Ottobre si è concluso. Dopo la scorpacciata di album di agosto e settembre, questo mese recensiamo i nuovi lavori di James Blake e del progetto Illuminati Hotties. Abbiamo ovviamente dato spazio al nuovo CD dei Coldplay, al secondo disco dell’anno di Lana Del Rey e al ritorno dei Parquet Courts e dei The War On Drugs. Inoltre, analizzeremo il nuovo LP di JPEGMAFIA e Grouper. Buona lettura!

The War On Drugs, “I Don’t Live Here Anymore”

Il nuovo disco dei The War On Drugs ne conferma lo status di miglior band di heartland rock al mondo. Canzoni raccolte si sposano perfettamente con inni da stadio degni del miglior Bruce Springsteen. “I Don’t Live Here Anymore” è un’altra aggiunta ad un canone ormai imprescindibile per gli amanti del rock vecchio stampo, mai nostalgico però.

I più scettici potranno obiettare che il CD non si differenzia molto dal precedente “A Deeper Understanding” (2017), che aveva permesso al gruppo di aggiudicarsi il Grammy per Miglior Album Rock dell’Anno. Questo è davvero un difetto quando il predecessore era un album pressoché perfetto, premiato da pubblico e critica in maniera cospicua? Ad ognuno la sua opinione, fatto sta però che “I Don’t Live Here Anymore” è simile ma non uguale rispetto a “A Deeper Understanding”: più raccolto, meno trascinante, più denso, meno epico.

Forse non è un caso che, malgrado le differenze, la qualità sia più o meno simile: canzoni come la title track, Harmonia’s Dream e Occasional Rain sono highlights indelebili e anche live faranno la fortuna di Adam Granduciel e compagni. Abbiamo poi invece brani più intimisti, come Living Proof, che arricchiscono ulteriormente il CD. Leggermente sotto la media solo I Don’t Wanna Wait.

Non sarebbe, poi, un album dei The War On Drugs senza testi che inneggiano a temi ampi e generici come l’amore, la memoria di eventi della gioventù e i sogni che tutti abbiamo, destinati spesso a infrangersi. I versi più evocativi sono contenuti in Occasional Rain: “Ain’t the sky just shades of grey until you’ve seen it from the other side? Oh, if loving you’s the same… It’s only some occasional rain”.

In generale, “I Don’t Live Here Anymore” è un ottimo prodotto, curato in ogni dettaglio anche grazie alla produzione di Shawn Everett (Foxygen). Adam Granduciel si conferma cantautore talentuoso e i The War On Drugs band fondamentale della scena rock dell’ultimo decennio.

Voto finale: 8,5.

James Blake, “Friends That Break Your Heart”

Il nuovo CD del cantautore britannico approfondisce la svolta verso il pop di “Assume Form” (2019), con maggiore fuoco alla parte propriamente pop-R&B piuttosto che all’hip hop che caratterizzava “Assume Form”. I risultati sono ottimi: James Blake pare aver trovato la sua dimensione, non eccessivamente commerciale ma nemmeno underground.

Il James Blake del 2021 è una persona diversa rispetto a colui che stupì il mondo nell’ormai lontano 2011, con l’eponimo esordio “James Blake”: il future garage delle origini permane solamente in qualche produzione, oppure in EP che fungono da intermezzi fra un LP e l’altro, si senta “Before” (2020). Ciò, però, come già accennato, non va a detrimento della qualità complessiva del lavoro: brani come Life Is Not The Same e Say What You Will sono fra i migliori della produzione recente del Nostro. Non fosse per una parte centrale debole, saremmo di fronte al suo miglior CD.

L’inizio è molto convincente: sia Famous Last Words che Life Is Not The Same, non a caso scelte come canzoni di lancio di “Friends That Break Your Heart”, fanno capire il mood del disco in maniera efficace. Atmosfere soft, testi introspettivi… queste sono le parole chiave. Abbiamo inoltre meno collaborazioni rispetto a quelle di alto profilo di “Assume Form”: da Metro Boomin e Travis Scott passiamo a SZA (nella buona Coming Back) e J.I.D. in Frozen, per citare i più celebri artisti chiamati da James.

Liricamente, il titolo del lavoro è evocativo dei temi affrontati: nella title track Blake canta “As many loves that have crossed my path, it was friends… it was friends who broke my heart”. If I’m Insecure si apre con un dubbio esistenziale: “If this is what we always wanted, how’s the signal so weak?”. Infine, in Say What You Will il testo si fa più evocativo: “I’m OK with the life of a sunflower”.

In conclusione, non fosse per un paio di brani davvero inferiori come I’m So Blessed You’re Mine e Foot Forward, il CD sarebbe davvero imperdibile. Anche con questa tracklist, tuttavia, “Friends That Break Your Heart” è il miglior disco di James Blake dai tempi di “Overgrown” (2013). Non una cosa scontata.

Voto finale: 8.

JPEGMAFIA, “LP!”

Con il suo quarto album vero e proprio, non contando quindi i numerosi progetti catalogabili come mixtape, JPEGMAFIA ha composto contemporaneamente il suo CD più accogliente e più provocatorio. Se infatti i beat alla base di molte canzoni di “LP!” sono morbidi, addirittura ispirati da Britney Spears in un caso (THOT’S PRAYER!), testualmente il rapper statunitense è una furia, soprattutto contro l’industria discografica.

La versione qui recensita è quella “online”: JPEGMAFIA ha infatti proposto anche una versione “offline”, in realtà presente su Bandcamp, che presenta una sequenza diversa di alcune canzoni e alcune tracce bonus che poco aggiungono al risultato finale.

JPEGMAFIA viene dal buon successo di “All My Heroes Are Cornballs” (2019) e dai due brevi lavori “EP!” (2019) e “EP2!” (2020), questi ultimi da prendersi più come raccolte di singoli pubblicati precedentemente che come veri e propri manifesti artistici. “LP!” è quindi il vero erede di “All My Heroes Are Cornballs”: rispetto al passato, il Nostro sceglie basi meno pesanti sul lato punk e noise e maggiormente accoglienti, quasi commerciali, si senta a tal proposito WHAT KIND OF RAPPIN’ IS THIS?.

I puristi e i fan della prima ora diranno che Peggy si è venduto, ma la realtà è che maturando non per forza ci si rammollisce: semplicemente si cambia. Non per caso “LP!” contiene alcune delle canzoni migliori del repertorio di JPEGMAFIA, tra cui ARE U HAPPY? e REBOUND!. Ad indebolire il risultato finale è solo la tracklist un po’ dispersiva: i 49 minuti a tratti sembrano 60, ma non per questo il CD diventa indigeribile.

Dicevamo che il rapper è molto arrabbiato nei testi che permeano “LP!”. La sua furia è in particolare rivolta all’industria discografica, accusata di sfruttare gli artisti senza alcun rispetto per questi ultimi. In una nota sulla sua pagina Bandcamp JPEGMAFIA scrive: “My time in the music industry is over because I refuse to be disrespected by people who aren’t behaving respectably in the first place”. Non serve traduzione, no? Altre frasi forti sono le seguenti: “Why would I pray for your health? Baby, I pray for myself” (REBOUND!). Infine, il titolo di SICK, NERVOUS & BROKE! dice tutto.

In conclusione, questo “LP!” è ad oggi il più riuscito tra i numerosi progetti a firma JPEGMAFIA. I testi sono taglienti, le basi spesso azzeccate… quando imparerà a mettere da parte alcune tracce inutili, potremo parlare di capolavoro. Ma in questo caso Peggy ci è andato davvero vicino.

Voto finale: 8.

Lana Del Rey, “Blue Banisters”

Il secondo album del 2021 di Lana Del Rey è un ottimo completamento di un’era per lei molto travagliata. Polemiche sui social, da cui poi si è cancellata; discussioni a non finire sul precedente “Chemtrails Over The Country Club”, da alcuni considerato neanche avvicinabile al capolavoro che è “Normal Fucking Rockwell!” (2019)… insomma, poteva andare molto peggio. Invece, questo ottavo CD a firma Lana Del Rey la conferma cantautrice solida, magari non al top della forma ma sempre intrigante.

La campagna pubblicitaria è stata stranamente di basso profilo: tre singoli pubblicati a giugno e uno a settembre, come già ricordato nessuna campagna social… da qui a dire che il disco è passato in sordina ce ne passa, ma non siamo nemmeno vicini al battage mediatico per “Born To Die” (2012). Non per questo le canzoni latitano, anzi: tra un omaggio a Morricone in salsa trap (!) e le classiche ballate strappalacrime, “Blue Banisters” si inserisce perfettamente nel canone di Lana.

L’inizio è la parte migliore del lavoro: i singoli Text Book, Blue Banisters e Arcadia sono fra i brani migliori del lotto. Abbiamo poi lo strambo Interlude – The Trio, omaggio al Maestro Morricone con base trap: può sembrare assurdo, lo è in effetti, ma non è male. Segue poi un altro ottimo brano, Black Bathing Suit, che chiude la prima parte del CD. Successivamente, tra le altre cose, contiamo una collaborazione con Miles Kane (Dealer) e un singolo di due anni fa inserito in tracklist come omaggio ai fan (Cherry Blossom).

Insomma, i 61 minuti di “Blue Banisters” lasciano spazio un po’ a tutte le facce di Lana, anche quelle meno efficaci: le ballate Wildflower Wildfire e Nectar Of The Gods spezzano il ritmo del lavoro e allungano troppo il CD. Peccato, perché in certi tratti siamo di fronte ad un ottimo prodotto.

Anche liricamente, ormai, sono sparite le controversie degli esordi: Lana ha 36 anni, è una donna matura e “Blue Banisters” contiene riferimenti all’attualità (“Grenadine, quarantine, I like you a lot. It’s LA, ‘Hey’ on Zoom” canta in Black Bathing Suit) così come ad un amore ormai finito (“You name your babe Lilac Heaven after your iPhone 11… ‘Crypto forever,’ screams your stupid boyfriend. Fuck you, Kevin”, verso magistrale contenuto in Sweet Carolina). In Text Book, invece, la Nostra riflette su temi di più ampia portata: “There we were, screaming, ‘Black Lives Matter’”.

Infine, notiamo una cosa: Lana Del Rey è nella parte migliore della sua carriera e ha capitalizzato componendo sette album in sette anni, partendo da “Ultraviolence” (2014) per arrivare a questo “Blue Banisters”. Di quanti artisti contemporanei, uomini o donne che siano, possiamo dire che abbiano mantenuto una qualità costantemente così alta, pur variando estetica e collaboratori da un album all’altro, spesso in maniera anche radicale? Probabilmente nessuno, o per lo meno dobbiamo tornare alle leggende del pop-rock come Bob Dylan, Neil Young e Bruce Springsteen. Sì, ormai per Lana Del Rey valgono anche questi paragoni.

Voto finale: 7,5.

Illuminati Hotties, “Let Me Do One More”

Nel secondo disco vero e proprio a firma Illuminati Hotties, Sarah Tudzin mette nero su bianco tutta la vita trascorsa apparentemente invano in questi ultimi anni. Il Covid, un contratto con l’etichetta discografica troppo sbilanciato verso quest’ultima, la morte della madre a causa di un cancro… Sarah ne ha passate davvero tante; e tutte queste esperienze entrano in “Let Me Do One More”.

Il precedente lavoro di Tudzin era il mixtape “FREE I.H.: This Is Not The One You’ve Been Waiting For” del 2020, che seguiva il vero e proprio esordio degli Illuminati Hotties, “Kiss Yr Frenemies” (2018). Era un insieme di brani un po’ accatastati a casaccio, solo per liberarsi del contratto discografico precedente, ma fin dall’ironico titolo denotava uno spirito piuttosto determinato a farsi valere.

Fatto confermato da “Let Me Do One More”: Sarah Tudzin, infatti, canta indistintamente di un Partito Democratico americano corrotto (“The DNC is playing dirty!”) così come di spregiudicate strategie di marketing (“Place that precious pretty product!”), fino a prorompere in un urlo indistinto, che dà il titolo alla canzone in questione: MMMOOOAAAAAYAYA. In un altro pezzo abbiamo poi un riferimento al diventare adulti: “I guess being an adult is just being alone” (Growth).

In generale, musicalmente abbiamo una prima parte ricca di canzoni di indie rock potente, quasi punk, à la PJ Harvey delle origini, come la già citata MMMOOOAAAAAYAYA e Threatening Each Other Re: Capitalism. Invece le ultime canzoni sono più acustiche, ad esempio Protector e Growth ricordano la Soccer Mommy più intima. I migliori elementi della tracklist sono Pool Hopping e MMMOOOAAAAAYAYA, mentre delude la troppo rumorosa Joni: LA’s No. 1 Health Goth.

Illuminati Hotties è un nome attorno a cui giravano commenti per lo più positivi già da qualche tempo. “Let Me Do One More” potrebbe essere il CD che fa raggiungere al progetto un pubblico più ampio. Sarah Tudzin, dal canto suo, si dimostra una cantautrice e produttrice talentuosa, che sa scrivere ottime pagine di musica leggera e ironica. Dopo Indigo De Souza, abbiamo trovato in poche settimane un’altra potenziale eroina dell’indie rock.

Voto finale: 7,5.

Grouper, “Shade”

Il nuovo lavoro di Liz Harris, più nota come Grouper, raccoglie composizioni scritte nell’arco di ben 15 anni. Un intervallo di tempo che le ha permesso di passare da progetto sperimentale a un cantautorato etereo, evanescente, ma con punte di intimità e sensibilità davvero notevoli. Prova ne sia “Ruins” (2014), ad oggi il suo miglior disco.

“Shade”, pertanto, è un lavoro leggermente incoerente, che passa dalle atmosfere ambient ed opprimenti di Followed The Ocean al folk immacolato di Pale Interior, nell’arco di 35 minuti. Può sembrare una durata minimale nell’era dello streaming imperante e dei CD monstre, ma Grouper preferisce da sempre tenere le cose brevi: il precedente “Grid Of Points” (2018) ammontava a soli 22 minuti!

In generale, l’aspetto lirico è forse quello più complesso: è vero, Harris canta in maniera anche sentita e toccante, ma spesso è davvero difficile udire le sue parole dietro al forte riverbero delle canzoni, ad esempio in Followed The Ocean e Disordered Minds. Ciononostante, da un CD prevalentemente ambient possiamo aspettarcelo e non pregiudica la qualità generale del lavoro, che resta più che discreto.

Fra i migliori pezzi abbiamo Kelso (Blue Sky), mentre sotto la media Promise e Followed The Ocean. In generale, Grouper si conferma un’artista per palati fini: il suo mix di folk, cantautorato e musica d’ambiente può non essere per tutti ma, una volta calatosi nella sua atmosfera, l’ascoltatore non può che rimanerne affascinato.

Voto finale: 7.

Parquet Courts, “Sympathy For Life”

Il nuovo album dei Parquet Courts prosegue il percorso intrapreso nel precedente “Wide Awake!” (2018); ma se quest’ultimo era un lavoro coeso e pieno di canzoni di buon livello, “Sympathy For Life” si regge su una sola grande melodia, Walking At A Downtown Pace, mentre molte delle altre rappresenterebbero delle b-sides per i migliori pezzi del gruppo.

È davvero un peccato: sapere che i Parquet Courts, band nota e apprezzata per il loro indie rock sbarazzino e disimpegnato, avrebbero provato ritmi dance, quasi da Madchester, aveva intrigato molti, A-Rock compreso, tanto più che “Sympathy For Life” arriva dopo il miglior CD del gruppo e dopo quasi due anni di pandemia.

In effetti l’inizio del lavoro è travolgente: la già menzionata Walking At A Downtown Pace, con le sue linee di chitarra prepotenti ma ballabili, è un perfetto singolo di lancio. Peccato che poi il disco contenga brani deboli come Just Shadows e Application/Apparatus, che sono puro riempitivo. Menzioniamo infine i pezzi intitolati Trullo e Pulcinella, che chiudono la tracklist, per puro campanilismo: uno dei due frontman, Andrew Savage, ha passato una vacanza in Puglia e ha omaggiato il nostro paese con questi due titoli.

Liricamente, se da “Light Up Gold” (2012) fino a “Human Performance” (2016) avevamo assistito al passaggio dai Parquet Courts più “disimpegnati” a una raggiunta maturità, sbocciata nell’arrabbiato “Wide Awake!”, quest’ultimo LP mantiene un atteggiamento più sereno, come del resto la svolta stilistica preannuncia: i Parquet Courts vogliono portarci a ballare e per farlo usano ogni mezzo.

In generale, tuttavia, i risultati non sono del tutto soddisfacenti: “Sympathy For Life”, pur avendo nobili intenti, è il secondo CD più debole della produzione dei Parquet Courts, davanti solo all’acerbo esordio “American Specialties” (2011). Vedremo la prossima volta come andrà, ma questo è il primo vero passo falso nella loro produzione da nove anni a questa parte.

Voto finale: 6,5.

Coldplay, “Music Of The Spheres”

Il nono disco della band capitanata da Chris Martin è uno dei più deboli della loro carriera, diciamolo subito. Ed è un peccato, perché i momenti interessanti non mancano; ma alcune scelte lasciano molti dubbi e fanno sì che “Music Of The Spheres” non raggiunga i buoni risultati del precedente “Everyday Life” (2019).

Già la scelta del tema alla base del lavoro aveva lasciato attoniti: Martin & co. si sono immaginati una sorta di nuovo universo, popolato da strani alieni ma allo stesso tempo capace di promuovere i valori dell’amore universale. Beh, tutto molto zuccheroso: in effetti, anche musicalmente, il synth-pop che permea “Music Of The Spheres” incentiva questo feeling, coadiuvato dalla produzione di Max Martin (in passato collaboratore, tra gli altri, di Britney Spears, Taylor Swift e The Weeknd).

Se analizziamo la tracklist, vediamo ben cinque brani, di cui tre intermezzi, contraddistinti da un “titolo-emoji” e collaborazioni fatte apposta per piacere ai più giovani, su tutti Selena Gomez e i coreani BTS. Nulla di pregiudizialmente contrario al buon gusto, ma le premesse non erano scintillanti, diciamo. Poi, però, sentendo la brillante Coloratura tutto era cambiato: un inizio da tipici Coldplay, per poi sfociare in un brano progressive rock irresistibile.

Il problema, però, è che gran parte del CD non rispetta questi altissimi standard: per una buona Humankind, abbiamo una brutta Let Somebody Go. Per la gradevole My Universe, abbiamo la scadente People Of The Pride… insomma, un mezzo fiasco.

Anche liricamente, il disco è a volte dolce senza strafare (“You are my universe, and I just want to put you first”, My Universe), altre davvero incommentabile (People Of The Pride si lancia contro un dittatore che pare preso da 1984, con versi molto blandi).

In generale, dunque, “Music Of The Spheres” farà sicuramente sfracelli sia sui servizi di streaming che negli stadi: i Coldplay hanno infatti annunciato un tour mondiale, che al momento purtroppo non tocca l’Italia, a supporto del CD. I più giovani cominceranno ad apprezzarne il pop senza compromessi, i testi romantici e la bella voce di Chris Martin… ma allora perché quasi tutto in questo LP suona così fiacco e privo di verve?

Voto finale: 6.