se in quest’ultimo mancano i cori celestiali che pervadevano i suoi passati LP.

La prolificità non è mai andata a scapito della qualità, con Sufjan Stevens; tuttavia gli 80 minuti di “The Ascension” tendono ad assomigliarsi, tranne nel bellissimo finale rappresentato dalla title track e da America. Gli altri pezzi da ricordare sono l’iniziale Make Me An Offer I Cannot Refuse e Landslide, mentre deludono Die Happy e Ativan, che quasi ricorda Aphex Twin.

Un artista come Sufjan Stevens avrà sempre il rispetto della critica e del pubblico più aperto alla sperimentazione: il suo incedere tra folk, indie ed elettronica lo ha reso un unicum nella scena cantautorale americana e un maestro per tanti giovani artisti. “The Ascension” potrà non essere il suo migliore LP, ma rappresenta un altro passo avanti in un’estetica in continua evoluzione. Ad A-Rock siamo davvero curiosi di continuare a seguirlo nelle sue peripezie.

Voto finale: 7,5.

Bill Callahan, “Gold Record”

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Il nuovo CD del cantautore americano Bill Callahan segue di solo un anno il celebrato “Shepherd In A Sheepskin Vest”, entrato con pieno merito nella top 50 di A-Rock. Mentre il precedente lavoro era un’impegnativa raccolta di 20 canzoni per 63 minuti complessivi, “Gold Record” è un disco agile, che ammonta a dieci canzoni e 40 minuti di durata. Non per questo va considerato un lavoro minore: Bill Callahan conferma la sua abilità lirica malgrado una palette sonora ridotta davvero all’osso.

Il minimalismo di Callahan del resto è un tratto caratteristico della sua estetica: la chitarra e la voce hanno sempre il proscenio, solo raramente abbiamo la batteria in sottofondo. Diciamo che rispetto agli esordi col nome d’arte di Smog il Nostro ha abbandonato lo sperimentalismo per dare spazio al Bob Dylan che è in lui. “Gold Record” è infatti un album austero con la calda e profonda voce di Callahan in primo piano a narrare storie di quadretti famigliari ma anche immagini più poetiche e sognanti. Ne è un chiaro esempio The Mackenzies, in cui si narra la disavventura di un giovane solitario con una famiglia a cui era morto il figlio.

L’aspetto lirico, come già accennato, è sempre centrale nella poetica di Bill Callahan: in 35 descrive una luna tale che “the moon can make a false love feel true”; invece in Pigeons accompagna attraverso il deserto due neosposi consigliandoli su come vivere in famiglia e come superare le avversità. Infine il CD contiene anche un tributo a Ry Cooder, il cantautore country che Callahan considera il suo maestro.

In conclusione, non tutto in “Gold Record” gira alla perfezione: al disco manca l’ambizione di descrivere in ogni aspetto la vita di “Shepherd In A Sheepskin Vest”, ma la brevità aiuta a smaltire la monotonia di alcuni brani sotto la media, come ad esempio Protest Song. D’altra parte, canzoni belle come The Mackenzies sono un toccasana per tutti gli amanti del folk. Bill Callahan è ormai a tutti gli effetti uno dei migliori cantautori americani: “Gold Record” ne è una prova ulteriore.

Voto finale: 7,5.

Everything Everything, “RE-ANIMATOR”

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Il quinto album della band inglese è per certi versi il loro CD più convenzionale; allo stesso tempo tuttavia gli Everything Everything trovano il modo, pur omaggiando in maniera sfacciata alcuni dei loro idoli, di suonare “nuovi” rispetto al passato. Non una cosa da poco per una band entrata nella sua seconda decade, contando che l’esordio “Man Alive” risale all’ormai lontano 2010.

Il pop eccentrico e infarcito di elementi di elettronica e rock della band di Manchester vira verso territori molto vicini ai Radiohead di “Hail To The Thief” (2003) e “In Rainbows” (2007): sia Moonlight che l’ancor più sfacciata It Was A Monstering sono quasi dei plagi dei momenti più raccolti del gruppo capitanato da Thom Yorke. Nondimeno, va detto che mai gli Everything Everything in passato erano accostabili così chiaramente ad una band presente o passata: ecco dove risiede la novità di “RE-ANIMATOR”, un disco prevedibile da una band imprevedibile.

I bei momenti non mancano, a conferma del grande talento del gruppo: Jonathan Higgs & co. hanno lavorato a stretto contatto col produttore John Congleton (già collaboratore di St. Vincent, Angel Olsen e Future Islands) per quindici giorni, un periodo intenso e fruttuoso, con i picchi della cavalcata che chiude il lavoro, quella Violent Sun che è un highlight della carriera recente degli Everything Everything. Buone anche Lost Powers e Arch Enemy, mentre sono sotto media Planets e Big Climb.

In conclusione, gli Everything Everything si confermano nome interessante della scena art pop mondiale. Il loro muoversi agilmente fra generi disparati, vero punto di forza nel passato, nel 2020 del Coronavirus è stato affiancato da un’attenzione maggiore alla coesione del CD: la mossa potrà non piacere ai fans più avanguardisti della band, ma chissà che la svolta verso l’indie rock più “tradizionale” non possa giovare nel lungo termine agli Everything Everything. Per ora godiamoci “RE-ANIMATOR”, un buon LP che pare una transizione verso lidi inesplorati. Vedremo il futuro dove condurrà il complesso britannico.

Voto finale: 7,5.

IDLES, “Ultra Mono”

mono

Il terzo album della band punk era atteso da tanti: i primi due lavori avevano permesso a John Talbot e compagni di ampliare notevolmente il proprio pubblico, grazie a canzoni potenti, spietate e senza compromessi. Un punk muscolare e straziante, che non poteva lasciare indifferenti in un senso o nell’altro. “Ultra Mono” prosegue musicalmente nel percorso tracciato da “Brutalism” (2017) e “Joy As An Act Of Resistance” (2018), senza tuttavia trovare la stessa efficacia sia liricamente che melodicamente.

Le canzoni che compongono il CD passano da ottime (Model Village) a mediocri (Ne Touche Pas Moi) nel giro di cinque minuti: se nella prima Talbot inveisce ironicamente contro il razzismo strisciante delle cittadine britanniche e sull’esito conseguente (la Brexit), nella seconda la cantante delle Savages Jehnny Beth inveisce contro il maschilismo in maniera quanto mai scontata e monotona, creando a tutti gli effetti la peggior canzone degli IDLES. Il disco prosegue in queste montagne russe: abbiamo la potentissima Grounds e la scialba Anxiety, l’inutile chiusura Danke e l’efficace Mr. Motivator… Il risultato non è neanche lontanamente paragonabile alla compattezza estrema di “Joy As An Act Of Resistance”.

Tuttavia, il CD non è un completo fiasco grazie all’abilità del frontman John Talbot e alla base ritmica travolgente del gruppo inglese, che anima anche le canzoni più prevedibili. “Ultra Mono” è quindi il disco peggiore degli IDLES, nondimeno mantiene delle canzoni che faranno la loro fortuna live (se mai torneremo ai concerti) e cresceranno nella considerazione degli ascoltatori. Per un LP capolavoro si prega di ripassare prossimamente.

Voto finale: 7.

Dirty Projectors, “Super João”

super joao

Il terzo EP del prolifico 2020 dei Dirty Projectors si ispira, almeno nelle intenzioni, alla bossa nova del grande João Gilberto. Non sempre il gruppo statunitense riesce a cogliere appieno i frutti dei propri esperimenti, ma questo lavoro è un’ulteriore prova che la creatività è ancora abbondante nei Dirty Projectors.

L’inizio è molto promettente: Holy Mackerel è una traccia deliziosa, in cui la calda voce di David Longstreth, tornato al timone delle band dopo aver lasciato spazio alle giovani donne che lo affiancano nei precedenti EP “Windows Open” e “Flight Tower”, si esalta. Invece la successiva I Get Carried Away è un pezzo folk davvero strano, stonato e fuori ritmo che però non cade nell’eccessiva sofisticazione. Il terzo dei quattro brani in scaletta è la delicata You Create Yourself, che apre le porte alla bella chiusura Moon, If Ever, un brano sognante in cui la capacità evocativa di Longstreth è al massimo splendore.

In conclusione, questo terzo EP del 2020 trova i Dirty Projectors che si crogiolano nel lato più acustico della loro estetica. Questo continuo divagare fra generi disparati come folk e R&B potrà disorientare i fans più mainstream del gruppo, ma mostra che Longstreth & co. non hanno ancora perso il fuoco che li anima ormai da quasi vent’anni. “Super João” è finora il miglior EP a firma Dirty Projectors in quest’anno disgraziato: chissà che prima del 31 dicembre non arrivi una piccola perla.

Voto finale: 7.

Cosa ci eravamo persi?

Come già negli anni precedenti, A-Rock ha dato il massimo per recensire quanti più CD possibili nei mesi passati. Tuttavia, inevitabilmente abbiamo tralasciato dischi che, col tempo, si sono rivelati davvero interessanti; è il caso ad esempio degli ultimi lavori di Jessie Ware, Cloud Nothings e Blake Mills. In più abbiamo un breve EP a firma Animal Collective e l’ennesima incarnazione di Ty Segall, questa volta nei Wasted Shirt, ma anche i ritorni di Moodymann, Dirty Projectors e Jeff Rosenstock. Ma andiamo con ordine.

Jessie Ware, “What’s Your Pleasure?”

jessie ware

Il ritorno della cantautrice inglese è un romantico rimando agli anni ’70-’80 del secolo scorso, in cui la dance di Donna Summer e il funk di Prince trionfavano sulla pista da ballo e in classifica. “What’s Your Pleasure?” è un disco davvero interessante, coeso e mai ridondante, in cui Jessie mette in mostra il suo talento e contribuisce a riportare la disco al centro dell’attenzione, sulla scia del clamoroso successo ottenuto da Dua Lipa con “Future Nostalgia”. Col prezioso supporto alla produzione di James Ford (già collaboratore di Arctic Monkeys e Foals fra gli altri), i risultati sono davvero imperdibili.

Fin dall’inizio capiamo che “What’s Your Pleasure?” è un disco che ritorna a “Devotion” (2012), l’esordio che aveva fatto conoscere Jessie Ware al mondo: atmosfere sexy e ballabili, retrò ma mai scopiazzate dai giganti del genere. Spotlight è il brano migliore del disco e potrebbe andare avanti ben oltre i cinque minuti della sua durata. Ottima poi la title track; da menzionare poi Ooh La La, che riporta alla memoria il funk di Sly & The Family Stone e il Prince degli esordi.

Se dobbiamo trovare una pecca al CD è a volte la similitudine fra una canzone e l’altra, ad esempio Step Into My Life è una ripetizione delle atmosfere ballabili già assaporate per la durata del lavoro, ma insomma i risultati complessivi sono davvero gradevoli.

Jessie Ware aveva esplorato il proprio lato più pop e intimista nei suoi ultimi LP, soprattutto “Glasshouse” del 2017; questo album da un lato è un ritorno al mondo ottimista e discotecaro degli anni ‘70-‘80, senza dubbio, ma la britannica riesce a non suonare scontata e il CD renderà l’estate migliore (o almeno più sopportabile) per tutti noi.

Voto finale: 8.

Moodymann, “TAKEN AWAY”

taken away

Il nono disco di Moodymann, leggenda della scena house americana, è un’altra aggiunta di valore ad una discografia sempre più ragguardevole. “TAKEN AWAY” arriva solo un anno dopo “SINNER” e anch’esso non è stato inizialmente condiviso sulle principali piattaforme di streaming (mentre “SINNER” è da qualche mese disponibile, “TAKEN AWAY” tuttora non lo è), ma solo sul profilo Bandcamp dell’artista. Scelta inconsueta per molti, non per Kenny Dixon Jr. (questo il vero nome di Moodymann), DJ sempre misterioso, tornato sulle scene nel 2014 dopo dieci anni di strana assenza.

“TAKEN AWAY” non è un titolo casuale: Moodymann infatti l’anno passato è stato vittima di una violenza a cui ormai siamo abituati da parte della polizia americana, che l’ha portato in cella e minacciato con le pistole puntate a seguito di “comportamenti sospetti”. L’episodio ha legittimamente scosso Dixon, che intitolando il nuovo lavoro “TAKEN AWAY” (ovvero “portato via”) e scegliendo basi meno funky del solito, a volte davvero cupe, ha impresso un tono decisamente più malinconico del solito al CD.

Ne sentiamo echi in alcune parti testuali, ad esempio in Let Me In Moodymann canta “You’ve never been a good soul to anyone, especially me”; in Slow Down avvertiamo improvvisamente delle sirene di polizia arrivare minacciose, per poi dissolversi. Le sirene tornano anche nella title track, allegra ma allo stesso tempo pervasa da una malinconia, quasi un senso di inquietudine che rende “TAKEN AWAY” il disco più cupo a firma Moodymann.

Kenny Dixon Jr. si conferma una volta di più maestro dell’elettronica, capace di scrivere canzoni profonde ma mai monotone e anzi con alto replay value, prova ne siano le affascinanti Let Me Show You Love e Taken Away. Unica nota stonata è I’m Already Hi, ma il bilancio dell’album resta positivo. “TAKEN AWAY” è uno dei migliori LP di musica elettronica dell’anno, un risultato non scontato per un musicista che fa ballare le folle da ormai tre decadi.

Voto finale: 8.

Jeff Rosenstock, “NO DREAM”

no dream

Il nuovo album di Jeff Rosenstock, il quarto della sua carriera solista, continua il percorso intrapreso con “WORRY.” (2016) e “POST-” (2018): un punk a volte virato verso il pop, modello Blink-182, che altre volte invece ritorna alle radici hardcore dell’estetica di Jeff. I testi profetici, sempre arrabbiati ma mai rassegnati, ne hanno fatto un artista davvero imprescindibile per gli amanti del punk-rock.

“NO DREAM” mantiene alta la bandiera di Rosenstock attraverso canzoni imprevedibili, capaci di cambiare ritmo più volte nei tre minuti canonici di durata e di trovare ispirazione anche nello ska e nel metal (si senta la durissima title track). Rispetto a “POST-” mancano i coretti accattivanti, che lasciano spazio a canzoni più dure ma mai fini a sé stesse. I migliori pezzi sono Leave It In The Sun e Ohio Tpke, ma in generale i 40 minuti di “NO DREAM” passano bene e fanno venir voglia di premere nuovamente il tasto play. Evitabile solamente il breve intermezzo Monday At The Beach.

Testualmente, poi, Jeff mantiene la fama di liricista schietto, pessimista ma non rassegnato alla sconfitta contro una destra politica e un capitalismo che lui vede come intrinsecamente corrotti. In NO TIME domanda “Did you turn into a person that you really want to be?”, più una domanda posta a sé stesso che al pubblico. Scram! è ancora più esplicita e polemica contro una certa sinistra: “I’ve been told most my life, ‘Try and see the other side’ by people who have never tried to see the other side” è una denuncia contro i radical chic di ogni paese. Insomma, Rosenstock non risparmia nessuno, addossando le colpe della pessima condizione in cui il pianeta è ridotto in parti più o meno uguali ad entrambe le fazioni.

Non siamo quindi di fronte a nulla di innovativo per il mondo punk, questo è evidente, ma le 13 canzoni del CD sono una gradevole aggiunta ad una discografia sempre più interessante.

Voto finale: 7,5.

Blake Mills, “Mutable Set”

Mutable Set

Il produttore e cantautore americano Blake Mills ha avuto un 2020 davvero trionfale. Accanto a collaborazioni di alto livello in CD altrui (Bob Dylan, Fiona Apple, Perfume Genius), “Mutable Set” è il terzo disco solista di Mills e prosegue nel percorso intrapreso con il precedente “Neigh Ho” (2014) e con l’EP “Look” del 2018. Il folk del Nostro è scarno, semplice ma mai scontato, grazie alla sua abilità alla chitarra.

Il lavoro è composto da 11 canzoni per 52 minuti di durata: l’estetica di Mills ricorda molto l’Elliott Smith di “Either/Or” (1997), ma anche Sufjan Stevens e Mount Eerie. Non quindi un LP trascinante, piuttosto un lavoro tramite cui rasserenare l’animo. I pezzi migliori sono Money Is The True God e Vanishing Twin, mentre sono troppo monotone Summer All Over e Farsickness.

In generale, come già ricordato, Blake Mills sarà uno dei pochi per cui il 2020, almeno artisticamente, verrà ricordato positivamente. Le collaborazioni con giganti del rock e volti del pop d’avanguardia, oltre a un disco in solitaria di successo, ne hanno decisamente aumentato la notorietà; vedremo in futuro come il cantautore californiano cavalcherà questa improvvisa fama.

Voto finale: 7,5.

Animal Collective, “Bridge To Quiet”

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Fra le tante band che hanno deciso di regalare ai fans dei momenti di serenità durante la pandemia non potevano mancare gli Animal Collective. La band americana ha infatti condiviso il breve EP “Bridge To Quiet”, quattro canzoni per un totale di 34 minuti di musica: le sonorità si distanziano dall’ultimo album del gruppo, quel “Tangerine Reef” (2018) che aveva fatto storcere il naso a molti adepti della prima ora a causa delle sonorità fin troppo lente e monotone.

Rain In Cups, la prima traccia dell’EP, è infatti sì serena, ma non ferma: Avey Tare riesce a trasmettere sensazioni anche con un testo quanto mai criptico, grazie ad una base di tastiere che ricorda i lavori degli anni ’00 degli AC. La successiva Piggy Knows (che già dal titolo si preannuncia molto particolare) pare presa dalle sessioni che hanno portato a “Feels” (2005) e a “Strawberry Jam” (2007), tanto è psichedelica e rasserenante allo stesso tempo. Il terzo pezzo, Sux-Bier Passage, è il più misterioso del lotto, con le sue tastiere oscure e la quasi totale assenza di liriche. Infine abbiamo Bridge To Quiet, la title track che chiude il lavoro e in cui la presenza di Noah Lennox (più noto come Panda Bear) torna a farsi sentire negli Animal Collective dopo alcuni anni di assenza.

L’EP certo non è il lavoro migliore del gruppo, che conta in passato un capolavoro come “Merriweather Post Pavilion” (2009), tuttavia è un ritorno alle sonorità che più stanno a cuore ai fans: strambe ma mai troppo sperimentali, ardite ma anche accessibili. Insomma, finalmente un buon lavoro a firma Animal Collective.

Voto finale: 7.

Cloud Nothings, “The Black Hole Understands”

cloud nothings

Il nuovo CD dei Cloud Nothings, band punk-rock americana, è stato realizzato praticamente senza marketing o pubblicità di alcun tipo, addirittura pubblicandolo solamente sul profilo Bandcamp del gruppo. Una mossa à la Taylor Swift verrebbe da dire, naturalmente senza le pretese di vendite e successo della cantautrice. Tuttavia, “The Black Hole Understands” non è un esperimento fine a sé stesso: i Cloud Nothings cercano un approccio meno massimalista rispetto al precedente disco “Last Building Burning” (2018), rinunciando alla durezza di pezzi come On An Edge e privilegiando invece pezzi più melodici, sulla falsariga di “Life Without Sound” (2017).

La svolta nel sound della band potrebbe anche essere stata causata dalla volontà di Dylan Baldi, leader dei Cloud Nothings, di registrare un CD più accogliente come regalo al proprio pubblico in tempi di Covid-19: incidere dieci canzoni in remoto, comunicando col resto della band solo via mail, non deve essere stato facile. Nondimeno pezzi come l’iniziale Story That I Live e An Average World sono fra i migliori del gruppo, orecchiabili ma non scontati nella loro sensibilità pop. Da notare anche il primo brano interamente strumentale dei Cloud Nothings, Tall Gray Structure. Invece deludono le più prevedibili A Silent Reaction e Right On The Edge.

Liricamente, i Cloud Nothings si confermano nichilisti convinti, come già enunciato nel vero manifesto della loro estetica, Wasted Days: in An Average World Baldi si chiede “What is the purpose of anything more?”, in Story That I Live proclama desolato “This ain’t the ending I had wanted”… Solo in Right On The Edge Dylan canta quasi sollevato “Ordinary people living out their lives”, più un augurio per il futuro che lo stato delle cose.

In generale, Baldi & co. paiono avere perso lo smalto dei giorni migliori, quello che aveva reso “Attack On Memory” (2012) e “Here And Nowhere Else” (2014) dei CD imperdibili per gli amanti del punk-rock. “The Black Hole Understands” è un’aggiunta apprezzabile alla loro discografia, ma è molto improbabile che anche uno dei fans del gruppo americano lo annoveri fra i preferiti della produzione dei Cloud Nothings. Questo, va detto, anche per merito (o colpa) del resto degli LP della band, davvero di alto livello.

Voto finale: 7.

Dirty Projectors, “Windows Open” / “Flight Tower”

La band capitanata da David Longstreth, ormai giunta al terzo decennio di attività, ha in piano di pubblicare cinque EP in un solo anno.

“Windows Open”, il primo della serie, ritorna alle origini del progetto: un indie folk gentile e semplice, solo che non canta il leader David Longstreth, lasciando spazio a dolci voci femminili. Da poco il gruppo americano ha accolto altri tre membri, vale a dire Maia Friedman, Felicia Douglass e Kristin Slipp, quindi tre donne che saranno di aiuto a Longstreth vocalmente e daranno maggiore varietà alle composizioni.

Le quattro canzoni dell’EP passano via serene e senza scosse, allo stesso tempo un vantaggio ma anche un punto debole per una band sempre imprevedibile (a volte anche troppo) come i Dirty Projectors. Molto carina Overlord, ma nessuna è fuori posto; allo stesso tempo i soli dieci minuti di durata del disco ci fanno bramare per qualcosa di più sostanzioso.

“Flight Tower”, il secondo EP del 2020 a firma Dirty Projectors finora, mantiene l’attenzione al pop data recentemente dal gruppo, guardando contemporaneamente all’R&B, specialmente in “Lamp Lit Prose” (2018), lasciando da parte l’ermetismo e la cupezza di “Dirty Projectors” (2017).

La brevissima durata del lavoro (solo quattro pezzi per poco più di dieci minuti) costituisce anche in questo caso un vantaggio, dato che consente un’assimilazione istantanea, ma allo stesso tempo ci farebbe propendere per un progetto più compiuto. Spicca soprattutto l’iniziale Inner World, in generale le canzoni si integrano bene l’una con l’altra.

In conclusione, “Flight Tower” è un gradevole EP da parte di una band ormai celeberrima nel mondo indie rock. La nuova direzione potrà non piacere agli amanti della parte più rock del gruppo, ad esempio di “Swing Lo Magellan” (2012), ma dimostra che Longstreth e co. hanno ancora qualcosa da dare alla musica contemporanea. Accoppiato a “Windows Open”, i risultati sono rispettabili, non certo trascendentali.

Voto finale: 6,5.

Wasted Shirt, “Fungus II”

wasted shirt

Il prolifico garage rocker californiano Ty Segall ha già flirtato in passato con altri generi, dal punk (“Slaughterhouse” del 2012) al folk (“Sleeper” del 2013) passando per la psichedelia (“Hair” del 2012 insieme a White Fence). Wasted Shirt è l’ennesimo progetto del Nostro, questa volta concentrato sul versante più duro del rock, non a caso affiancato da Brian Chippendale dei Lightning Bolt, duo noise rock.

Il risultato di questa collaborazione è lo strano “Fungus II”, un ibrido fra gli istinti più estremi di Ty e l’usuale caos dei Lightning Bolt: canzoni abrasive, dure e mal digeribili al primo ascolto, piene di riff potenti e con la batteria in primo piano. Diciamo che entrambi si lasciano andare con gusto, producendo anche un brano prog come la conclusiva Four Strangers Enter The Cement At Dusk. L’output non è sempre riuscito, però senza dubbio piacerà agli amanti del rock più sperimentale e del metal. Convince in generale più la seconda parte rispetto all’inizio, quando il rumore pare a volte fine sé stesso.

Ty Segall è un artista dai mille volti, come già accennato; questo è per certi versi un vantaggio, dato che consente ai suoi fans di restare sempre sorpresi dai suoi numerosi CD, siano essi di inediti, cover o live. Dall’altro lato, però, produrre due/tre dischi all’anno non gli ha mai permesso di pubblicare un lavoro ragionato e quindi incontestabilmente bello, malgrado i buoni non manchino, da “Manipulator” (2014) a “Freedom’s Goblin” (2018) passando per “Ty Segall” (2017). “Fungus II” rientra pertanto nell’ambito delle occasioni perse: alcune buone tracce ci sono (ad esempio Harsho), ma in generale Wasted Shirt pare un esperimento più che un progetto destinato a durare.

Voto finale: 6,5.

I migliori album del decennio 2010-2019 (200-101)

Ci siamo: la decade è ormai conclusa da alcuni mesi ed è giunta l’ora, per A-Rock, di stilare la classifica dei CD più belli e più influenti pubblicati fra 2010 e 2019. Un’impresa difficile, considerata la mole di dischi pubblicati ogni anno. Rock, hip hop, elettronica, pop… ogni genere ha avuto i suoi momenti di massimo splendore.

Partiamo con alcune regole: nessun artista è rappresentato da più di tre LP nella classifica. Nemmeno i più rappresentativi, da Kanye West a Kendrick Lamar agli Arctic Monkeys (tutti con tre CD all’attivo nella hit list). Questo per favorire varietà e rappresentatività: abbiamo quindi dato spazio anche a gruppi e artisti meno conosciuti come Mikal Cronin e Julia Holter, autori di lavori prestigiosi e meritevoli di un posto al sole. Non per questo abbiamo trascurato i giganti della decade: oltre ai tre citati prima, anche Drake e i Vampire Weekend hanno un buon numero di loro pubblicazioni in lista per esempio, senza trascurare i Deerhunter e Vince Staples.

Questo è stato senza ombra di dubbio il decennio della definitiva consacrazione dell’hip hop: ormai radio e servizi di streaming sono sempre più “ostaggio” del rap, più melodico (Drake) o più vicino alla trap (Migos, Travis Scott), per finire con il filone più sperimentale (Earl Sweatshirt). L’elettronica invece pareva destinata a conquistare tutti nei primi anni della decade, tuttavia poi l’EDM è passata di moda lasciando spazio all’hip hop. E il rock? Da genere dominante ora arranca nelle classifiche e nelle vendite, pare quasi destinato a persone mature… anche se poi ci sono gruppi come Arctic Monkeys e The 1975 che ancora esordiscono in alto nelle classifiche quando pubblicano un nuovo lavoro. A dimostrazione che chi merita davvero riesce a piacere a molti anche in tempi non propizi per il rock in generale. Folk e musica d’avanguardia continuano a non essere propriamente mainstream, ma hanno regalato pezzi unici di bella musica (dai Fleet Foxes all’ultimo Nick Cave, passando per King Krule) che hanno fatto spesso gridare al miracolo. Dal canto suo, invece, il pop ha continuato un’evoluzione lodevole verso tematiche non facili come la diversità, l’empowerment delle donne e l’accettarsi come si è, aiutato da artisti del calibro di Frank Ocean e Beyoncé. Chissà che poi il “future pop” di artisti come Charli XCX possa davvero essere la musica popolare del futuro! Vicino al pop è poi l’R&B, che ha vissuto momenti davvero eccitanti durante la decade 2010-2019 (basti pensare all’esordio fulminante di The Weeknd o alla delicatezza di Blood Orange) i quali ci fanno capire che i nuovi D’Angelo sono pronti a prendersi il palcoscenico (anche se poi il vero D’Angelo ha sbaragliato quasi tutti nel 2014 con “Black Messiah”).

Ma andiamo con ordine: i primi 100 nomi (ma 104 dischi, considerando il doppio album del 2019 dei Big Thief, la doppia release a nome Ty Segall del 2012 e la fondamentale trilogia di mixtape con cui The Weeknd si è fatto conoscere al mondo nel 2011) saranno solamente un elenco, senza descrizione se non l’anno di pubblicazione e il genere a cui sono riconducibili. Invece, per la successiva pubblicazione avremo descrizioni più o meno dettagliate delle scelte effettuate. Buona lettura!

200) Earl Sweatshirt, “I Don’t Like Shit, I Don’t Go Outside” (2015) (HIP HOP)

199) Floating Points, “Crush” (2019) (ELETTRONICA)

198) Drake, “If You’re Reading This It’s Too Late” (2015) (HIP HOP)

197) Spoon, “Hot Thoughts” (2017) (ROCK)

196) Big Thief, “U.F.O.F.” / “Two Hands” (2019) (ROCK – FOLK)

195) Father John Misty, “I Love You, Honeybear” (2015) (ROCK)

194) Mikal Cronin, “MCII” (2013) (ROCK)

193) Arctic Monkeys, “Suck It And See” (2011) (ROCK)

192) MGMT, “Congratulations” (2010) (ELETTRONICA – ROCK)

191) Jai Paul, “Jai Paul” (2013) (R&B – ELETTRONICA)

190) FKA Twigs, “LP 1” (2014) (R&B – ELETTRONICA)

189) Four Tet, “There Is Love In You” (2010) (ELETTRONICA)

188) Slowdive, “Slowdive” (2017) (ROCK)

187) Fever Ray, “Plunge” (2017) (ELETTRONICA)

186) The xx, “I See You” (2017) (ELETTRONICA – POP)

185) Perfume Genius, “No Shape” (2017) (POP – ELETTRONICA)

184) Noel Gallagher’s High Flying Birds, “Who Built The Moon?” (2017) (ROCK)

183) Julia Holter, “Have You In My Wilderness” (2015) (POP)

182) Let’s Eat Grandma, “I’m All Ears” (2018) (POP – ELETTRONICA)

181) Coldplay, “Everyday Life” (2019) (POP – ROCK)

180) The Black Keys, “El Camino” (2011) (ROCK)

179) (Sandy) Alex G, “House Of Sugar” (2019) (ROCK)

178) Vampire Weekend, “Father Of The Bride” (2019) (ROCK – POP)

177) The 1975, “I Like It When You Sleep, For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It” (2016) (ROCK – POP – ELETTRONICA)

176) The xx, “Coexist” (2012) (POP – ELETTRONICA)

175) Muse, “The 2nd Law” (2012) (ROCK)

174) Aldous Harding, “Designer” (2019) (FOLK)

173) The Antlers, “Burst Apart” (2011) (ROCK)

172) Arca, “Arca” (2017) (ELETTRONICA – SPERIMENTALE)

171) Hot Chip, “In Our Heads” (2012) (ELETTRONICA – ROCK)

170) Anderson .Paak, “Malibu” (2016) (HIP HOP – R&B)

169) Fiona Apple, “The Idler Wheel” (2012) (POP)

168) Mount Eerie, “Now Only” (2018) (FOLK – ROCK)

167) Justin Timberlake, “The 20/20 Experience” (2013) (R&B – ELETTRONICA)

166) St. Vincent, “MASSEDUCTION” (2017) (POP)

165) Troye Sivan, “Bloom” (2018) (POP)

164) Algiers, “The Underside Of Power” (2017) (PUNK)

163) These New Puritans, “Hidden” (2010) (ROCK – PUNK – ELETTRONICA)

162) Suede, “Bloodsports” (2013) (ROCK)

161) Arctic Monkeys, “Tranquility Base Hotel & Casino” (2018) (ROCK – POP)

160) Björk, “Vulnicura” (2015) (POP – ELETTRONICA – SPERIMENTALE)

159) Jack White, “Blunderbuss” (2012) (ROCK)

158) The Walkmen, “Lisbon” (2010) (ROCK)

157) PJ Harvey, “Let England Shake” (2011) (ROCK)

156) Ariel Pink’s Haunted Graffiti, “Before Today” (2010) (ROCK – SPERIMENTALE)

155) Nick Cave & The Bad Seeds, “Ghosteen” (2019) (SPERIMENTALE – ROCK)

154) The Voidz, “Virtue” (2018) (ROCK)

153) Broken Social Scene, “Forgiveness Rock Record” (2010) (ROCK)

152) Jamila Woods, “LEGACY! LEGACY!” (2019) (R&B – SOUL)

151) Foals, “Total Life Forever” (2010) (ROCK)

150) Neon Indian, “VEGA INTL. Night School” (2015) (ELETTRONICA)

149) King Gizzard & The Lizard Wizard, “Polygondwanaland” (2017) (ROCK)

148) Moses Sumney, “Aromanticism” (2017) (R&B – SOUL)

147) James Blake, “Overgrown” (2013) (ELETTRONICA – POP)

146) Preoccupations, “Viet Cong” (2015) (PUNK)

145) D’Angelo, “Black Messiah” (2014) (SOUL – R&B)

144) Dirty Projectors, “Swing Lo Magellan” (2012) (ROCK)

143) Freddie Gibbs & Madlib, “Bandana” (2019) (HIP HOP)

142) Tyler, The Creator, “IGOR” (2019) (HIP HOP)

141) Vince Staples, “Big Fish Theory” (2015) (HIP HOP)

140) Young Fathers, “Cocoa Sugar” (2018) (HIP HOP)

139) Parquet Courts, “Sunbathing Animal” (2014) (ROCK)

138) Jon Hopkins, “Singularity” (2018) (ELETTRONICA)

137) Fleet Foxes, “Helplessness Blues” (2011) (FOLK)

136) Ty Segall, “Slaughterhouse” / “Hair” (2012) (ROCK)

135) Titus Andronicus, “The Monitor” (2010) (ROCK)

134) Blur, “The Magic Whip” (2015) (ROCK)

133) Kanye West, “Yeezus” (2013) (HIP HOP)

132) Drake, “Take Care” (2011) (HIP HOP)

131) Thundercat, “Drunk” (2017) (ROCK – JAZZ – SOUL)

130) Caribou, “Swim” (2010) (ELETTRONICA)

129) Parquet Courts, “Wide Awake!” (2018) (ROCK)

128) LCD Soundsystem, “This Is Happening” (2010) (ELETTRONICA – ROCK)

127) Mac DeMarco, “2” (2012) (ROCK)

126) Ty Segall, “Manipulator” (2014) (ROCK)

125) Chromatics, “Kill For Love” (2012) (ELETTRONICA – ROCK)

124) Jon Hopkins, “Immunity” (2013) (ELETTRONICA)

123) Spoon, “They Want My Soul” (2014) (ROCK)

122) Damon Albarn, “Everyday Robots” (2014) (POP)

121) Panda Bear, “Panda Bear Meets The Grim Reaper” (2015) (ELETTRONICA)

120) Leonard Cohen, “You Want It Darker” (2016) (SOUL – FOLK)

119) Flying Lotus, “Until The Quiet Comes” (2012) (ELETTRONICA)

118) Shabazz Palaces, “Black Up” (2011) (HIP HOP)

117) Fontaines D.C., “Dogrel” (2019) (PUNK – ROCK)

116) Arcade Fire, “Reflektor” (2013) (ROCK – ELETTRONICA)

115) Lotus Plaza, “Spooky Action At A Distance” (2012) (ROCK)

114) Hamilton Leithauser + Rostam, “I Had A Dream That You Were Mine” (2016) (POP)

113) Blood Orange, “Freetown Sound” (2016) (R&B – SOUL)

112) Denzel Curry, “TA13OO” (2018) (HIP HOP)

111) Dave, “Psychodrama” (2019) (HIP HOP)

110) Flying Lotus, “You’re Dead!” (2014) (ELETTRONICA)

109) Gorillaz, “Plastic Beach” (2010) (ELETTRONICA – HIP HOP)

108) Leonard Cohen, “Popular Problems” (2014) (FOLK)

107) Danny Brown, “Old” (2013) (HIP HOP)

106) Cloud Nothings, “Here And Nowhere Else” (2014) (PUNK – ROCK)

105) Chance The Rapper, “Acid Rap” (2013) (HIP HOP)

104) Father John Misty, “Pure Comedy” (2017) (ROCK)

103) Nicolas Jaar, “Sirens” (2016) (ELETTRONICA)

102) Grimes, “Visions” (2012) (POP – ELETTRONICA)

101) The Weeknd, “House Of Balloons” / “Thursday” / “Echoes Of Silence” (2011) (R&B – ELETTRONICA)

Recap: luglio 2018

L’estate è arrivata e i tormentoni imperversano ovunque. Noi di A-Rock però rimaniamo professionali e, come di consueto, offriamo una nostra sintesi del mese appena trascorso. Luglio è stato caratterizzato dal ritorno dei Dirty Projectors e di Laurel Halo; dall’atteso secondo album delle Let’s Eat Grandma; e dalla nuova collaborazione fra Ty Segall e White Fence.

Let’s Eat Grandma, “I’m All Ears”

let s eat grandma

Il secondo, attesissimo CD delle giovani inglesi Rosa Walton e Jenny Hollingworth, in arte Let’s Eat Grandma, ha pienamente mantenuto le promesse: aiutate da produttori rinomati come Sophie Xeon e Faris Badwan, le due teenager (!) pubblicano un disco in molti tratti rivoluzionario, che fonde generi disparati come pop, psichedelia ed elettronica in un connubio spesso eccellente.

L’apertura già instrada magistralmente il lavoro: sia Whitewater che Hot Pink (quest’ultima vanta la produzione di Badwan e Xeon) sono stranianti, in particolare la seconda alterna ritmi pop e improvvise aperture industrial, che non per caso ricordano gli ultimi lavori di SOPHIE e Horrors. I brani riusciti non finiscono qui: Falling Into Me è un gioiello pop, che ricorda la miglior Lorde; le lunghissime Donnie Darko e Cool & Collected suggellano il CD. Le uniche pecche sono i due inutili intermezzi Missed Call (1) e The Cat’s Pijamas, ma non intaccano troppo la struttura del lavoro.

I testi affrontano con sagacia la condizione di molti teenager negli anni dei primi amori e della scoperta della propria sessualità: le due giovani artiste in Hot Pink cantano infatti “I’m just an object of disdain to you… I’m only 17, I don’t know what you mean”, il ritornello contiene un riferimento non solo velatamente sessuale: “Hot Pink! Is it mine, is it?”. Sono poi presenti riferimenti macabri, non inattesi da un gruppo che incita a mangiare un parente, in Falling Into Me: “I paved the backstreets with the mist of my brain. I crossed the gap between the platform and train”.

In conclusione, se il debutto “I, Gemini” del 2016 suonava inevitabilmente ingenuo in certi tratti e le voci della Walton e della Hollingworth ancora acerbe, “I’m All Ears” segna il primo vero LP degno di nota a firma Let’s Eat Grandma. Speriamo che sia solo l’inizio di una carriera di successo: le premesse sembrano esserci tutte.

Voto finale: 8.

Laurel Halo, “Raw Silk Uncut Wood”

laurel

A seguito del successo del precedente lavoro, quel “Dust” pubblicato l’anno scorso dove era riuscita a proporre una convincente sintesi di tutte le sonorità che aveva affrontato nella sua ormai quasi decennale carriera, Laurel Halo ha pubblicato questo mini album di 32 minuti, composto da sole sei canzoni. Non è ben chiaro se “Raw Silk Uncut Wood” sia classificabile come EP o CD, certo è che rientra di diritto fra i migliori dischi di musica ambient degli ultimi anni.

Questa svolta verso la musica d’ambiente può apparire strana a primo acchito, dato che, come già anticipato in precedenza, “Dust” era stato un ottimo disco di musica techno/dance. Tuttavia, chi conosce la Halo sa che lei è un’artista sempre pronta a rinnovarsi ad ogni nuovo CD, dunque un cambiamento anche radicale era preventivabile. Allo stesso tempo, però, la struttura perfetta dell’EP e la maturità con cui Laurel compone brani che guardano anche al jazz sono fattori non trascurabili.

All’inizio e alla fine del lavoro, infatti, sono poste due suite di oltre 10 minuti di durata, la title track e Nahbarkeit, due pezzi molto ambiziosi che ricordano Gas. In mezzo, invece, abbiamo quattro melodie più brevi e a tratti frammentarie: sembra quasi di percorrere un viaggio immaginario, dapprima calmo poi tumultuoso poi di nuovo sereno. I pezzi migliori sono Raw Silk Uncut Wood e Nahbarkeit; non pienamente a fuoco Quietude, ma resta comunque un esperimento apprezzabile.

In conclusione, “Raw Silk Uncut Wood” marca un’altra tappa cruciale nella maturazione di questa artista, che sta diventando ad ogni uscita sempre più rilevante per la scena della musica elettronica mondiale. Brava, Laurel Halo: vorremmo che il mondo avesse più artisti visionari come te.

Voto finale: 7,5.

Dirty Projectors, “Lamp Lit Prose”

dirty projectors

La storia dei Dirty Projectors sembra sempre più poter essere divisa in due: con Amber Coffman e senza Amber Coffman. Ricordiamo infatti che il sodalizio (e la relazione amorosa) fra la cantautrice e David Longstreth si sono interrotti nel 2016: da quel momento il solo Longstreth è rimasto nei Dirty Projectors. Non è un caso che “Dirty Projectors” (2017) sia il disco più cupo della carriera del gruppo, tutto incentrato sulla rottura fra le due anime della band. Al contrario, questo “Lamp Lit Prose” è forse il più solare e pop fra i dischi a firma Longstreth: aiutato anche da ospiti di grande spessore, infatti, David crea melodie sempre orecchiabili e lascia da parte le sperimentazioni barocche del passato.

Right Now è perfetta in apertura per settare il mood del disco, ulteriormente chiarito da Break Thru, in realtà uno dei pezzi più deboli del progetto. In altre parti, tuttavia, “Lamp Lit Prose” brilla di luce propria: Feel Energy e I Found It In U sono fra i pezzi più melodici e gradevoli al primo ascolto dei Dirty Projectors. Dicevamo poi dei numerosi ospiti presenti nel disco: da Rostam Batmanglij a Syd, passando per Amber Mark e Empress Of, tutti danno un loro contributo che aiuta il disco, pur breve, a decollare.

Liricamente, Longstreth è meno ermetico del solito, forse ancora sotto shock a causa della rottura con la Coffman, tanto che dichiara in Right Now “There was silence in my heart, but now I’m striking up the band”, segno che si possono superare molti lutti nella vita grazie alle proprie passioni. Vi sono anche riferimenti alla politica qua e là (“The sky has darkened, Earth turned to hell”), ma la coppia di versi più bella è presente in I Found It In U: “I’m in love for the first time ever…All the painful dreams I failed to extinguish were the footlights down dark aisles I’ve taken. Now they’ve led me to you”. Un messaggio di rinnovato ottimismo e segno che David ha ritrovato l’amore.

Non tutto è perfetto in “Lamp Lit Prose” a partire dall’eccessiva brevità del disco (soli 36 minuti e 9 canzoni), ma ciò favorisce la coesione e la benvenuta assenza di momenti piatti. Possiamo però dire che questo LP e “Dirty Projectors” sono sullo stesso livello, pur affrontando generi totalmente agli antipodi: diciamo che se Longstreth avesse ricavato un solo CD dalla rottura con la Coffman avremmo avuto un altro classico dei Dirty Projectors, accanto a “Bitte Orca” (2009) e “Swing Lo Magellan” (2012). Ma del resto al cuore (e all’ispirazione) non si comanda; è quindi benvenuto questo “Lamp Lit Prose”, ennesima buona prova di un artista che non ha paura di rinnovarsi ad ogni uscita.

Voto finale: 7,5.

Ty Segall & White Fence, “Joy”

ty tim

Era nell’aria che un’altra collaborazione fra Tim Presley (aka White Fence) e Ty Segall ci sarebbe stata: troppo affini sono infatti due fra le figure più iperattive del rock contemporaneo. Basti dire che entrambi hanno già pubblicato un CD quest’anno e che il fatto di pubblicare due o più album di inediti in pochi mesi non è una novità per nessuno dei due.

Perché diciamo “un’altra collaborazione”? White Fence e Ty Segall, in effetti, hanno già prodotto un disco congiunto, “Hair”, nel 2012: un disco pieno di riferimenti al rock anni’60, con inserti psichedelici sempre imprevedibili. “Joy” ripercorre la traiettoria di “Hair”, con ancor più spirito libero e frammentarietà: basti dire che il CD è composto da 15 canzoni, ma dura solamente 31 minuti e si passa da canzoni che durano 16 secondi (Prettiest Dog) a tracce oltre i 5 minuti (She Is Gold). Insomma, un caos totale!

La copertina dell’album farebbe pensare a due nemici di un film comico o di animazione: uno biondo, l’altro moro; Ty amante dei cani, Tim dei gatti. Al contrario, l’intesa fra i due è totale: lo si nota dall’intrecciarsi perfetto delle chitarre e delle voci. I pezzi migliori sono Body Behavior, molto energica; i due pezzi molto beatlesiani Good Boy e My Friend; e A Nod. Da sottolineare, come già detto, lo spirito di totale libertà creativa del disco: in Other Way udiamo distintamente i latrati di Fanny, la cagnolina di Ty (sì, quella di Fanny Dog); abbiamo poi tre pezzi che non arrivano al minuto di durata.

Nei suoi momenti migliori, il CD rientra di diritto nella parte alta della produzione di entrambi i cantanti; tuttavia, l’eccessiva frammentarietà della struttura dell’album e le canzoni a volte solo abbozzate lo rendono difficilmente gradito a chi non è già fan di Tim o Ty. In questo ultimo caso, tuttavia, “Joy” sarà probabilmente l’album dell’anno. Prendere o lasciare: un ascolto, almeno uno, è decisamente consigliato.

Voto finale: 7.

Recap: marzo 2017

Marzo è stato un mese pieno di uscite musicali importanti, tanto che invece dei soliti tre CD ne presenteremo ben 6. In particolare, parleremo dei nuovi CD dei Depeche Mode, dei Real Estate, di Drake, dei Dirty Projectors, di Mount Eerie (nome d’arte di Phil Elverum) e di Laura Marling.

Mount Eerie, “A Crow Looked At Me”

mount eerie

“Death is real”. Con queste tragiche parole si apre il nuovo CD del musicista Phil Elverum, l’ottavo con il nome d’arte di Mount Eerie. Il tema portante del lavoro è, come intuibile, la morte; in particolare, Elverum affronta la disperazione dopo la morte dell’adorata moglie Geneviève Castrée, morta di cancro al pancreas a soli 35 anni, lasciando anche una bambina di un anno e mezzo.

Phil Elverum affronta questo lutto con un LP di musica folk, semplice e con strumentazione ridotta all’osso (spesso solo voce e chitarra). Cosa inusuale per lui, che nelle sue incarnazioni artistiche precedenti (i Microphones, ma anche i precedenti CD sotto il nome Mount Eerie) aveva creato un genere a cavallo fra rock e sperimentalismo. Tuttavia, questo difficile momento della sua vita richiedeva qualcosa di più diretto e immediato. In effetti, le similitudini con il bellissimo “Carrie & Lowell” (2015) di Sufjan Stevens sono molte, a partire dal tema principale e passando per le sonorità. Qualcosa di simile a questo “A Crow Looked At Me” lo avevano anche prodotto Nick Cave e i suoi fidati Bad Seeds l’anno passato, anche in quella circostanza influenzati da un tremendo lutto (la morte del figlioletto di Cave), nell’eccellente “Skeleton Tree”.

La domanda sorgerà spontanea: un CD tanto intriso di tragedia e dramma come giustifica un titolo così apparentemente bizzarro? Le 11 canzoni che compongono il disco hanno proprio lo scopo di spiegare questa immagine; anzi, possiamo dire che il compimento del lavoro, Crow, è il fine ultimo dell’intero LP.

Musicalmente parlando, vi sono almeno cinque canzoni davvero notevoli: la iniziale Real Death; Ravens (dove Elverum ribadisce che “death is real”, quasi a sottolineare il processo di accettazione che caratterizza l’album); Swims, davvero toccante; la delicata Emptiness Pt.2 (che segue presumibilmente una Pt.1 non presente nel disco); e la già citata Crow. In Forest Fire, Mount Eerie arriva ad accusare la natura stessa della morte della moglie, affermando: “I reject nature, I disagree.”

In conclusione, però, cosa ha quindi di particolare l’immagine del corvo che fissa il cantante? Mount Eerie si candida ad autore del miglior testo del 2017: una mattina, ci dice, sua figlia mormora qualcosa nel sonno dopo che i due erano andati in gita insieme nella foresta che hanno vicino casa. Sua figlia dice distintamente la parola “crow”, evocando la figura di un corvo; Elverum, proprio in quel momento, immagina che proprio nel corvo chiamato dalla figlia possa celarsi l’anima di sua moglie Geneviève. Improvvisamente, egli per un secondo vede proprio la sua figura, che però scompare subito dopo, lasciando il posto a un corvo che, questa volta nella vita vera, fissa il cantante e la figlioletta.

Un qualcosa di così delicato e straziante erano anni che non lo ascoltavamo. Qualcuno potrà obiettare che il tono generale del CD è troppo pessimista e monotono nelle sonorità (ad esempio, My Chasm e When I Take Out The Garbage sono leggermente inferiori alla media, altissima, degli altri pezzi), ma secondo noi di A-Rock questo è il primo serio candidato alla palma di miglior album dell’anno. Anzi, il messaggio di “A Crow Looked At Me” è senza dubbio opposto a quello pessimista che alcuni intravedono: quando si ha la fortuna di avere una famiglia felice e una splendida moglie, che ti ama e ti aiuta ad accudire tua figlia, non spendere tempo a lamentarti delle cose futili. Tutto, infatti, potrebbe scomparire in poco tempo, proprio come la moglie di Phil Elverum che, in pochi mesi, è stata stroncata, ancora nel fiore degli anni, dal cancro. Un messaggio di vita e ottimista, pienamente condivisibile.

Voto finale: 9.

Drake, “More Life”

drake

Il nuovo LP della superstar canadese del rap Drake era attesissimo, sia dal pubblico che dalla critica. Il precedente CD, “Views” del 2016, aveva il record di essere il primo album a totalizzare un miliardo di streaming su Apple Music e aveva passato ben 13 settimane in testa alla Billboard 200. Insomma, un successo clamoroso, sottolineato dai famosissimi singoli One Dance e Hotline Bling. Tuttavia, i critici (noi di A-Rock compresi) erano stati molto scettici nell’accoglienza di “Views”, troppo lungo e sovraccarico di influenze per piacere.

La domanda che tutti si ponevano era: Drake tornerà alla bellezza di “Take Care” (2011) o dovremo sorbirci un altro mattone? Ebbene, malgrado l’eccessivo numero di brani (22!) e una lunghezza che supera gli 80 minuti (!), “More Life” è decisamente migliore del predecessore. Drake è riuscito a creare una sintesi efficace fra rap e pop, creando un prodotto magari sovraccarico, soprattutto verso la fine, ma molto affascinante e intrigante.

L’inizio, in particolare, è molto solido: molto riuscite Free Smoke e No Long Talk, pezzi rap quasi feroci per lo stile cui ci aveva abituato l’artista canadese. Invece Passionfruit è più gioiosa e pop, ma non per questo meno efficace. Altro brano “commerciale” è Madiba Riddim, che va a comporre una parentesi più leggera assieme a Get It Together. I veri capolavori, però, sono 4422 (con Sampha) e Gyalchester, pezzo trap molto tosto.

Anche la parte centrale di “More Life” contiene brani interessanti, a differenza di “Views”. Abbiamo infatti Can’t Have Everything e Glow, con quest’ultima che contiene un featuring con Kanye West.

Parlando di ospiti, la lista è davvero sterminata: oltre a Kanye e Sampha, abbiamo Young Thug, PartyNextDoor (presente nella non memorabile Since Way Back), 2 Chainz, Skepta e Travis Scott. Insomma, il gotha del mondo hip hop internazionale.

Unica pecca, dicevamo, è l’alto numero di canzoni: senza brani deboli come il già citato Since Way Back, Fake Love e Ice Melts parleremmo di un lavoro eccellente. Così, invece, è solo un buonissimo CD da parte di un rapper molto talentuoso, ma voglioso di strafare e collezionare record di streaming e incassi. Così facendo, purtroppo, la qualità complessiva ne risente; nondimeno, questo “More Life” è ai livelli di “Take Care”, cosa per niente scontata date le premesse.

Nel bene o nel male, parleremo di questo CD fino a fine anno: possiamo dire, però, che senza ombra di dubbio anche i critici saranno soddisfatti stavolta.

Voto finale: 8.

Laura Marling, “Semper Femina”

semper femina

La cantautrice inglese Laura Marling è ormai giunta al sesto lavoro di inediti: un traguardo rimarchevole, soprattutto se consideriamo il fatto che ha appena 27 anni. Questo “Semper Femina”, riecheggiando nel titolo il motto dei marines americani “semper fidelis”, denota il tema portante dell’album: essere donna oggi. I risultati sono davvero ottimi, con punte di delicatezza e raffinatezza stilistica notevoli.

Il mood generale del CD è malinconico: il genere folk con venature pop e soft rock, tipico anche di artisti come Sufjan Stevens e Joanna Newsom, aiuta molto a trasmettere questo sentimento. Le melodie sono in generale semplici, quasi spoglie, spesso ridotte alla voce della Marling, la chitarra e un sottofondo morbido di tastiere. Non sarà una grande novità nel mondo della musica, ma chi lo è di questi tempi?

Restano impresse soprattutto canzoni come Soothing e Nothing, Not Nearly, con quest’ultima che ricorda molto la Angel Olsen di “My Woman” (2016) . Del resto, nessuna delle 9 tracce dell’LP è fuori posto: colpisce positivamente, infatti, la coesione del CD. “Semper Femina”, in conclusione, si staglia come uno dei migliori lavori folk dell’anno. Laura Marling, se sboccerà completamente, potrà diventare la Joni Mitchell del XXI secolo.

Voto finale: 8.

Real Estate, “In Mind”

real estate

Il quarto CD della band statunitense dei Real Estate è il primo senza il membro fondatore Matthew Mondanile, chitarrista e autore (insieme al frontman Martin Courtney) della maggior parte dei brani del gruppo. Dopo un discreto esordio come l’omonimo “Real Estate” del 2009, il capolavoro “Days” del 2011 aveva fatto gridare al miracolo: un quintetto capace di ricreare le atmosfere di Beach Boys e Beatles, adattandole al XXI secolo, non si trova tutti i giorni. Prova ne siano brani perfetti nella loro semplicità come Municipality e It’s Real. Anche “Atlas” del 2014 aveva mantenuto le stesse atmosfere leggere e scanzonate, con picchi come Had To Hear e Talking Backwards.

Una pecca del gruppo era l’apparente incapacità di cambiare: dopo tre album molto simili tra loro come sonorità e temi trattati (soprattutto la vita di provincia e il trascorrere inesorabile del tempo), l’addio di Mondanile (determinato dal suo desiderio di concentrarsi sul progetto solista denominato Ducktails) avrebbe provocato ricadute drammatiche? La risposta è un sonoro no. Infatti, l’ingaggio di Julian Lynch ha solamente cambiato aspetti secondari nel sound dei Real Estate. Alcuni la vedranno come una cosa positiva, altri magari attendevano qualche cosa di più radicale; noi, guardando ai risultati di questo “In Mind”, siamo abbastanza soddisfatti.

Lynch, rispetto a Mondanile, punta più sulla potenza della chitarra elettrica e meno sugli arzigogoli raffinati tipici del sound Real Estate, di cui il suo predecessore era il principale esponente. Ciò è particolarmente evidente in Serve The Song, che ricorda i Wilco di “A Ghost Is Born”; e nella lunghissima Two Arrows. Ma i brani migliori del CD sono quelli più simili al vero sound del gruppo, ad esempio Darling e Stained Glass. Molto carina anche Holding Pattern; meno riuscite invece Time e Same Sun. La chiusura Saturday introduce addirittura un assolo di pianoforte iniziale, indice forse di una volontà di sperimentare qualche cosa di nuovo. Tutto però rimandato al prossimo LP: “In Mind” va infatti visto come un passaggio di transizione fra la prima e la seconda fase della vita dei Real Estate. La base di partenza è buona: vedremo come Lynch si integrerà e se Courtney vorrà dare maggiore libertà al suo genio creativo. Non ci resta che aspettare, con una certezza: un quinto album di musica estiva e solare inizierebbe a mostrare la corda e a risultare pesante, speriamo che anche i Real Estate se ne rendano conto.

Voto finale: 7,5.

Dirty Projectors, “Dirty Projectors”

dirty projectors

David Longstreth, il musicista dietro al progetto dei Dirty Projectors, è rimasto solo: la compagna Amber Coffman lo ha lasciato, sia nella relazione amorosa che nella band. La chimica fra i due era stata, fino a questo settimo album di inediti dei Dirty Projectors, la forza del gruppo: un insieme di rock, pop e raffinatezze elettroniche avevano generato alcuni fra i CD più interessanti degli ultimi anni, come “Bitte Orca” (2009) e “Swing Lo Magellan” (2012). Questo break-up album non raggiunge le vette espressive di questi due lavori, risultando a tratti sovraccarico di idee e spunti, lasciati però incompiuti (trascurabile Work Together, per esempio). Tuttavia, nei momenti migliori l’antica magia ritorna: ne sono esempi Little Bubble e Cool Your Heart.

Cambia la ricetta (nuovi membri della band, netto spostamento verso territori elettronici e sperimentali), ma non il risultato: un album dei Dirty Projectors merita comunque un ascolto. Attendiamo fiduciosi l’assestamento di Longstreth, che ancora oggi canta “I don’t know why you abandoned me. You were my soul and my partner”, dichiarando espressamente la sua disperazione per l’addio, sentimentale e artistico, della Coffman in Keep Your Name, la traccia introduttiva del disco.

Non un capolavoro, quindi, ma certo un LP intrigante e complesso come mai nella produzione dei Dirty Projectors. Da migliorare, ma la base di partenza è ottima.

Voto finale: 7,5.

Depeche Mode, “Spirit”

depeche mode

I Depeche Mode, al 14° album di studio, dopo un CD per niente riuscito come “Delta Machine” (2013), erano a un bivio: prevedere un’altra caduta di una carriera complessivamente più che positiva sarebbe stato possibile. Tuttavia, questo “Spirit” riesce, grazie anche al mestiere e all’esperienza della band inglese, a ritornare ai livelli di “Sounds Of The Universe” del 2009, ultimo LP discreto del gruppo britannico.

In “Spirit”, i Depeche Mode, per la prima volta in carriera, affrontano temi dichiaratamente politici: ciò è evidente in brani come Where’s The Revolution, primo singolo estratto dal CD, non a caso; e in Going Backwards. I due brani sono anche fra i migliori presenti nel disco: Gahan canta “where’s the revolution? People, you’re letting me down”, deluso dalla mancanza di reazione popolare ai grandi sconvolgimenti accaduti nel 2016 (soprattutto Brexit e Trump). Si potrà essere d’accordo o meno sui contenuti, ma usare il synth rock per parlare di temi politici non è banale.

Altri brani riusciti sono The Worst Crime, anch’esso politicizzato, e You Move; meno belle Cover Me ed Eternal, per lo più consecutive nella tracklist, che frenano troppo il ritmo di “Spirit”; ma sono pecche non gravi in un prodotto complessivamente godibile. Non saremo ai tempi di “Playing The Angel” e tantomeno di “Violator”, ma la stoffa c’è ancora, così come il desiderio di essere ancora rilevanti. Dave Gahan, Martin Gore e Andy Fletcher, un appello: non fermatevi, il mondo della musica ha ancora bisogno di voi!

Voto finale: 7.