Recap: agosto 2021

Agosto è solitamente il mese del “riposo” per A-Rock, ma in generale per la musica. C’è spazio per tormentoni di ogni genere, le spiagge si riempiono di pezzi reggaeton… Insomma, la musica solitamente aspetta settembre e ottobre per sganciare i pezzi da 90. Non è questo il caso del 2021: agosto ha infatti visto uscire i nuovi lavori di Nas, Isaiah Rashad, dei CHVRCHES, del duo LUMP e dei The Killers, tanto per fare nomi importanti e in alcuni casi imprevisti. Non ci scordiamo poi dei nuovi dischi di Lorde e dei Deafheaven e la collaborazione fra Boldy James & The Alchemist. In più, abbiamo il quinto CD di Tinashe e l’ennesimo LP a firma Ty Segall. Infine, abbiamo recensito il breve EP di cover di Angel Olsen e i CD dei Turnstile e dei Big Red Machine. Buona lettura!

Turnstile, “GLOW ON”

glow on

Giunti al terzo album di punk tanto duro quanto sperimentale, gli americani Turnstile hanno prodotto il migliore CD della loro carriera. Mescolando hardcore, rock alternativo, R&B (!) e dream pop (!!), la band con “GLOW ON” ha creato un’esperienza sonora davvero unica.

Sia chiaro, la sperimentazione è benvenuta, ma “GLOW ON” è un album di hardcore punk fatto e finito: pezzi come DON’T PLAY e HOLIDAY sono durissimi, tanto per capirsi. Invece abbiamo ad esempio UNDERWATER BOI e ALIEN LOVE CALL, che suonano quasi rilassanti. A chiudere il cerchio, il grande artista R&B Blood Orange (nome d’arte di Dev Hynes) collabora proprio in ALIEN LOVE CALL e LONELY DEZIRES, confondendo ancora di più le acque. Insomma, un cocktail sonoro incredibile e sorprendente, che ammalia sia i fan duri e puri sia, potenzialmente, il pubblico più mainstream.

Liricamente, il lavoro passa da liriche più riflessive (“Too bright to live! Too bright to die!” in HOLIDAY e “Still can’t fill the hole you left behind!” in FLY AGAIN) ad altri più trascinanti e pronti per i live incendiari della band, come “You really gotta see it live to get it” (NO SURPRISE) e “If it makes you feel alive! Well, then I’m happy to provide!” (BLACKOUT). La frase più rappresentativa dell’estetica dei Turnstile è però contenuta in HOLIDAY: “I can sail with no direction”.

I migliori brani sono BLACKOUT e MYSTERY, mentre un po’ sotto la media i brevi intermezzi HUMANOID / SHAKE IT UP e NO SURPRISE. In generale, tuttavia, siamo di fronte a un CD davvero innovativo per il genere hardcore e che potrebbe aprire la strada a molti gruppi nei prossimi anni, vogliosi di rischiare lo “sbarco” nel mondo più commerciale senza però tradire il genere.

Voto finale: 8,5.

The Killers, “Pressure Machine”

pressure machine

Il settimo album della band americana è un CD decisamente più introspettivo e modesto rispetto a quanto i The Killers ci avevano abituato nel loro passato sia prossimo che remoto. Se Brandon Flowers e compagni volevano produrre un LP folk-rock di qualità, missione compiuta; che lo abbiano fatto così bene da poter definire “Pressure Machine” il terzo miglior lavoro di sempre del gruppo, è sorprendente.

Ricordiamo che i The Killers avevano pubblicato nel 2020 “Imploding The Mirage”, un lavoro di buon heartland rock, che faceva il verso allo Springsteen più scatenato. “Pressure Machine”, registrato in pieno lockdown, che il frontman Brandon Flowers ha passato nella sua città natale nello Utah, Nephi, riporta alla mente invece “Nebraska” (1982) del Boss: un lavoro intimo, che scava nella memoria di un uomo di grande successo per rievocare episodi della sua infanzia e la vita nella città dove è cresciuto.

Un CD che poteva uscire malissimo si rivela invece una bella scoperta del lato più amaro e intimista dei The Killers: riuniti con lo storico chitarrista Dave Keuning, assente nel precedente lavoro, ma privi del bassista Mark Stoermer, che ha preferito non rischiare il contagio, pezzi come Terrible Thing e Runaway Horses (con Phoebe Bridgers) sarebbero inconcepibili in “Hot Fuss” (2004) e “Day & Age” (2008). Invece In The Car Outside è una melodia trascinante, che farà la fortuna dal vivo del complesso (sperando che questo momento arrivi presto).

È testualmente, però, che i The Killers stupiscono: la band i cui testi prima erano spesso insensati o molto astratti, ha scritto delle liriche davvero toccanti. Desperate Things rievoca un fatto scandaloso dell’infanzia di Flowers, in cui un poliziotto uccise il marito della figlia, che la abusava quotidianamente (“You forget how dark the canyon gets, it’s a real uneasy feeling”). Quiet Town, uno dei pezzi migliori di “Pressure Machine”, parla della dipendenza da oppioidi, che in America è una crisi di dimensioni enormi. Infine, Terrible Thing è la canzone più commovente: un giovane, incerto sulla sua sessualità, contempla il suicidio per il trattamento che subisce a Nephi, città del profondo sud degli Stati Uniti e quindi molto conservatrice.

In generale, l’unico rammarico di “Pressure Machine” è che non abbiamo le canzoni trascinanti che hanno reso i The Killers un pilastro del mondo pop-rock, basti ricordare Somebody Told Me, When You Were Young e soprattutto Mr. Brightside. Tuttavia, questo lavoro ci mostra il volto “autoriale” di una band che ha trovato nuova linfa dopo il mezzo disastro di “Battle Born” (2012). Tre LP in quattro anni sono un ottimo biglietto da visita; che siano di qualità crescente denota un talento non comune. Chapeau, Brandon.

Voto finale: 8.

Tinashe, “333”

333

Il quinto CD della talentuosa cantante R&B è un altro tassello prezioso in una carriera in continua ascesa. Se nel precedente “Songs For You” (2019) Tinashe ci aveva fatto apprezzare il suo lato più commerciale e mainstream, “333” ritorna alle atmosfere di R&B alternativo degli esordi.

“333” non va inteso però come un ritorno al passato puro e semplice: Tinashe, infatti, sperimenta anche con l’elettronica, con basi spesso molto interessanti e che le permettono di occupare una nicchia molto delicata ma redditizia a cavallo fra pop, R&B e hip hop. Il CD scorre bene e, grazie anche a ospiti importanti come Kaytranada e Jeremih, è uno dei migliori album R&B del 2021.

La storia artistica di Tinashe non può essere distinta dalla battaglia per l’indipendenza condotta contro la sua precedente etichetta, la RCA, a causa di scelte discografiche su cui la Nostra non era d’accordo. “333” è infatti autoprodotto dalla cantante e ballerina statunitense: una mossa che certo potrebbe precluderle l’accesso alle classifiche, almeno nelle posizioni di vertice, ma dimostra forte voglia di indipendenza.

I brani migliori del lotto sono Let Go, un brano neo-soul davvero raffinato, e Undo (Back To My Heart). Buona anche Last Chase. Invece sono sotto la media la brevissima Shy Guy e la prevedibile Let Me Down Slowly. Da sottolineare infine la grande coesione del CD: malgrado i diversi generi affrontati,  “333”  suona organico e curato e i 47 minuti di durata passano senza intermezzi palesemente monotoni.

In generale, ormai Tinashe è un’artista matura e che sa, allo stesso tempo, mantenere le aspettative del pubblico e trovare quei due-tre trucchetti per non suonare troppo derivativa. “333” non è un capolavoro, ma rappresenta una solida addizione ad una discografia di tutto rispetto.

Voto finale: 8.

Big Red Machine, “How Long Do You Think It’s Gonna Last?”

how long do you think it's gonna last

Il secondo CD del progetto Big Red Machine, capitanato da artisti del calibro di Justin Vernon (Bon Iver) e Aaron Dessner (The National), è molto più aperto a influenze esterne rispetto all’eponimo esordio del 2018. I risultati sono migliori sotto vari punti di vista, anche se la lunghezza del lavoro può risultare indigesta alla lunga.

I Big Red Machine hanno sempre assunto la forma di side-project per Vernon e Dessner; se in passato il progetto appariva come un divertissement un po’ fine a sé stesso e per i soli appassionati dell’estetica indie folk-rock del duo, in “How Long Do You Think It’s Gonna Last?” le cose cambiano. Abbiamo infatti degli ospiti davvero di grande livello: Taylor Swift, Robin Pecknold dei Fleet Foxes, Sharon Van Etten e Anaïs Mitchell, solo per citare i più noti.

Se c’è una pecca nel lavoro, come già accennato, è l’eccessiva lunghezza: 64 minuti di musica soft, nebbiosa, tendente al folk ma con sottofondo elettronico, possono risultare troppi. Allo stesso tempo, inoltre, Birch ed Easy To Sabotage, ad esempio, sono prolisse e tolgono ritmo al disco. Tolto questo difetto, “How Long Do You Think It’s Gonna Last?” è un buonissimo LP: Renegade (con Taylor Swift), Phoenix e Latter Days sono highlights innegabili. Invece Hoping Then è inferiore alla media.

Menzioniamo infine Brycie, dedicata da Dessner al fratello gemello, come canzone col verso più delicato: “You watched my back when we were young, you stick around when we’re old”; e Hutch, scritta in memoria dell’amico comune Scott Hutchinson (frontman dei Frightened Rabbit), recentemente suicidatosi, come quella con la lirica più commovente: “You were unafraid of how much the world could take from you. So how did you lose your way?”.

In conclusione, Big Red Machine si conferma progetto di valore, malgrado sia un passatempo per Vernon e Dessner in attesa di tornare a Bon Iver e ai The National. I collaboratori aggiungono sempre del loro ai componimenti, dando profondità, a volte troppa verrebbe da dire, ad un disco ambizioso e curato.

Voto finale: 8.

Boldy James & The Alchemist, “Bo Jackson”

bo jackson

La nuova collaborazione fra il rapper Boldy James e il leggendario produttore The Alchemist è un CD di hip hop vecchia maniera. Come avevamo già puntualizzato per l’altra opera che ha coinvolto The Alchemist quest’anno (“Haram”, con Arman Hammer), le sue basi sono la perfetta controparte quando si vogliono raccontare fatti legati alla vita di strada in modo crudo. La malinconia che traspare è infatti evidente e si sposa bene con le storie di Boldy James.

Siamo alla collaborazione numero quattro fra i due, dopo “My 1st Chemistry Set” (2013), l’EP “BOLDFACE” (2019) e “The Price Of Tea In China” (2020). La chimica fra i due è innegabile, come ulteriormente confermato in “Bo Jackson”: malgrado un inizio un po’ lento, pezzi come Brickmile To Montana e Photographic Memories alzano considerevolmente il livello. Da sottolineare poi il parco ospiti: Benny The Butcher, Earl Sweatshirt e Freddie Gibbs, giusto per citare i più celebri, danno una mano a rendere “Bo Jackson” davvero imperdibile.

Il CD, come accennato precedentemente, prende molti episodi di vita di strada vissuti in prima persona da Boldy James oppure narrati da quest’ultimo, con grande dovizia di particolari e versi a volte toccanti come: “All this pressin’ is depressin’, the pressure is still pressin’ against a nigga flesh, it’s beyond measure” (DrugZone).

In conclusione, “Bo Jackson” è un buonissimo album rap. Nulla capace di riscrivere la storia del genere, sia chiaro, ma da sentire almeno una volta e fortemente consigliato agli amanti del genere.

Voto finale: 7,5.

Lorde, “Solar Power”

solar power

Il terzo album della popstar neozelandese è una svolta piuttosto radicale nello stile di Lorde. Se in “Pure Heroine” (2013) e “Melodrama” (2017) l’artista si era fatta notare per un pop in technicolor e canzoni vivaci, provocatorie a volte come Royals e Green Light, riscrivendo molto dello stile pop presente e futuro, “Solar Power” suona come un ritiro in sé stessa.

Jack Antonoff, il produttore più cercato del momento (basti citare le recenti collaborazioni con Taylor Swift e Lana Del Rey), dà anche a questo CD il suo proverbiale tocco: atmosfere soffuse, voce sporca e svolta in direzione folk-pop compiuta. I risultati possono non piacere, soprattutto ai fan della prima ora della neozelandese, ma dimostrano che Lorde è qui per restare e che pretendere da lei sempre lo stesso disco è un’aspettativa destinata a essere infranta.

La principale critica che si può fare stilisticamente al disco è che suona “fuori tempo”: Lorde sembra serena e fin troppo rilassata, si sente qua e là un sapore psichedelico che rende “Solar Power” quasi derivato dai Beach Boys… manca inoltre quella critica sociale che aveva fatto la fortuna anche mediatica della neozelandese.

Il CD, concepito per essere un concept album sulla crisi climatica, suona in realtà un po’ sfocato liricamente: abbiamo riferimenti a Pearl, il suo amato cane da poco deceduto (Big Star); canzoni sull’amore finito (California); e poi anche referenze al riscaldamento globale (“How can I love what I know I am gonna lose? Don’t make me choose”, Fallen Fruit). Abbiamo, poi, un riferimento all’ansia da ragazza prodigio del pop (“Teen millionaire having nightmares from the camera flash”, The Path) e ad un uomo violento che si reinventa maestro new-age (Dominoes).

Musicalmente però, come già accennato, “Solar Power” è un altro LP di qualità nella discografia di Ella Marija Lani Yelich-O’Connor: la title track è un grande pezzo estivo, con ritornello irresistibile grazie anche alle armonie vocali di Clairo e Phoebe Bridgers. Anche California è un brano di ottimo livello. Invece The Man With The Axe e Dominoes sono fin troppo monotone e rompono il ritmo dell’album.

In generale, “Solar Power” pare quasi un CD di transizione, verso nuovi lidi: Lorde non vuole essere la portabandiera della sua generazione, come proclama fin dalla prima canzone The Path (“Now if you’re looking for a savior, well that’s not me. You need someone to take your pain for you? Well, that’s not me”). Non tutti saranno contenti di questa mossa; di certo dopo “Melodrama” ci aspettavamo un album più coraggioso. I risultati raggiunti in “Solar Power” non sono tuttavia da disprezzare: vedremo, presumibilmente tra quattro anni, dove Lorde condurrà la propria estetica.

Voto finale: 7,5.

CHVRCHES, “Screen Violence”

screen violence

Il quarto album degli scozzesi CHVRCHES è un ritorno alle origini dopo il discusso “Love Is Dead” (2018). Il trio infatti produce interamente il CD, senza interventi esterni, se eccettuiamo il cameo del sempre ottimo Robert Smith (frontman dei The Cure) nella buona How Not To Drown. I risultati non rinnovano l’estetica del gruppo, come prevedibile, ma il disco scrive una buona pagina di synthpop.

Lauren Mayberry e compagni hanno scelto di comporre “Screen Violence” come una sorta di concept album, con temi tratti da film horror e altri più personali, come il peso del fallimento in un’industria spietata come quella discografica. Già il titolo è indicativo; le liriche a tratti sono anche più esplicite. La musica, invece, continua ad essere gioiosa e brillante: solo che, stavolta, il tentativo di andare mainstream non viene portato fino in fondo, come invece accadeva in “Love Is Dead”. Prova ne siano le oscure Violent Delights e Final Girl.

Curioso che a funzionare meglio siano proprio le melodie più dark del lotto: se, infatti, il singolo He Said She Said è pop molto scolastico e Lullabies va presa come puro filler, How Not To Drown e Final Girl sono gli highlights di un disco non perfetto, ma gradevole e addirittura trascinante nelle sue parti migliori.

Anche liricamente vale lo stesso: alcuni testi sono molto “safe” e prevedibili, mentre alcuni versi colpiscono il bersaglio in pieno. Ad esempio, in He Said She Said Mayberry urla “I’m losing my mind!” e le crediamo, sottoposta con la sua band a pressioni molto forti per avere la prossima hit. Altrove, dicevamo, abbiamo versi più faciloni: “I’ll never sleep alone again”, in Violent Delights, ne è un esempio.

In conclusione, “Screen Violence” è un CD carino, curato ma non imperdibile: certo, i CHVRCHES sanno come scrivere deliziosi pezzi pop così come brani più opachi e tormentati, ma manca qualcosa per rendere questa collezione di canzoni davvero eccellente. Probabilmente è la necessaria reinvenzione, che aspetta al varco gli scozzesi: ma sarà materia per il prossimo LP.

Voto finale: 7,5.

Deafheaven, “Infinite Granite”

infinite granite

Il quinto album dei Deafheaven è una delle mosse più controverse occorse nel mondo del metal da molti anni a questa parte. La band americana, infatti, in “Infinite Granite” si muove verso territori decisamente più soft del passato, in zona shoegaze/dream pop, laddove i Deafheaven erano conosciuti per la loro furia black metal, solo occasionalmente intervallata da inserti più gentili. Qui la proporzione si inverte: canzoni come In Blur e Shellstar sarebbero state impensabili in “Sunbather” (2013) o “New Bermuda” (2015).

I risultati non sono sempre convincenti, ma nei momenti migliori siamo di fronte a una delle migliori band su piazza: In Blur è un gran pezzo shoegaze, Great Mass Of Color una hit trascinante… peccato per la presenza della debole Other Language, altrimenti saremmo di fronte a un ottimo CD. Interessante poi l’intervallo ambient Neptune Raining Diamonds.

Certo, per i puristi metal e i fan della prima ora siamo di fronte probabilmente a un’aberrazione: la voce di George Clarke è praticamente sempre comprensibile e non urlata, eccetto che nella monumentale Mombasa, che chiude il lavoro, e in brevi tratti di Villain. Inoltre, i climax dati dalla violenza sommata delle chitarre e della batteria sono pressoché scomparsi (nessuna Dream House, per intenderci). Ripetiamo: tutto vero, ma “Infinite Granite” non sfigura affatto.

Questo LP rappresenterà probabilmente la mossa più divisiva della carriera dei Deafheaven: fino al 2018 alfieri del black metal, corrente blackgaze (cioè intervallato con l’estetica shoegaze), “Infinite Granite” contiene i brani più morbidi e “pop” della storia del gruppo, anche più mainstream di Near e Night People di “Ordinary Corrupt Human Love” (2018). Il passato deve essere preso come tale e messo da parte, oppure assisteremo in futuro a svolte altrettanto forti verso i lidi metal che hanno fatto la fortuna dei Deafheaven? Nessuno può saperlo, di certo abbiamo due cose: “Infinite Granite” è un buon CD e, se fosse un esordio, parleremmo di “miracolo”; allo stesso tempo, è il disco più debole nella produzione del gruppo. Se i Deafheaven vorranno continuare a esplorare territori shoegaze e dream pop, dovranno tenerlo a mente.

Voto finale: 7,5.

Nas, “King’s Disease II”

king's disease ii

Dopo il grande successo di pubblico e critica di “King’s Disease” (2020), che ha portato a Nas anche il Grammy per Miglior Album Rap dell’anno, “King’s Disease II” ritorna legittimamente alle atmosfere del predecessore, con ospiti di ancora maggior spessore e attenzione anche al mondo trap, con risultati discreti anche se non trascendentali.

Il rapper americano è diventato nel tempo una leggenda del genere, grazie soprattutto al fulminante esordio “Illmatic” (1994), uno dei migliori CD hip hop dei ’90. Col tempo Nas ha prodotto altri buoni lavori (come “It Was Written” del 1996) ma anche flop catastrofici, su tutti “Nastradamus” (1999). Negli ultimi tempi il rapper è tornato su buoni livelli: a partire da “Life Is Good” (2012) infatti Nas è tornato a rappare in maniera convincente, anche se spesso con testi controversi e versi assurdamente complottanti, si risenta “Nasir” (2018) al riguardo.

“King’s Disease II” scorre bene, i 51 minuti sono giusti per un LP non pretenzioso, impreziosito da ospiti come Eminem in EPMD 2 e Lauryn Hill in Nobody. Se un appunto va fatto, è sul sequenziamento: la prima parte appare più debole della seconda in termini di qualità compositiva. È un peccato che, in certe occasioni, i versi di Nas arrivino fuori luogo: “Money off tech, pushing a Tesla, rolled up a fresh one. It’s one IPO to the next one”, in Store Run, pare un commento di un broker di Wall Street più che una lirica in una canzone rap. In Moments, invece, evoca le figure del fratello e di Muhammad Ali: “I never met Muhammad Ali, wish I did. My brother saw him, champ told him nothing is real. Gave me the chills, thought about it, that’s how I feel”. Non dice molto vero?

In generale, comunque, “King’s Disease II” prosegue l’opera di riabilitazione di Nas, malgrado si abbiano risultati inferiori al primo LP della serie. Peccato, perché se prescindesse da YKTV (che pare rubata a Future), il CD sarebbe davvero buono, con gli highlights Store Run e Moments. Nas indubbiamente svetta su basi più old style piuttosto che puntando su scenari trap, perché non insisterci maggiormente? Speriamo che il prossimo suo lavoro segua questa direzione; per ora godiamoci “King’s Disease II”, un altro tassello in una discografia incoerente ma mai prevedibile, nel bene come nel male.

Voto finale: 7.

LUMP, “Animal”

animal

Il duo formato da Laura Marling (apprezzata artista folk inglese) e Mike Lindsay (membro dei Tunng), giunto al secondo album, si conferma su buoni livelli. Prendendo spunto da generi come art pop e folktronica e da artisti del calibro di Bon Iver e Sufjan Stevens, i LUMP hanno scritto un album evocativo, che rappresenta un ottimo stop-and-go prima di tornare alle rispettive carriere.

Le dieci canzoni di “Animal” sono tenute insieme dalla voglia di sperimentare dei due cantautori: Laura Marling è più pop del solito, a tratti quasi funk, mentre Lindsay si lascia alle spalle le atmosfere indie dei Tunng per passare al pop più raffinato. Insomma, ognuno lascia da parte un pezzo di sé per entrare nei LUMP a pieno titolo: se il precedente “LUMP” (2018) poteva sembrare un esperimento fine a sé stesso, “Animal” ci fa capire che il duo è qui per restare, anche se solo come passatempo per due artisti ben incanalati in una buona carriera solista (Marling) o in un gruppo (Lindsay).

I pezzi migliori sono Red Snakes e l’avvolgente Phantom Limb, mentre delude un po’ la ripetitiva Climb Every Wall. Menzione speciale per i due intermezzi Hair On The Pillow e Oberon, che fanno ottimamente da collante tra le varie parti del disco.

In generale, la musica dei LUMP non è fatta per essere goduta dal pubblico più commerciale, tuttavia molte tracce del CD sono orecchiabili e quasi ballabili, tanto che il risultato complessivo è un album ambizioso ma mai troppo complicato. “Animal” conferma dunque il talento dei due membri del gruppo, integrando due discografie molto interessanti.

Voto finale: 7.

Isaiah Rashad, “The House Is Burning”

the house is burning

Il nuovo lavoro di Isaiah Rashad arriva ben cinque anni dopo “The Sun’s Tirade”, un periodo lunghissimo nel mondo della musica, specialmente per un rapper che pareva sull’orlo di diventare una star, aiutato da una scuderia di talenti come la Top Dawg Entertainment, tra le cui fila contiamo anche un certo Kendrick Lamar.

Invece Isaiah, per cinque anni, è praticamente sparito dalla vita pubblica: nessun singolo, nessun mixtape. Solo la speranza che lo avremmo ritrovato, prima o poi, e che la magia non sarebbe sparita. Beh, questo è vero solo parzialmente: Rashad è infatti fortunatamente tornato a produrre musica, ma i risultati sono solo in parte soddisfacenti.

In questi cinque anni, purtroppo, poco è filato liscio per il rapper americano: ha vissuto periodi di quasi povertà e in seguito è stato chiuso alcuni mesi in un rehab per disintossicarsi. Il primo verso del CD è in effetti davvero toccante, conoscendo queste vicende: “Just came back. See, I done been dead for real” (Darkseid).

L’esordio “Cilvia Demo” (2014) aveva fatto gridare al miracolo: pareva davvero di aver trovato un rapper sicuro di sé, con un flow invidiabile e basi magari retrò, ma mai troppo nostalgiche. Se “The Sun’s Tirade” aveva sostanzialmente confermato tutto questo, “The House Is Burning” si piega invece ad alcune mode del momento: la trap è dominante in alcuni featuring, su tutti quello con Lil Uzi Vert in From The Garden. Abbiamo poi momenti più R&B, come Claymore, mentre l’hip hop più classico è relegato a pezzi efficaci come RIP Young e Headshots (4r Da Locals), troppo pochi per rendere il lavoro davvero ottimo.

I risultati non sono da buttare, sia chiaro: “The House Is Burning” è tutto sommato un lavoro discreto, con momenti efficaci e collaborazioni di spessore che lo arricchiscono (basti citare Smino, Jay Rock e SZA, oltre al già menzionato Lil Uzi Vert). Tuttavia, i cinque anni di attesa ci avevano fatto sperare in un lavoro unico e imprescindibile. Peccato, sarà per la prossima volta; speriamo solo che non serva un altro lustro per avere un erede di questo disco.

Voto finale: 7.

Angel Olsen, “Aisles”

aisles

Vi siete mai chiesti come suonerebbe Gloria, la hit di Laura Barrigan poi interpretata anche da Umberto Tozzi, in chiave synthpop? Oppure una Forever Young come fosse una nuova canzone art pop? Beh, da oggi potrete farlo: “Aisles” è una raccolta di cinque cover di successi anni ’80 firmato da Angel Olsen. I risultati sono stranianti, ma l’EP è gradevole tutto sommato.

La scelta dei brani da reinterpretare, strano ma vero, è del tutto casuale: Olsen ha dichiarato che si tratta dei più popolari presso un supermarket in cui faceva spesa durante il lockdown pandemico. Pertanto, non aspettiamoci chissà quali messaggi dietro queste cover: la cantautrice americana voleva semplicemente divertirsi e intrattenere i suoi fan con canzoni di successo ma uscite in parte dall’immaginario pop collettivo.

“Aisles” arriva dopo due LP molto densi da parte di Angel Olsen: “All Mirrors” (2019) era un CD di pop maestoso e molto complesso, mentre “Whole New Mess” (2020) era la versione scarna delle canzoni che componevano “All Mirrors”. Un contrasto di stili non ignoto nella discografia di Angel Olsen: partita infatti dal folk minimale di “Strange Cacti” (2010), la nostra si era poi evoluta nel corso degli anni in una stella dell’indie rock, soprattutto in “My Woman” (2016). “Aisles” è pertanto da intendersi come una pausa e un omaggio ai fan da parte di Olsen.

La migliore cover è quella di Gloria, in cui la versione originale viene stravolta: molto più lenta, meno trascinante, ma anche più densa e arricchita dalla voce baritonale di Angel. Buona anche Eyes Without A Face, mentre la successiva Safety Dance è la peggiore delle cinque proposte dell’EP. If You Leave ci fa sentire una versione quasi dance della cantautrice, non disprezzabile ma nemmeno azzeccatissima. Infine, Forever Young è l’unica melodia piuttosto fedele all’originale.

In conclusione, “Aisles” non è un’opera destinata a cambiare radicalmente la discografia di Angel Olsen o la sua estetica: prendiamolo per quello che si propone di essere, un EP divertente e senza pretese.

Voto finale: 7.

Ty Segall, “Harmonizer”

harmonizer

Il nuovo album dell’instancabile Ty Segall arriva due anni dopo “First Taste”, un CD decisamente radicale per il garage rocker californiano: la chitarra era stata completamente messa da parte, in favore di strumenti eccentrici come il bouzouki. “Harmonizer” continua sul percorso sperimentale di “First Taste”, questa volta sul lato tastiere, con risultati altalenanti.

Due anni rappresentano una pausa piuttosto comune per i normali musicisti, se non fosse per l’assurda prolificità di Ty: il Nostro è stato capace nel 2012 e nel 2018 di produrre ben tre dischi di inediti a suo nome! Senza poi contare le collaborazioni, gli EP, i live e le raccolte di cover, che spesso arrivano a infarcire una discografia sterminata. Allo stesso tempo, va detto che la qualità era spesso sopra la media: dischi come “Manipulator” (2014) e “Freedom’s Goblin” (2018) sono fra i migliori del mondo garage rock degli ultimi anni.

“Harmonizer” si muove su terreni innovativi, ma su una base sempre riconoscibile: quel mix garage-psych rock che ha fatto la fortuna di Segall. A ciò aggiungiamo delle tastiere spesso taglienti e una chitarra tornata forte nel mix: i risultati non sono sempre convincenti, ma nei momenti migliori “Harmonizer” ci ridà fiducia nel talento del cantautore americano.

In effetti, tracce come la title track, Ride e Play sono fra le migliori dell’ultimo Ty Segall; invece Whisper e Changing Contours deludono. In generale, “Harmonizer” difficilmente verrà ricordato dai fan dell’americano tra i suoi migliori lavori; assieme a “First Taste”, tuttavia, apre dimensioni inesplorate per l’ancora giovane rocker, pronto a sguazzarci anche nel prossimo LP, probabilmente imminente.

Voto finale: 6,5.

Rising: Rina Sawayama

rina

Un primo piano di Rina Sawayama.

Ritorna la rubrica di A-Rock dedicata agli artisti emergenti. Quest’oggi ci occupiamo di Rina Sawayama, una giovane artista londinese di origine giapponese, capace di mescolare con efficacia mondi diversi come pop e nu-metal. Ma andiamo con ordine.

Rina Sawayama, “SAWAYAMA”

sawayama

Il debutto di Rina Sawayama era molto atteso: l’EP del 2017 “RINA” aveva attirato l’attenzione su questa giovane artista, dalla voce sinuosa e ispirata al “future pop” di Charli XCX ma anche dagli anni ’00 del XX secolo, basti pensare ai rimandi a Britney Spears e Christina Aguilera. “SAWAYAMA” riparte da dove “RINA” era finito: canzoni ballabili, ritmi sincopati spesso intervallati da brani quasi metal, che richiamano Linkin Park e Limp Bizkit, ma anche gli Evanescence.

Il primo singolo di lancio del disco, STFU! (che sta per “shut the fuck up!”), ne era un chiaro indizio: fino al ritornello pare davvero di essere tornati ai primi anni 2000, con quel nu-metal che rimbomba nelle orecchie. Il ritornello invece è pop ben fatto, capace in tempi normali di trascinare a ballare un buon numero di persone. I rimandi al rock duro non sono certo finiti qua: abbiamo per esempio anche XS in cui riff di chitarra pesante si intervallano a ritmi più rilassati, così come brevi tratti dell’iniziale Dynasty.

Il CD come tale non offre momenti di pausa, creando un’esperienza davvero interessante per l’ascoltatore. Certo, non brilla per coesione, ma non è comune avere un disco che passa in maniera spesso efficace dal pop da classifica al metal, spesso nella breve durata di una canzone. Sono infatti proprio le canzoni più convenzionali, ad esempio Love Me 4 Me e Bad Friend, a essere le meno riuscite del lotto, pur mantenendo una qualità sempre accettabile.

In conclusione, “SAWAYAMA” è un lavoro molto promettente da parte di un nuovo volto della musica pop più innovativa e, verrebbe da dire, sperimentale. Vedremo se la eccentrica cantante inglese manterrà in futuro le aspettative, di certo ad oggi pare che Rina Sawayama potrebbe essere uno dei simboli più brillanti del pop degli anni a venire.

Voto finale: 8.

Recap: agosto 2019

Agosto è stato un mese decisamente movimentato, malgrado la calura estiva e il richiamo della bella stagione. Abbiamo infatti i nuovi lavori dell’instancabile Ty Segall e degli altrettanto prolifici King Gizzard & The Lizard Wizard, la nuova raccolta di Drake, il primo CD ufficiale di Chance The Rapper e il ritorno dei Bon Iver, dei Ride e delle Sleater-Kinney. Infine abbiamo i nuovi CD di Taylor Swift, Jay Som e dei BROCKHAMPTON.

Bon Iver, “i,i”

bon iver

Il quarto album dei Bon Iver, il progetto di Justin Vernon, arriva a tre anni dallo sperimentale “22, A Million”. Il disco è una pregevole fusione dei precedenti sforzi della band, il già citato “22, A Million” e “Bon Iver, Bon Iver” (2011). Accanto alla vena più elettronica e innovativa di Vernon troviamo infatti un ritorno alle sonorità folk che inizialmente ne decretarono la fortuna, come nella scarna Marion.

L’inizio pare ritornare al precedente LP di Vernon e compagni: sia la breve strumentale Yi che iMi sono di difficile lettura e l’impatto sugli ascoltatori potrebbe risultare a primo impatto deludente. Già con la bellissima Hey, Ma però Bon Iver ritorna ai suoi livelli: la voce di Vernon è in primo piano in tutta la sua bellezza e la strumentazione è innovativa ma mai fine a sé stessa.

La seconda parte del breve ma organico CD (13 brani per 40 minuti) è la più riuscita: abbiamo alcune delle più belle canzoni a firma Bon Iver, da Naeem a Sh’diah passando per l’epica Faith. In generale, aiutato anche da numerosi collaboratori, fra cui annoveriamo i fratelli Dessner dei The National, Moses Sumney e James Blake, Bon Iver come accennato riesce a bilanciare quasi perfettamente i suoi istinti più sperimentali con quelli più accessibili, creando con “i,i” un disco davvero affascinante.

Liricamente, come sempre, la band comunica più tramite immagini che con frasi definite e compiute: affiorano a volte sentimenti di amore (“I like you and that ain’t nothing new” canta Vernon in iMi), mentre in RABi compare in modo insolitamente chiaro il tema della morte: “Well, it’s all just scared of dying”.

Strumentalmente, questo è forse il lavoro meno avanguardistico di Bon Iver: mentre con le sue precedenti opere il gruppo americano aveva sempre anticipato o cavalcato i trend della musica contemporanea, tanto da guadagnarsi collaborazioni di alto profilo con due visionari come Kanye West e James Blake, oggi Vernon si limita a ri-assemblare il suono del progetto Bon Iver. Tuttavia, se i risultati sono così eccezionalmente belli, è probabile che Justin abbia ancora diversi assi nella manica.

Voto finale: 8,5.

Taylor Swift, “Lover”

taylor

L’evento del mondo musicale di agosto, almeno per quanto riguarda il pop, è stato senza dubbio il ritorno di Taylor Swift. La popstar, giunta al settimo lavoro di studio (a soli 29 anni) dimostra una maturità maggiore rispetto a “reputation” (2017), il suo precedente CD. Accanto ai soliti temi dell’amore e delle pene che ne derivano, infatti, trovano spazio anche il dolore personale per la salute della madre e riflessioni non banali sui rapporti interpersonali.

I singoli che hanno lanciato “Lover” sono stati accolti in maniera controversa: ME! è già nella storia dei meme per quel verso che esalta lo spelling (“Spelling is fun!”), mentre You Really Need To Calm Down è una canzone pop talmente generica da essere paragonabile al peggior fiasco di Taylor, quella Look What You Made Me Do che era il peggior pezzo di “reputation”. Tuttavia, il livello generale del disco è davvero buono, con le vette di Cruel Summer e The Archer, oltre alla ballata strappalacrime Soon You’ll Get Better.

L’inizio del disco è intrigante: I Forgot That You Existed è un ritorno alla “vecchia” Taylor, con quel titolo che sa di vendetta per un ex partner e una melodia tanto essenziale quanto riuscita. Come già detto, Cruel Summer è un highlight immediato del disco, invece The Man e Lover sono più prevedibili. La lunghezza di “Lover” risulta eccessiva (più di un’ora), ma di cose da dire Taylor ne ha, quindi la presenza di brani mediocri è perdonabile nell’economia di un CD complesso ma da lodare per varietà e tematiche affrontate.

Parlando dei testi, “Lover” come già accennato è il lavoro più maturo della Swift: in Soon You’ll Get Better parla senza timori della battaglia contro il tumore della madre, invece la conclusiva Daylight contiene un riferimento a “Red” (2012): “I once believed love would be black and white… I once believed love would be burning red, but it’s golden”. Esiste modo migliore per descrivere l’amore?

In conclusione, la presenza di 4-5 canzoni inferiori alla media impedisce a “Lover” di essere il CD definitivo di Taylor Swift. Nondimeno, l’ampiezza della palette sonora messa in mostra dalla popstar americana fa capire che la traiettoria intrapresa è tornata sulla retta via, quella persa da “reputation” in avanti.

Voto finale: 8.

Sleater-Kinney, “The Center Won’t Hold”

sleater

Il nono album delle Sleater-Kinney, una delle più longeve e talentuose band indie rock a cavallo fra i due millenni, è il secondo dopo la reunion del 2014 e segue il bellissimo “No Cities To Love” (2015). “The Center Won’t Hold” vanta la presenza di Annie Clark aka St. Vincent alla produzione, un contributo visibile e che probabilmente ha influito sulla decisione di Janet Weiss (batterista delle Sleater-Kinney fino al 2019) di abbandonare il complesso, ormai troppo mainstream per lei.

Il disco in realtà non suona troppo diverso dai precedenti sforzi del gruppo americano: le canzoni sono sempre dirette e le liriche mai banali, basate sui concetti di empowerment femminile, come il movimento riot grrl che ha originato le Sleater-Kinney ha sempre propugnato. Certo, vi sono episodi più melodici come Restless e l’influenza dell’elettronica è maggiore, ma fa parte della naturale evoluzione delle tre (ormai due) componenti della band.

Il CD si apre quasi su sonorità industrial: la title track pare anticipare svolte totali, prima di risolversi in un’esplosione punk degna delle prime Sleater-Kinney. Hurry On Home, il primo singolo estratto da “The Center Won’t Hold”, pare quasi un pezzo di St. Vincent ai tempi di “Strange Mercy” (2011), ma è un complimento non un’accusa di plagio. Non tutte le canzoni sono completamente convincenti: RUINS è fin troppo lenta, così come la già citata Restless sembra fuori posto dato il mood del lavoro.

Le liriche sono sempre state un pezzo forte delle Sleater-Kinney; anche “The Center Won’t Hold” lo conferma. Ad esempio, un tema portante è il destino delle donne considerate mature dal mondo della musica e in generale dell’arte, quasi impossibilitate a parlare del loro invecchiamento senza sentirsi nell’occhio del ciclone (LOVE), mentre altrove appare l’alienazione provocata dall’uso degli smartphone (“I start my day on a tiny screen, never have I felt so goddamned lost and alone” canta Corin Tucker in The Future Is Here). Il tono di Bad Dance è invece quasi ironico: “If the world is ending now then let’s dance… And if we’re all going down in flames, then let’s scream the bloody scream”.

In conclusione, “The Center Won’t Hold” sembrava nato sotto i migliori auspici: una band al top delle sue potenzialità, aiutata da una produttrice sopraffina, facevano pensare ad un capolavoro in arrivo. Il disco è senza dubbio gradevole, ma niente di trascendentale; pare anzi un LP di transizione, considerato anche l’abbandono della Weiss. Vedremo dove quest’incarnazione più elettronica e orientata al pop condurrà le Sleater-Kinney: il talento resta intatto, pertanto siamo fiduciosi.

Voto finale: 7,5.

Drake, “Care Package”

drake

La superstar canadese ha voluto essere generosa con i suoi fans; “Care Package” è infatti una compilation che raccoglie i singoli pubblicati da Drake fra il 2010 e il 2015, il suo periodo più prolifico e creativamente ispirato, in cui il rapper ha composto i suoi lavori più iconici: “Take Care” (2011), “Nothing Was The Same” (2013) e “If You’re Reading This It’s Too Late” (2015).

Attenzione però: non si tratta di scarti o b-sides, queste sono canzoni di punta di Aubrey Graham, con la sola caratteristica di non essere mai state prima di oggi messe in un album. Non è un caso che la qualità media sia davvero alta: il suono tipico di Drake, a metà fra rap e pop, che avrebbe poi fatto scuola e trovato il successo definitivo in “VIEWS” (2016) e “Scorpion” (2018), risplende in Dreams Money Can Buy e The Motion. Days In The East riporta alla mente le sonorità rilassate di “If You’re Reading This It’s Too Late”.

L’unico memento in cui il disco perde mordente è la parte centrale, con brani inferiori alla media come My Side e Club Paradise. In generale, le tracce che compongono “Care Package” (ben 17) non rendono il CD facilmente digeribile al primo ascolto (ricordiamo anche la durata, 74 minuti), tuttavia fanno sì che la noia di “VIEWS” o “Scorpion” venga evitata, grazie ad una discreta varietà e al cantato di Drake, mai banale.

Ecco perché possiamo facilmente eleggere “Care Package” il miglior album di Drake dal 2017 ad oggi: è lontana l’apertura a ritmi africaneggianti e tropicali del sottovalutato “More Life”, ma questo LP funge da macchina del tempo, verso una versione più umile (o meglio, meno arrogante) di Drake, meno popstar e più attento al prodotto finito. Tempi magari contraddistinti da minore ricchezza per Graham, ma anche da tracce più “vere” e, per questo, maggiormente apprezzabili.

Voto finale: 7,5.

Jay Som, “Anak Ko”

jay som

Il terzo album di Melina Duterte, in arte Jay Som, trova la talentuosa musicista americana più matura e aperta rispetto al precedente “Everybody Works” (2017) che l’aveva fatta conoscere, tanto da meritarsi un posto nella rubrica “Rising” di A-Rock.

Rispetto al bedroom pop delle origini, “Anak Ko” (“il mio bambino” in filippino, lingua natale di Melina) vira verso un indie rock intimista degno di Julia Jacklin o di Phoebe Bridgers, mantenendo però anche quegli ingredienti pop, quasi shoegaze che avevano fatto la fortuna dei suoi precedenti LP.

L’inizio di If You Want It è intrigante: il basso e la chitarra sono ben definiti e la canzone ha una deriva psichedelica nel finale che la rende imprevedibile. Superbike, il singolo di lancio del CD, è un immediato highlight del disco; la seguente Peace Out invece ha un assolo di chitarra potentissimo e innovativo per la Duterte. Buona anche la più raccolta Devotion. La brevità del disco (9 pezzi per 34 minuti) ne rende l’ascolto un’esperienza gradevole, anche se a tratti troppo “semplice” (ad esempio in Tenderness).

Da sottolineare è poi il fatto che la giovane cantautrice, come già in “Everybody Works”, ha anche prodotto il CD e suonato tutti gli strumenti presenti nel disco. Una mania accentratrice, verrebbe da dire, che però dimostra il grande talento e la versatilità di Melina.

In conclusione, “Anak Ko” non scrive pagine tremendamente nuove nello scenario indie rock, sempre più affollato e con una benvenuta schiera di giovani cantanti donne che stanno dando nuova linfa al genere. Nondimeno, le canzoni delicate ed evocative di Jay Som si confermano una garanzia per gli amanti del genere. Siamo davvero impazienti di vedere dove Melina Duterte ci condurrà nei suoi prossimi lavori.

Voto finale: 7,5.

BROCKHAMPTON, “GINGER”

ginger

Il quinto album ufficiale della discografia frammentaria e molto prolifica della giovane band americana è un altro step importante nel loro processo di maturazione. Pare che la traiettoria del gruppo sia ora più spostata verso l’R&B e il pop rispetto alla trilogia delle “Saturation” (2017), non necessariamente una notizia negativa. Anzi, Kevin Abstract (il membro più talentuoso del gruppo) ha pubblicato alcuni mesi fa un interessante CD R&B, il che spiega in parte l’evoluzione dei BROCKHAMPTON.

L’inizio dell’album è splendido: NO HALO è una delle migliori canzoni mai composte dal gruppo e un immediato highlight di “GINGER”. Anche la seguente SUGAR è un buon pezzo, che fa quasi presagire che i BROCKHAMPTON abbiano composto il loro capolavoro. Purtroppo altrove la qualità non è altrettanto eccellente: ST. PERCY è un pezzo rap decisamente sottotono, mentre il breve intermezzo HEAVEN BELONGS TO YOU fa perdere ritmo al disco. Anche nella seconda parte del disco troviamo questa contrapposizione fra brani di qualità e altri sotto la media: DEARLY DEPARTED è riuscita, mentre I BEEN BORN AGAIN è un pezzo rap senza ritornello e senza mordente. Ottime d’altro canto la title track e BIG BOY, che alzano notevolmente il livello del finale del lavoro.

In generale, le tante bocche da fuoco del gruppo sono senza dubbio il tratto caratteristico dei BROCKHAMPTON, ma questa risorsa si rivela un limite quando ognuno vuole avere un uguale spazio nella scrittura e nel canto, malgrado il talento (legittimamente) diverso. Pertanto pare difficile immaginarli in questa formazione ancora per molti anni, malgrado la coesione mostrata a parole. Ad esempio, in NO HALO Joba canta: “Been goin’ through it again. Been talkin’ to myself, wonderin’ who I am. Been thinkin’, I am better than him. In times like these, I just need to believe it’s all part of a plan. Lost a part of me, but I am still here”. Parole che pesano come macigni sul futuro del gruppo.

In conclusione, “GINGER” è un buon lavoro da parte dei BROCKHAMPTON, ma allo stesso tempo, come il precedente “iridescence” (2018), mostra alcuni segni di stanchezza nella chimica di gruppo. I risultati paiono portare a un LP di transizione, vedremo verso cosa.

Voto finale: 7.

Ride, “This Is Not A Safe Place”

ride

Il secondo album post reunion dei britannici Ride, alfieri dello shoegaze anni ’90, rinnova ancora una volta la fiducia che avevamo riposto in loro già prima di “Weather Diaries” (2017). Gli inglesi infatti continuano nella loro singolare traiettoria, fatta di dischi apprezzabili sia per gli ascoltatori casuali che per i fans della prima ora, mancando però il capolavoro capace di rinverdire i fasti di “Nowhere” (1990) e “Going Blank Again” (1992).

L’inizio è abbastanza straniante: R.I.D.E. è quasi garage come base, riportando alla mente le migliori canzoni di Burial e del mondo hip hop. Già con Future Love torniamo sui terreni più congeniali per la band, a metà fra shoegaze e dream pop, in territorio Slowdive e Lush quindi. La seguente Repetition è un interessante pezzo shoegaze, che però guarda anche con decisione alla new wave anni ’80. Il ventaglio sonoro è ulteriormente ampliato dalla potente Kill Switch, quasi metal.

Non sempre il disco possiede questa carica innovativa: i Ride a volte preferiscono virare verso brani più convenzionali, come ad esempio Clouds Of Saint Marie. Tuttavia, il CD non perde mai la bussola e resta un ascolto sempre gradevole, segno che i Ride sono tornati non solamente per motivi economici: restano ancora pagine da scrivere per il complesso inglese.

In conclusione, “This Is Not A Safe Place” è un’altra aggiunta interessante alla discografia della band che, se eccettuiamo gli inciampi dolorosi di “Carnival Of Light” (1994) e “Tarantula” (1996), contiene molti LP di ottimo livello.

Voto finale: 7.

Ty Segall, “First Taste”

ty

La seconda produzione del 2019 dell’iperprolifico rocker statunitense segue la pubblicazione del live “Deforming Lobes”, un concentrato della potenza live espressa da Ty Segall e dalla sua Freedom Band. Il disco pareva anche un’ideale chiusura del cerchio dopo un 2018 incredibile: 4 album (!) di inediti più la collaborazione in numerosi altri progetti.

“First Taste” appare quindi inevitabilmente come un album di transizione e, soprattutto, decisamente sperimentale dati i canoni da rigoroso garage rocker usualmente abbracciati da Ty. Certo, il ragazzo altre volte aveva fatto vedere lati diversi di sé (dal folk alla psichedelia, passando per l’hard rock) ma la matrice era sempre e comunque un rock veloce e sbarazzino, a metà fra White Stripes e T. Rex, con decise iniezioni di Led Zeppelin.

Il disco, promette Ty, non conterrà chitarre: una cosa decisamente inusuale per lui, che anzi è uno dei migliori chitarristi in circolazione. Il CD è senza dubbio sperimentale, ma non per questo fine a sé stesso: diciamo che ci troviamo di fronte ad un altro “Emotional Mugger” (2016), quindi un album utile per Segall per ricaricare le batterie e ampliare la propria palette sonora.

Nel corso del disco abbiamo pertanto una fortissima presenza della batteria e dei sintetizzatori, con accanto altri strumenti più esotici come il bouzouki greco e il koto giapponese. Ne nascono ritmiche e sonorità lontane dal Ty Segall tradizionale, ma non per questo sbagliate: Taste è trascinante, The Arms sarebbe stata benissimo in “Goodbye Bread” (2011) e la conclusiva Lone Cowboys è una suite interrotta troppo presto, ambiziosa e che ci fa desiderare di sapere come va a finire. Altrove la sperimentazione conduci a risultati dubbi: Ice Plant, ad esempio, è quasi gospel.

In conclusione, Ty Segall si conferma allo stesso tempo instancabile e incapace di generare lavori completamente sbagliati. Ognuno potrà avere la sua incarnazione preferita del genietto californiano, ma di cantautori capaci di pubblicare (almeno) un album all’anno e con questa consistenza ne conosciamo pochissimi.

Voto finale: 7.

King Gizzard & The Lizard Wizard, “Infest The Rats’ Nest”

king

Deve esserci una qualche sfida in corso fra i King Gizzard & The Lizard Wizard e Ty Segall: nel 2017 gli australiani hanno pubblicato 5 (!) dischi di inediti, il ragazzo prodigio americano ha risposto l’anno seguente con 4 (!) CD. Il 2019 per ora li vede appaiati, con 2 LP ciascuno: chi avrà la meglio?

Scherzi a parte, il gruppo aussie stupisce ancora una volta il suo pubblico: se il precedente “Fishing For Fishies” era un disco insolitamente acustico per i King Gizzard & The Lizard Wizard, “Infest The Rats’ Nest” è ad oggi il loro disco più metal, in cui si notano decise influenze di  Metallica, Black Sabbath e Slayer. I risultati sono buoni: il CD è compatto e mai scontato, malgrado guardi più al passato che al futuro. Una cosa è certa: al quindicesimo (!!) album di studio in soli 8 anni di carriera, il collettivo australiano si conferma voce sempre fuori dal coro nella scena rock.

L’inizio è fulminante: Planet B è un pezzo puramente metal, in cui i King Gizzard & The Lizard Wizard, questa volta ridotti solo a tre (il cantante Stu Mackenzie, il chitarrista Joey Walker e il batterista Michael Cavanagh), danno sfogo alla loro passione per il metal anni ’80. Mars For The Rich invece contiene quelle derive strumentali più psichedeliche che hanno fatto la fortuna della band.

Questa alternanza fra metal e heavy psych (così è chiamato l’incrocio fra rock psichedelico e hard rock) mette il CD sempre sull’orlo del precipizio e soggetto ad andare fuori dai binari, ma Mackenzie e compagni non sono mai eccessivamente estremisti e “Infest The Rats’ Nest”, anche grazie al messaggio ecologista che lo accompagna (forse l’unica cosa in comune con “Fishing For Fishies”) risulta gradevole, anche se inferiore ai capolavori del complesso, quale “Polygondwanaland” (2017) e “Nonagon Infinity” (2016).

In conclusione, i King Gizzard & The Lizard Wizard hanno allargato ulteriormente la loro già variegata palette sonora con questo disco. Accanto al rock psichedelico e al garage rock delle origini adesso abbiamo anche del caro vecchio heavy metal. Questa svolta potrà non piacere ai fans dei lavori più acustici del gruppo, ma senza dubbio dimostra che Mackenzie e compagni non hanno alcuna intenzione di fermarsi o di adagiarsi sui successi e sulle formule del passato.

Voto finale: 7.

Chance The Rapper, “The Big Day”

the big day

Dopo tre mixtape di crescente successo, il rapper statunitense ha deciso di pubblicare il primo CD ufficiale a firma Chance The Rapper. Il risultato è piuttosto contraddittorio: accanto a brani molto riusciti, spesso le 22 canzoni (e i 77 minuti che ne derivano) possono risultare decisamente pesanti, anche perché i temi portanti del disco, la felicità coniugale e l’amore per Dio per avergli concesso questa fortuna, possono essere, beh, fin troppo smielati.

“The Big Day” era peraltro molto atteso da pubblico e critica: Chance è il rapper indipendente più famoso sui servizi di streaming e sui social, anche grazie ad una personalità esuberante e solare. Questa solarità tuttavia va a detrimento dei risultati del disco: mentre in “Coloring Book” (2016) e nel precedente “Acid Rap” (2013) il focus di Chance The Rapper era preciso e mai ridondante, in “The Big Day” il Nostro non riesce mai ad essere totalmente convincente.

Vi sono canzoni riuscite, a dire il vero, che riportano alla mente le migliori di Chance, come Do You Remember, grazie anche all’aiuto del cantante dei Death Cab For Cutie Ben Gibbard. Altrove però abbiamo veri e propri fiaschi, soprattutto nel finale, in cui Chance presenta brani a mala pena finiti e il mood generale del disco comincia a pesare. Basti pensare a I Got You (Always And Forever) e Hot Shower. Altra caratteristica criticabile: i numerosi skit, cioè i brevi intermezzi popolari nel mondo hip hop negli anni ’00, che rompono solamente il flusso delle canzoni senza aggiungere nulla di significativo al contenuto lirico del CD. Peccato, perché il lavoro contava un parco ospiti sterminato e variegato fra produttori (Justin Vernon dei Bon Iver, James Taylor) e cantanti (Nicky Minaj, Shawn Mendes, Gucci Mane), poco sfruttati da Chancelor Jonathan Bennett (questo il vero nome di Chance).

Dicevamo delle tematiche affrontate nel corso di “The Big Day”. Chance The Rapper, da poco sposato, ha dedicato “The Big Day” alle gioie matrimoniali, con accanto abbondanti riferimenti alla religione, un tema va detto ricorrente nella sua discografia. Ad esempio, in We Go High canta “They prop up statues and stones, try to make a new God. I don’t need a EGOT, as long as I got you, God”. Altrove abbiamo temi più maturi come la paura della morte (“Used to have an obsession with the 27 club, now I’m turning 27, wanna make it to the 2070 club” in Do You Remember) e le battaglie femministe (“For every small increment liberated, our women waited” in Zanies and Fools), però il disco è davvero troppo lungo per apprezzare appieno questi riferimenti testuali.

In conclusione, “The Big Day” è una delle maggiori delusioni dell’anno. Sposando un pop-rap davvero scontato, almeno in alcune canzoni, Chance The Rapper ha prodotto il primo vero fiasco della sua finora onorevole carriera. Speriamo che si riprenda presto, tornando a creare LP più brevi e centrati rispetto a questo “The Big Day”.

Voto finale: 5.