Drake e Kanye: due facce della stessa medaglia

Tra metà agosto e inizio settembre il mondo del rap è stato sconvolto dall’uscita di due fra i CD più attesi dell’anno: i ritorni di due pezzi grossi del genere, Kanye West e Drake. I due, non è un mistero, sono divisi da una faida che va avanti da alcuni anni e anche recentemente si sono fatti dispetti e “diss” più o meno pesanti.

La verità è che sono troppo simili per piacersi: egocentrici ai massimi livelli, accentratori, talentuosi e baciati da un enorme successo. Ecco perché, probabilmente, i due album appena pubblicati soffrono di comuni difetti: eccessiva lunghezza, momenti in cui i due sembrano copiare i sé stessi di dieci anni fa, testi per lo più solipsisti. In poche parole: sia “Donda”, il CD che Kanye ha dedicato alla madre morta nel 2007, che “Certified Lover Boy”, il nuovo lavoro di Drake, sono dei grandi successi commerciali ma dei flop artistici. Analizziamoli in dettaglio.

Kanye West, “Donda”

donda

Può un artista che ha sostenuto pubblicamente l’ex presidente americano Donald Trump e l’anno scorso ha tentato maldestramente la corsa per diventarlo a sua volta, che ha dichiarato che “la schiavitù dei neri, durata 400 anni, è stata una loro scelta”, che ha dato il suo appoggio a personaggi quantomeno discussi come DaBaby (conclamato omofobo), Bill Cosby e Marilyn Manson (accusati di abusi sessuali su varie donne), essere ancora al centro dell’attenzione della scena discografica mondiale e del pubblico, che continua a adorarlo malgrado tutto?

Kanye West è ormai entrato nell’immaginario comune come il perfetto esempio del binomio genio-follia: se fino a cinque anni fa la prima dimensione prevaleva, basti pensare a capolavori come “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” (2010) e “The Life Of Pablo” (2016), negli ultimi anni il bipolarismo di cui soffre ha avuto la meglio. Collassi pubblici, dichiarazioni avventate sui social, il divorzio dalla star Kim Kardashan… tanti sono i segnali di una salute mentale deteriorata. A questo aggiungiamo un rapporto tormentato con la fede cristiana, incarnato dagli ultimi album gospel da lui prodotti, come “JESUS IS KING” del 2019.

Peraltro, il rollout di “Donda” è stato tutto meno che coerente: prima l’annuncio che il CD sarebbe uscito addirittura a luglio 2020, poi continui rinvii, con tanto di performance pubbliche in anteprima e uno stadio intero affittato per fargli finire il lavoro. Insomma, il rischio (per alcuni la certezza) che il lavoro sarebbe stato un flop colossale era ben presente. “Donda”, in qualche modo, grazie anche a un parco ospiti di grande qualità, riesce a guadagnarsi la sufficienza; ma davvero Kanye voleva dedicare un disco così confusionario e autoreferenziale alla memoria della madre morta?

Qui, in effetti, sta il paradosso: Donda West, madre amatissima di Kanye morta nel 2007, sarebbe il personaggio principale del CD. Invece la sua presenza è solo una minima parte nella cascata di canzoni che compongono la tracklist: un paio di intermezzi (Donda Chant e Donda), alcune canzoni in cui Kanye e i suoi amici la evocano, ma nulla di più. Altrove affiorano invece altri temi cari al Nostro, come la fede, il divorzio, l’impatto della celebrità… insomma, un fritto misto di difficile comprensione, anche dopo molti ascolti.

Ed è un peccato, perché canzoni di qualità ce ne sarebbero: Jail, con JAY-Z, è il pezzo forte della prima parte. Abbiamo poi la commovente Come To Life e Hurricane, collaborazione col sempre ottimo The Weeknd, che spiccano. Interessante anche Jesus Lord. Invece è incomprensibile la presenza dell’insopportabile Donda Chant e dell’inutile intermezzo Tell The Vision. Ancora più incredibile la scelta del rapper di piazzare a fine tracklist, dopo la buona No Child Left Behind, che avrebbe rappresentato un’ottima chiusura di “Donda”, quattro versioni alternative di brani già ascoltati precedentemente: Jail pt.2, Ok Ok pt.2, Junya pt.2 e la lunghissima Jesus Lord pt.2, che nulla aggiungono e anzi danno il palcoscenico a DaBaby e Marilyn Manson, di cui avremmo anche fatto a meno.

Insomma, “Donda” è la perfetta immagine del suo creatore: prolisso, geniale a tratti e insopportabile in altri. Se, come si dice, il CD rappresenta il termine della carriera musicale di West, è una fine ingloriosa; allo stesso tempo, a noi pare di assistere ad un crollo nervoso in diretta, un qualcosa che forse va al di là della nostra comprensione ma che mette a serio rischio la salute di Kanye West. È davvero questo che critica e pubblico vogliono da lui?

Voto finale: 6,5.

Drake, “Certified Lover Boy”

Certified Lover Boy

Guardate la copertina: se vi dicessimo che è stata realizzata dal celebre artista inglese Damien Hirst, cambierebbe l’opinione che probabilmente vi siete fatti? La bruttezza della cover, tuttavia, non deve per forza implicare un CD scadente; allo stesso modo, da un perfezionista come Drake ci aspetteremmo maggiore cura… oppure è tutto una gigantesca presa in giro?

Il dubbio viene ascoltando Way 2 Sexy e vedendone il video promozionale: uno dei featuring più attesi, Drake + Future + Young Thug, si risolve in una canzone davvero imbarazzante, che campiona I’m Too Sexy, la hit dei Right Said Fred, per costruirci sopra un orrido pezzo trap, con testo a metà tra il ridicolo e il volgare. Sentendo poi Girls Want Girls, con Lil Baby, il ribrezzo aumenta: “Said that you a lesbian, girl me too, ayy” è il verso che ci fa capire che c’è qualcosa che non va in Aubrey Graham.

Perché qui sta il problema: Drake, malgrado il grande successo che lo ha baciato fin dall’esordio “Thank Me Later” (2010), è un uomo insicuro e malinconico. Nei suoi dischi è sempre stato evidente il lato più pop e gaudente, ma c’era quel retrogusto di vanità che restava, anche a causa di testi spesso fin troppo espliciti e indicatori di una vita privata quantomeno “variegata”, forse troppo. Questa malinconia di fondo è evidente lungo tutto “Certified Lover Boy”, malgrado le canzoni a volte assurde presenti nella tracklist. Ed è un peccato, perché all’interno del CD ci sono comunque delle tracce valide.

Ci eravamo lasciati, in effetti, con di fronte un Drake in buona forma: sia il mixtape “Dark Lane Demo Tapes” (2020) che l’EP “Scary Hours 2” dello scorso marzo avevano presentato il consueto pop-rap del Nostro, però cambiato il giusto per non sembrare derivativo. Il problema è che “Certified Lover Boy”, che il canadese aveva promesso sarebbe stato considerevolmente più breve del precedente “Scorpion” (2018), è invece prolisso: 21 canzoni, 86 minuti di ruminazioni sulla lealtà, il sesso e gli amori fuggevoli di una sola persona, peraltro non proprio facile a livello di immedesimazione, sono davvero troppo, per chiunque. Non è un caso che questo sia il CD con le peggiori recensioni ad oggi nella carriera di Drake, malgrado gli streaming poderosi.

Musicalmente, dicevamo, è un peccato vedere uno dei rapper più talentuosi della sua generazione perdersi in una sorta di imitazione del Drake che meravigliò il mondo con “Take Care” (2011) e “Nothing Was The Same” (2013). Alcuni brani sono buoni: Champagne Papi, Love All (con JAY-Z) e Fair Trade sono contrastati da flop come le già citate Girls Want Girls e Way 2 Sexy. Allo stesso tempo, nella seconda parte, No Friends In The Industry e 7am On Bridle Path sono ok, mentre sono puro riempitivo sia Race My Mind che Get Along Better.

Come sempre, infine, testualmente Drake è un’arma che sa ferire con la sua sincerità (“My soul mate is somewhere out in the world just waiting for me… My heart feel vacant and lonely” canta in Champagne Papi) e attirare risate facendo il finto duro (“Said you belong to the streets, but the streets belong to me… It’s like home to me”, Pipe Down). Altrove abbiamo dimostrazioni di fragilità, sia in Love All: “Loyalty is priceless and it’s all I need”, che in Fair Trade: “I’ve been losing friends and finding peace. Honestly that sounds like a fair trade to me”.

Ci eravamo lasciati alla fine della recensione di “Scorpion” con questa frase: “Abbiamo la sensazione che il prossimo sarà il CD della verità, per lui e per i suoi fans.” L’impressione è confermata: “Certified Lover Boy” è stato scritto, secondo noi, puramente per compiacere i fan. Drake è bloccato in una inerzia negativa e dannosa per la qualità dei suoi componimenti: per quanto tempo il patto col pubblico può durare? Staremo a vedere, però una cosa va detta: di questo passo, l’artista più significativo della decade 2010-2019 (almeno secondo Billboard) rischia di avere imboccato troppo presto il viale del tramonto.

Voto finale: 5,5.

Rising: Indigo De Souza

Indigo De Souza

Ritorna la rubrica di A-Rock dedicata ai giovani talenti della musica leggera contemporanea. Quest’oggi dedichiamo la nostra attenzione alla talentuosa Indigo De Souza, nuova stellina della scena indie americana.

Indigo De Souza, “Any Shape You Take”

any shape you take

Il secondo disco della cantante è una boccata di aria fresca in una scena indie rock un po’ ferma nel 2021. “Any Shape You Take” migliora ogni aspetto dell’esordio “I Love My Mom” (2018), passato un po’ in sordina: sia a livello compositivo che lirico, Indigo si conferma matura e pronta a scrivere pagine importanti del genere nei prossimi anni.

I riferimenti della Nostra sono chiari: PJ Harvey, Fiona Apple e Alanis Morissette sono le prime icone femminili del pop-rock che vengono in mente ascoltandola. Tuttavia, De Souza non si limita a prendere spunto da queste grandi autrici: innestando su questa ricetta elementi grunge e quasi sperimentali (si senta Real Pain a tal proposito), “Any Shape You Take” è un CD figlio dei nostri tempi: in bilico fra speranza e disperazione, la giovane Indigo De Souza dimostra in realtà una maturità sorprendente.

Testualmente, infatti, la cantautrice è capace di trasmettere le sensazioni provate a causa di una relazione tossica del passato attraverso le urla disperate di Real Pain così come di farti sentire protetto in Hold U, quando canta “I will hold you” e “You are a good thing, I’ve noticed” convintamente. In Way Out appare il suo lato più sognatore quando sentiamo dirle “I wanna be a light”, mentre in Kill Me si riappropria di un tema a lei caro fin dal precedente album: “Call your mother, tell her you love her… Call my mother and tell her the same”.

In alcune canzoni, come la già citata Real Pain e Bad Dream, prevale un pessimismo molto forte; in altre, come 17, i toni sono più distesi. I pezzi migliori sono Hold U e Kill Me, mentre un po’ sotto la media Way Out. In generale, va detto, l’indie rock robusto, sperimentale a tratti di “Any Shape You Take” si fa quasi sempre apprezzare e i 38 minuti di durata del disco spingono il replay value (a differenza degli ultimi prolissi lavori di Drake e Kanye West, tanto per capirsi).

In conclusione, Indigo De Souza si conferma ragazza con del potenziale e “Any Shape You Take” è un CD già molto interessante. Vedremo se in futuro saprà fare meglio, per ora godiamoci questo LP, uno dei migliori dell’anno nel genere indie rock.

Voto finale: 8.

Recap: agosto 2021

Agosto è solitamente il mese del “riposo” per A-Rock, ma in generale per la musica. C’è spazio per tormentoni di ogni genere, le spiagge si riempiono di pezzi reggaeton… Insomma, la musica solitamente aspetta settembre e ottobre per sganciare i pezzi da 90. Non è questo il caso del 2021: agosto ha infatti visto uscire i nuovi lavori di Nas, Isaiah Rashad, dei CHVRCHES, del duo LUMP e dei The Killers, tanto per fare nomi importanti e in alcuni casi imprevisti. Non ci scordiamo poi dei nuovi dischi di Lorde e dei Deafheaven e la collaborazione fra Boldy James & The Alchemist. In più, abbiamo il quinto CD di Tinashe e l’ennesimo LP a firma Ty Segall. Infine, abbiamo recensito il breve EP di cover di Angel Olsen e i CD dei Turnstile e dei Big Red Machine. Buona lettura!

Turnstile, “GLOW ON”

glow on

Giunti al terzo album di punk tanto duro quanto sperimentale, gli americani Turnstile hanno prodotto il migliore CD della loro carriera. Mescolando hardcore, rock alternativo, R&B (!) e dream pop (!!), la band con “GLOW ON” ha creato un’esperienza sonora davvero unica.

Sia chiaro, la sperimentazione è benvenuta, ma “GLOW ON” è un album di hardcore punk fatto e finito: pezzi come DON’T PLAY e HOLIDAY sono durissimi, tanto per capirsi. Invece abbiamo ad esempio UNDERWATER BOI e ALIEN LOVE CALL, che suonano quasi rilassanti. A chiudere il cerchio, il grande artista R&B Blood Orange (nome d’arte di Dev Hynes) collabora proprio in ALIEN LOVE CALL e LONELY DEZIRES, confondendo ancora di più le acque. Insomma, un cocktail sonoro incredibile e sorprendente, che ammalia sia i fan duri e puri sia, potenzialmente, il pubblico più mainstream.

Liricamente, il lavoro passa da liriche più riflessive (“Too bright to live! Too bright to die!” in HOLIDAY e “Still can’t fill the hole you left behind!” in FLY AGAIN) ad altri più trascinanti e pronti per i live incendiari della band, come “You really gotta see it live to get it” (NO SURPRISE) e “If it makes you feel alive! Well, then I’m happy to provide!” (BLACKOUT). La frase più rappresentativa dell’estetica dei Turnstile è però contenuta in HOLIDAY: “I can sail with no direction”.

I migliori brani sono BLACKOUT e MYSTERY, mentre un po’ sotto la media i brevi intermezzi HUMANOID / SHAKE IT UP e NO SURPRISE. In generale, tuttavia, siamo di fronte a un CD davvero innovativo per il genere hardcore e che potrebbe aprire la strada a molti gruppi nei prossimi anni, vogliosi di rischiare lo “sbarco” nel mondo più commerciale senza però tradire il genere.

Voto finale: 8,5.

The Killers, “Pressure Machine”

pressure machine

Il settimo album della band americana è un CD decisamente più introspettivo e modesto rispetto a quanto i The Killers ci avevano abituato nel loro passato sia prossimo che remoto. Se Brandon Flowers e compagni volevano produrre un LP folk-rock di qualità, missione compiuta; che lo abbiano fatto così bene da poter definire “Pressure Machine” il terzo miglior lavoro di sempre del gruppo, è sorprendente.

Ricordiamo che i The Killers avevano pubblicato nel 2020 “Imploding The Mirage”, un lavoro di buon heartland rock, che faceva il verso allo Springsteen più scatenato. “Pressure Machine”, registrato in pieno lockdown, che il frontman Brandon Flowers ha passato nella sua città natale nello Utah, Nephi, riporta alla mente invece “Nebraska” (1982) del Boss: un lavoro intimo, che scava nella memoria di un uomo di grande successo per rievocare episodi della sua infanzia e la vita nella città dove è cresciuto.

Un CD che poteva uscire malissimo si rivela invece una bella scoperta del lato più amaro e intimista dei The Killers: riuniti con lo storico chitarrista Dave Keuning, assente nel precedente lavoro, ma privi del bassista Mark Stoermer, che ha preferito non rischiare il contagio, pezzi come Terrible Thing e Runaway Horses (con Phoebe Bridgers) sarebbero inconcepibili in “Hot Fuss” (2004) e “Day & Age” (2008). Invece In The Car Outside è una melodia trascinante, che farà la fortuna dal vivo del complesso (sperando che questo momento arrivi presto).

È testualmente, però, che i The Killers stupiscono: la band i cui testi prima erano spesso insensati o molto astratti, ha scritto delle liriche davvero toccanti. Desperate Things rievoca un fatto scandaloso dell’infanzia di Flowers, in cui un poliziotto uccise il marito della figlia, che la abusava quotidianamente (“You forget how dark the canyon gets, it’s a real uneasy feeling”). Quiet Town, uno dei pezzi migliori di “Pressure Machine”, parla della dipendenza da oppioidi, che in America è una crisi di dimensioni enormi. Infine, Terrible Thing è la canzone più commovente: un giovane, incerto sulla sua sessualità, contempla il suicidio per il trattamento che subisce a Nephi, città del profondo sud degli Stati Uniti e quindi molto conservatrice.

In generale, l’unico rammarico di “Pressure Machine” è che non abbiamo le canzoni trascinanti che hanno reso i The Killers un pilastro del mondo pop-rock, basti ricordare Somebody Told Me, When You Were Young e soprattutto Mr. Brightside. Tuttavia, questo lavoro ci mostra il volto “autoriale” di una band che ha trovato nuova linfa dopo il mezzo disastro di “Battle Born” (2012). Tre LP in quattro anni sono un ottimo biglietto da visita; che siano di qualità crescente denota un talento non comune. Chapeau, Brandon.

Voto finale: 8.

Tinashe, “333”

333

Il quinto CD della talentuosa cantante R&B è un altro tassello prezioso in una carriera in continua ascesa. Se nel precedente “Songs For You” (2019) Tinashe ci aveva fatto apprezzare il suo lato più commerciale e mainstream, “333” ritorna alle atmosfere di R&B alternativo degli esordi.

“333” non va inteso però come un ritorno al passato puro e semplice: Tinashe, infatti, sperimenta anche con l’elettronica, con basi spesso molto interessanti e che le permettono di occupare una nicchia molto delicata ma redditizia a cavallo fra pop, R&B e hip hop. Il CD scorre bene e, grazie anche a ospiti importanti come Kaytranada e Jeremih, è uno dei migliori album R&B del 2021.

La storia artistica di Tinashe non può essere distinta dalla battaglia per l’indipendenza condotta contro la sua precedente etichetta, la RCA, a causa di scelte discografiche su cui la Nostra non era d’accordo. “333” è infatti autoprodotto dalla cantante e ballerina statunitense: una mossa che certo potrebbe precluderle l’accesso alle classifiche, almeno nelle posizioni di vertice, ma dimostra forte voglia di indipendenza.

I brani migliori del lotto sono Let Go, un brano neo-soul davvero raffinato, e Undo (Back To My Heart). Buona anche Last Chase. Invece sono sotto la media la brevissima Shy Guy e la prevedibile Let Me Down Slowly. Da sottolineare infine la grande coesione del CD: malgrado i diversi generi affrontati,  “333”  suona organico e curato e i 47 minuti di durata passano senza intermezzi palesemente monotoni.

In generale, ormai Tinashe è un’artista matura e che sa, allo stesso tempo, mantenere le aspettative del pubblico e trovare quei due-tre trucchetti per non suonare troppo derivativa. “333” non è un capolavoro, ma rappresenta una solida addizione ad una discografia di tutto rispetto.

Voto finale: 8.

Big Red Machine, “How Long Do You Think It’s Gonna Last?”

how long do you think it's gonna last

Il secondo CD del progetto Big Red Machine, capitanato da artisti del calibro di Justin Vernon (Bon Iver) e Aaron Dessner (The National), è molto più aperto a influenze esterne rispetto all’eponimo esordio del 2018. I risultati sono migliori sotto vari punti di vista, anche se la lunghezza del lavoro può risultare indigesta alla lunga.

I Big Red Machine hanno sempre assunto la forma di side-project per Vernon e Dessner; se in passato il progetto appariva come un divertissement un po’ fine a sé stesso e per i soli appassionati dell’estetica indie folk-rock del duo, in “How Long Do You Think It’s Gonna Last?” le cose cambiano. Abbiamo infatti degli ospiti davvero di grande livello: Taylor Swift, Robin Pecknold dei Fleet Foxes, Sharon Van Etten e Anaïs Mitchell, solo per citare i più noti.

Se c’è una pecca nel lavoro, come già accennato, è l’eccessiva lunghezza: 64 minuti di musica soft, nebbiosa, tendente al folk ma con sottofondo elettronico, possono risultare troppi. Allo stesso tempo, inoltre, Birch ed Easy To Sabotage, ad esempio, sono prolisse e tolgono ritmo al disco. Tolto questo difetto, “How Long Do You Think It’s Gonna Last?” è un buonissimo LP: Renegade (con Taylor Swift), Phoenix e Latter Days sono highlights innegabili. Invece Hoping Then è inferiore alla media.

Menzioniamo infine Brycie, dedicata da Dessner al fratello gemello, come canzone col verso più delicato: “You watched my back when we were young, you stick around when we’re old”; e Hutch, scritta in memoria dell’amico comune Scott Hutchinson (frontman dei Frightened Rabbit), recentemente suicidatosi, come quella con la lirica più commovente: “You were unafraid of how much the world could take from you. So how did you lose your way?”.

In conclusione, Big Red Machine si conferma progetto di valore, malgrado sia un passatempo per Vernon e Dessner in attesa di tornare a Bon Iver e ai The National. I collaboratori aggiungono sempre del loro ai componimenti, dando profondità, a volte troppa verrebbe da dire, ad un disco ambizioso e curato.

Voto finale: 8.

Boldy James & The Alchemist, “Bo Jackson”

bo jackson

La nuova collaborazione fra il rapper Boldy James e il leggendario produttore The Alchemist è un CD di hip hop vecchia maniera. Come avevamo già puntualizzato per l’altra opera che ha coinvolto The Alchemist quest’anno (“Haram”, con Arman Hammer), le sue basi sono la perfetta controparte quando si vogliono raccontare fatti legati alla vita di strada in modo crudo. La malinconia che traspare è infatti evidente e si sposa bene con le storie di Boldy James.

Siamo alla collaborazione numero quattro fra i due, dopo “My 1st Chemistry Set” (2013), l’EP “BOLDFACE” (2019) e “The Price Of Tea In China” (2020). La chimica fra i due è innegabile, come ulteriormente confermato in “Bo Jackson”: malgrado un inizio un po’ lento, pezzi come Brickmile To Montana e Photographic Memories alzano considerevolmente il livello. Da sottolineare poi il parco ospiti: Benny The Butcher, Earl Sweatshirt e Freddie Gibbs, giusto per citare i più celebri, danno una mano a rendere “Bo Jackson” davvero imperdibile.

Il CD, come accennato precedentemente, prende molti episodi di vita di strada vissuti in prima persona da Boldy James oppure narrati da quest’ultimo, con grande dovizia di particolari e versi a volte toccanti come: “All this pressin’ is depressin’, the pressure is still pressin’ against a nigga flesh, it’s beyond measure” (DrugZone).

In conclusione, “Bo Jackson” è un buonissimo album rap. Nulla capace di riscrivere la storia del genere, sia chiaro, ma da sentire almeno una volta e fortemente consigliato agli amanti del genere.

Voto finale: 7,5.

Lorde, “Solar Power”

solar power

Il terzo album della popstar neozelandese è una svolta piuttosto radicale nello stile di Lorde. Se in “Pure Heroine” (2013) e “Melodrama” (2017) l’artista si era fatta notare per un pop in technicolor e canzoni vivaci, provocatorie a volte come Royals e Green Light, riscrivendo molto dello stile pop presente e futuro, “Solar Power” suona come un ritiro in sé stessa.

Jack Antonoff, il produttore più cercato del momento (basti citare le recenti collaborazioni con Taylor Swift e Lana Del Rey), dà anche a questo CD il suo proverbiale tocco: atmosfere soffuse, voce sporca e svolta in direzione folk-pop compiuta. I risultati possono non piacere, soprattutto ai fan della prima ora della neozelandese, ma dimostrano che Lorde è qui per restare e che pretendere da lei sempre lo stesso disco è un’aspettativa destinata a essere infranta.

La principale critica che si può fare stilisticamente al disco è che suona “fuori tempo”: Lorde sembra serena e fin troppo rilassata, si sente qua e là un sapore psichedelico che rende “Solar Power” quasi derivato dai Beach Boys… manca inoltre quella critica sociale che aveva fatto la fortuna anche mediatica della neozelandese.

Il CD, concepito per essere un concept album sulla crisi climatica, suona in realtà un po’ sfocato liricamente: abbiamo riferimenti a Pearl, il suo amato cane da poco deceduto (Big Star); canzoni sull’amore finito (California); e poi anche referenze al riscaldamento globale (“How can I love what I know I am gonna lose? Don’t make me choose”, Fallen Fruit). Abbiamo, poi, un riferimento all’ansia da ragazza prodigio del pop (“Teen millionaire having nightmares from the camera flash”, The Path) e ad un uomo violento che si reinventa maestro new-age (Dominoes).

Musicalmente però, come già accennato, “Solar Power” è un altro LP di qualità nella discografia di Ella Marija Lani Yelich-O’Connor: la title track è un grande pezzo estivo, con ritornello irresistibile grazie anche alle armonie vocali di Clairo e Phoebe Bridgers. Anche California è un brano di ottimo livello. Invece The Man With The Axe e Dominoes sono fin troppo monotone e rompono il ritmo dell’album.

In generale, “Solar Power” pare quasi un CD di transizione, verso nuovi lidi: Lorde non vuole essere la portabandiera della sua generazione, come proclama fin dalla prima canzone The Path (“Now if you’re looking for a savior, well that’s not me. You need someone to take your pain for you? Well, that’s not me”). Non tutti saranno contenti di questa mossa; di certo dopo “Melodrama” ci aspettavamo un album più coraggioso. I risultati raggiunti in “Solar Power” non sono tuttavia da disprezzare: vedremo, presumibilmente tra quattro anni, dove Lorde condurrà la propria estetica.

Voto finale: 7,5.

CHVRCHES, “Screen Violence”

screen violence

Il quarto album degli scozzesi CHVRCHES è un ritorno alle origini dopo il discusso “Love Is Dead” (2018). Il trio infatti produce interamente il CD, senza interventi esterni, se eccettuiamo il cameo del sempre ottimo Robert Smith (frontman dei The Cure) nella buona How Not To Drown. I risultati non rinnovano l’estetica del gruppo, come prevedibile, ma il disco scrive una buona pagina di synthpop.

Lauren Mayberry e compagni hanno scelto di comporre “Screen Violence” come una sorta di concept album, con temi tratti da film horror e altri più personali, come il peso del fallimento in un’industria spietata come quella discografica. Già il titolo è indicativo; le liriche a tratti sono anche più esplicite. La musica, invece, continua ad essere gioiosa e brillante: solo che, stavolta, il tentativo di andare mainstream non viene portato fino in fondo, come invece accadeva in “Love Is Dead”. Prova ne siano le oscure Violent Delights e Final Girl.

Curioso che a funzionare meglio siano proprio le melodie più dark del lotto: se, infatti, il singolo He Said She Said è pop molto scolastico e Lullabies va presa come puro filler, How Not To Drown e Final Girl sono gli highlights di un disco non perfetto, ma gradevole e addirittura trascinante nelle sue parti migliori.

Anche liricamente vale lo stesso: alcuni testi sono molto “safe” e prevedibili, mentre alcuni versi colpiscono il bersaglio in pieno. Ad esempio, in He Said She Said Mayberry urla “I’m losing my mind!” e le crediamo, sottoposta con la sua band a pressioni molto forti per avere la prossima hit. Altrove, dicevamo, abbiamo versi più faciloni: “I’ll never sleep alone again”, in Violent Delights, ne è un esempio.

In conclusione, “Screen Violence” è un CD carino, curato ma non imperdibile: certo, i CHVRCHES sanno come scrivere deliziosi pezzi pop così come brani più opachi e tormentati, ma manca qualcosa per rendere questa collezione di canzoni davvero eccellente. Probabilmente è la necessaria reinvenzione, che aspetta al varco gli scozzesi: ma sarà materia per il prossimo LP.

Voto finale: 7,5.

Deafheaven, “Infinite Granite”

infinite granite

Il quinto album dei Deafheaven è una delle mosse più controverse occorse nel mondo del metal da molti anni a questa parte. La band americana, infatti, in “Infinite Granite” si muove verso territori decisamente più soft del passato, in zona shoegaze/dream pop, laddove i Deafheaven erano conosciuti per la loro furia black metal, solo occasionalmente intervallata da inserti più gentili. Qui la proporzione si inverte: canzoni come In Blur e Shellstar sarebbero state impensabili in “Sunbather” (2013) o “New Bermuda” (2015).

I risultati non sono sempre convincenti, ma nei momenti migliori siamo di fronte a una delle migliori band su piazza: In Blur è un gran pezzo shoegaze, Great Mass Of Color una hit trascinante… peccato per la presenza della debole Other Language, altrimenti saremmo di fronte a un ottimo CD. Interessante poi l’intervallo ambient Neptune Raining Diamonds.

Certo, per i puristi metal e i fan della prima ora siamo di fronte probabilmente a un’aberrazione: la voce di George Clarke è praticamente sempre comprensibile e non urlata, eccetto che nella monumentale Mombasa, che chiude il lavoro, e in brevi tratti di Villain. Inoltre, i climax dati dalla violenza sommata delle chitarre e della batteria sono pressoché scomparsi (nessuna Dream House, per intenderci). Ripetiamo: tutto vero, ma “Infinite Granite” non sfigura affatto.

Questo LP rappresenterà probabilmente la mossa più divisiva della carriera dei Deafheaven: fino al 2018 alfieri del black metal, corrente blackgaze (cioè intervallato con l’estetica shoegaze), “Infinite Granite” contiene i brani più morbidi e “pop” della storia del gruppo, anche più mainstream di Near e Night People di “Ordinary Corrupt Human Love” (2018). Il passato deve essere preso come tale e messo da parte, oppure assisteremo in futuro a svolte altrettanto forti verso i lidi metal che hanno fatto la fortuna dei Deafheaven? Nessuno può saperlo, di certo abbiamo due cose: “Infinite Granite” è un buon CD e, se fosse un esordio, parleremmo di “miracolo”; allo stesso tempo, è il disco più debole nella produzione del gruppo. Se i Deafheaven vorranno continuare a esplorare territori shoegaze e dream pop, dovranno tenerlo a mente.

Voto finale: 7,5.

Nas, “King’s Disease II”

king's disease ii

Dopo il grande successo di pubblico e critica di “King’s Disease” (2020), che ha portato a Nas anche il Grammy per Miglior Album Rap dell’anno, “King’s Disease II” ritorna legittimamente alle atmosfere del predecessore, con ospiti di ancora maggior spessore e attenzione anche al mondo trap, con risultati discreti anche se non trascendentali.

Il rapper americano è diventato nel tempo una leggenda del genere, grazie soprattutto al fulminante esordio “Illmatic” (1994), uno dei migliori CD hip hop dei ’90. Col tempo Nas ha prodotto altri buoni lavori (come “It Was Written” del 1996) ma anche flop catastrofici, su tutti “Nastradamus” (1999). Negli ultimi tempi il rapper è tornato su buoni livelli: a partire da “Life Is Good” (2012) infatti Nas è tornato a rappare in maniera convincente, anche se spesso con testi controversi e versi assurdamente complottanti, si risenta “Nasir” (2018) al riguardo.

“King’s Disease II” scorre bene, i 51 minuti sono giusti per un LP non pretenzioso, impreziosito da ospiti come Eminem in EPMD 2 e Lauryn Hill in Nobody. Se un appunto va fatto, è sul sequenziamento: la prima parte appare più debole della seconda in termini di qualità compositiva. È un peccato che, in certe occasioni, i versi di Nas arrivino fuori luogo: “Money off tech, pushing a Tesla, rolled up a fresh one. It’s one IPO to the next one”, in Store Run, pare un commento di un broker di Wall Street più che una lirica in una canzone rap. In Moments, invece, evoca le figure del fratello e di Muhammad Ali: “I never met Muhammad Ali, wish I did. My brother saw him, champ told him nothing is real. Gave me the chills, thought about it, that’s how I feel”. Non dice molto vero?

In generale, comunque, “King’s Disease II” prosegue l’opera di riabilitazione di Nas, malgrado si abbiano risultati inferiori al primo LP della serie. Peccato, perché se prescindesse da YKTV (che pare rubata a Future), il CD sarebbe davvero buono, con gli highlights Store Run e Moments. Nas indubbiamente svetta su basi più old style piuttosto che puntando su scenari trap, perché non insisterci maggiormente? Speriamo che il prossimo suo lavoro segua questa direzione; per ora godiamoci “King’s Disease II”, un altro tassello in una discografia incoerente ma mai prevedibile, nel bene come nel male.

Voto finale: 7.

LUMP, “Animal”

animal

Il duo formato da Laura Marling (apprezzata artista folk inglese) e Mike Lindsay (membro dei Tunng), giunto al secondo album, si conferma su buoni livelli. Prendendo spunto da generi come art pop e folktronica e da artisti del calibro di Bon Iver e Sufjan Stevens, i LUMP hanno scritto un album evocativo, che rappresenta un ottimo stop-and-go prima di tornare alle rispettive carriere.

Le dieci canzoni di “Animal” sono tenute insieme dalla voglia di sperimentare dei due cantautori: Laura Marling è più pop del solito, a tratti quasi funk, mentre Lindsay si lascia alle spalle le atmosfere indie dei Tunng per passare al pop più raffinato. Insomma, ognuno lascia da parte un pezzo di sé per entrare nei LUMP a pieno titolo: se il precedente “LUMP” (2018) poteva sembrare un esperimento fine a sé stesso, “Animal” ci fa capire che il duo è qui per restare, anche se solo come passatempo per due artisti ben incanalati in una buona carriera solista (Marling) o in un gruppo (Lindsay).

I pezzi migliori sono Red Snakes e l’avvolgente Phantom Limb, mentre delude un po’ la ripetitiva Climb Every Wall. Menzione speciale per i due intermezzi Hair On The Pillow e Oberon, che fanno ottimamente da collante tra le varie parti del disco.

In generale, la musica dei LUMP non è fatta per essere goduta dal pubblico più commerciale, tuttavia molte tracce del CD sono orecchiabili e quasi ballabili, tanto che il risultato complessivo è un album ambizioso ma mai troppo complicato. “Animal” conferma dunque il talento dei due membri del gruppo, integrando due discografie molto interessanti.

Voto finale: 7.

Isaiah Rashad, “The House Is Burning”

the house is burning

Il nuovo lavoro di Isaiah Rashad arriva ben cinque anni dopo “The Sun’s Tirade”, un periodo lunghissimo nel mondo della musica, specialmente per un rapper che pareva sull’orlo di diventare una star, aiutato da una scuderia di talenti come la Top Dawg Entertainment, tra le cui fila contiamo anche un certo Kendrick Lamar.

Invece Isaiah, per cinque anni, è praticamente sparito dalla vita pubblica: nessun singolo, nessun mixtape. Solo la speranza che lo avremmo ritrovato, prima o poi, e che la magia non sarebbe sparita. Beh, questo è vero solo parzialmente: Rashad è infatti fortunatamente tornato a produrre musica, ma i risultati sono solo in parte soddisfacenti.

In questi cinque anni, purtroppo, poco è filato liscio per il rapper americano: ha vissuto periodi di quasi povertà e in seguito è stato chiuso alcuni mesi in un rehab per disintossicarsi. Il primo verso del CD è in effetti davvero toccante, conoscendo queste vicende: “Just came back. See, I done been dead for real” (Darkseid).

L’esordio “Cilvia Demo” (2014) aveva fatto gridare al miracolo: pareva davvero di aver trovato un rapper sicuro di sé, con un flow invidiabile e basi magari retrò, ma mai troppo nostalgiche. Se “The Sun’s Tirade” aveva sostanzialmente confermato tutto questo, “The House Is Burning” si piega invece ad alcune mode del momento: la trap è dominante in alcuni featuring, su tutti quello con Lil Uzi Vert in From The Garden. Abbiamo poi momenti più R&B, come Claymore, mentre l’hip hop più classico è relegato a pezzi efficaci come RIP Young e Headshots (4r Da Locals), troppo pochi per rendere il lavoro davvero ottimo.

I risultati non sono da buttare, sia chiaro: “The House Is Burning” è tutto sommato un lavoro discreto, con momenti efficaci e collaborazioni di spessore che lo arricchiscono (basti citare Smino, Jay Rock e SZA, oltre al già menzionato Lil Uzi Vert). Tuttavia, i cinque anni di attesa ci avevano fatto sperare in un lavoro unico e imprescindibile. Peccato, sarà per la prossima volta; speriamo solo che non serva un altro lustro per avere un erede di questo disco.

Voto finale: 7.

Angel Olsen, “Aisles”

aisles

Vi siete mai chiesti come suonerebbe Gloria, la hit di Laura Barrigan poi interpretata anche da Umberto Tozzi, in chiave synthpop? Oppure una Forever Young come fosse una nuova canzone art pop? Beh, da oggi potrete farlo: “Aisles” è una raccolta di cinque cover di successi anni ’80 firmato da Angel Olsen. I risultati sono stranianti, ma l’EP è gradevole tutto sommato.

La scelta dei brani da reinterpretare, strano ma vero, è del tutto casuale: Olsen ha dichiarato che si tratta dei più popolari presso un supermarket in cui faceva spesa durante il lockdown pandemico. Pertanto, non aspettiamoci chissà quali messaggi dietro queste cover: la cantautrice americana voleva semplicemente divertirsi e intrattenere i suoi fan con canzoni di successo ma uscite in parte dall’immaginario pop collettivo.

“Aisles” arriva dopo due LP molto densi da parte di Angel Olsen: “All Mirrors” (2019) era un CD di pop maestoso e molto complesso, mentre “Whole New Mess” (2020) era la versione scarna delle canzoni che componevano “All Mirrors”. Un contrasto di stili non ignoto nella discografia di Angel Olsen: partita infatti dal folk minimale di “Strange Cacti” (2010), la nostra si era poi evoluta nel corso degli anni in una stella dell’indie rock, soprattutto in “My Woman” (2016). “Aisles” è pertanto da intendersi come una pausa e un omaggio ai fan da parte di Olsen.

La migliore cover è quella di Gloria, in cui la versione originale viene stravolta: molto più lenta, meno trascinante, ma anche più densa e arricchita dalla voce baritonale di Angel. Buona anche Eyes Without A Face, mentre la successiva Safety Dance è la peggiore delle cinque proposte dell’EP. If You Leave ci fa sentire una versione quasi dance della cantautrice, non disprezzabile ma nemmeno azzeccatissima. Infine, Forever Young è l’unica melodia piuttosto fedele all’originale.

In conclusione, “Aisles” non è un’opera destinata a cambiare radicalmente la discografia di Angel Olsen o la sua estetica: prendiamolo per quello che si propone di essere, un EP divertente e senza pretese.

Voto finale: 7.

Ty Segall, “Harmonizer”

harmonizer

Il nuovo album dell’instancabile Ty Segall arriva due anni dopo “First Taste”, un CD decisamente radicale per il garage rocker californiano: la chitarra era stata completamente messa da parte, in favore di strumenti eccentrici come il bouzouki. “Harmonizer” continua sul percorso sperimentale di “First Taste”, questa volta sul lato tastiere, con risultati altalenanti.

Due anni rappresentano una pausa piuttosto comune per i normali musicisti, se non fosse per l’assurda prolificità di Ty: il Nostro è stato capace nel 2012 e nel 2018 di produrre ben tre dischi di inediti a suo nome! Senza poi contare le collaborazioni, gli EP, i live e le raccolte di cover, che spesso arrivano a infarcire una discografia sterminata. Allo stesso tempo, va detto che la qualità era spesso sopra la media: dischi come “Manipulator” (2014) e “Freedom’s Goblin” (2018) sono fra i migliori del mondo garage rock degli ultimi anni.

“Harmonizer” si muove su terreni innovativi, ma su una base sempre riconoscibile: quel mix garage-psych rock che ha fatto la fortuna di Segall. A ciò aggiungiamo delle tastiere spesso taglienti e una chitarra tornata forte nel mix: i risultati non sono sempre convincenti, ma nei momenti migliori “Harmonizer” ci ridà fiducia nel talento del cantautore americano.

In effetti, tracce come la title track, Ride e Play sono fra le migliori dell’ultimo Ty Segall; invece Whisper e Changing Contours deludono. In generale, “Harmonizer” difficilmente verrà ricordato dai fan dell’americano tra i suoi migliori lavori; assieme a “First Taste”, tuttavia, apre dimensioni inesplorate per l’ancora giovane rocker, pronto a sguazzarci anche nel prossimo LP, probabilmente imminente.

Voto finale: 6,5.

Cosa ci eravamo persi?

Come ogni anno, c’è troppa buona musica da recensire. Ad A-Rock facciamo il massimo, ma è normale che qualcosa ci sfugga. Per questo motivo ogni estate pubblichiamo l’elenco dei dischi più interessanti usciti nei mesi precedenti e di cui non avevamo avuto il tempo di pubblicare una recensione. Il 2021 si caratterizza per la forte presenza dell’hip hop: abbiamo infatti i nuovi lavori di Mach-Hommy e di Benny The Butcher & Harry Fraud. Inoltre, recensiremo l’esordio del duo Lost Girls, del progetto coreano Parannoul e il remix di “NO DREAM” da parte di Jeff Rosenstock. Infine, abbiamo dato spazio ai nuovi lavori di Porter Robinson, dei SAULT e di Erika de Casier. Buona lettura!

SAULT, “Nine”

nine

Il quinto album in meno di tre anni del misterioso gruppo inglese SAULT è uno dei migliori CD di musica black del 2021. Uscito il 25 giugno e disponibile, sia in streaming che come download dal sito ufficiale del gruppo, per soli 99 giorni, “Nine” rende i SAULT un nome imprescindibile per gli amanti di soul, funk ed R&B.

Se l’anno scorso i britannici avevano pubblicato una densa coppia di album, intitolati “UNTITLED (Black Is) e “UNTITLED (Rise)”, con profondi significati politici, il 2021 li vede concentrati su affreschi di vita quotidiana nelle periferie di Londra. Il CD scorre bene, con durata (34 minuti) e numero di canzoni (dieci, con due intermezzi) accessibili a tutti. Fondendo abilmente il meglio della tradizione nera, con richiami a Marvin Gaye, Stevie Wonder e Kendrick Lamar, “Nine” è davvero un bel disco.

Anche liricamente i SAULT si confermano versatili e potenti: se nel brevissimo Mike’s Story l’ospite Micheal Ofo narra drammatici episodi della sua vita quotidiana da bambino, in Alcohol invece si parla degli effetti della dipendenza (“Oh alcohol, look what I’ve done… Oh alcohol, it was only supposed to be one”) e You From London ospita una Little Simz in gran forma, che spara versi come “I know killers in the streets, but I ain’t really involved. We don’t wanna cause any grief, but we get triggered when hearin’ the sound of police”.

Insomma, i SAULT restano tanto misteriosi quanto talentuosi. “Nine” rappresenta ad oggi il loro LP più compiuto, con tante tracce che restano impresse nella memoria dell’ascoltatore (soprattutto London Gangs e Bitter Streets) e nessun episodio davvero debole. In poche parole: stiamo parlando di uno dei migliori dischi dell’anno. Che dire? Affrettatevi ad ascoltarlo o a scaricarlo, ne vale davvero la pena.

Voto finale: 8.

Parannoul, “To See The Next Part Of The Dream”

to see the next part of the dream

L’opera prima del misterioso progetto coreano Parannoul è un disco shoegaze in bassa fedeltà. Pochissimi sanno chi ci sia dietro al nome d’arte Parannoul: di certo sappiamo solo che è uno studente di Seul, che si descrive “sotto la media in altezza, peso e prestanza fisica, un perdente”. Inoltre, descrive le sue doti canore come “pessime”. Insomma, tutto congiura contro Parannoul: ma allora come è possibile che “To See The Next Part Of The Dream” sia un buon disco shoegaze?

Partiamo dal fatto che, per i cultori della perfezione musicale, magari amanti dei My Bloody Valentine, questo CD non rientra nei canoni dello shoegaze. I suoni sono sporchi, la fedeltà molto bassa, la voce pressoché inintelligibile… allo stesso tempo, però, le progressioni chitarristiche della lunghissima White Ceiling (dieci minuti precisi!) e dell’iniziale Beautiful World catturano l’ascoltatore meno pignolo. I riferimenti sono chiari: Ride, Slowdive, i primi M83… ma il dream pop di Extra Story e la quasi post-hardcore Youth Rebellion sono outliers davvero interessanti, che aprono nuove strade a Parannoul.

Anche le liriche, seppur cantate in coreano, se tradotte sono molto profonde, spesso disperate: “I wish no one had seen my miserable self, I wish no one had seen my numerous failures, I wish my young and stupid days to disappear forever” ne è solo l’esempio più calzante (Beautiful World). Il malessere giovanile è subito percepibile, così come la cultura emo che permea molta parte del CD.

In conclusione, “To See The Next Part Of The Dream” è un buon LP, di quelli che fanno capire quanto Internet possa essere benefico. Chi avrebbe mai sentito parlare di Parannoul e di questo album senza Bandcamp, Spotify e co.?

Voto finale: 8.

Benny The Butcher & Harry Fraud, “The Plugs I Met 2”

The Plugs I Met 2

Il nuovo EP a firma Benny The Butcher continua la saga iniziata con “The Plugs I Met” (2019) e mette in copertina un altro fotogramma del leggendario film Scarface con Al Pacino. I temi sono chiari: la malavita, la durezza della vita di strada, episodi di morti legate allo spaccio di droga…

Potremmo paragonare questo lavoro ai recenti CD collaborativi fra Freddie Gibbs e Madlib: come il primo rapperebbe bene su qualunque base jazzata fornita dal fido produttore Madlib, così Benny è a suo agio con il gangsta rap e le basi dure di Harry Fraud. I risultati non saranno trascendentali, suonando anzi molto nostalgici per il rap anni ’90 di Snoop Dogg e Ice Cube, però il flow è efficace e i brani sono coesi fra loro.

Le numerose altre star presenti nell’EP, da French Montana a 2 Chainz, aggiungono pepe a “The Plugs I Met 2”, spesso con risultati quasi ilari, come quando Fat Joe riesce a far rimare “pipe dreams” con “Weinstein”… ma le perle testuali, se così vogliamo chiamarle, non sono finite. In Longevity Jim Jones canta: “If you a hustler in the street, well, here’s some candid advice: dope is an iPhone wet, to save it, you jam it in rice. But you probably never cooked up a thousand grams of the white”. Altrove abbiamo invece: “I thought about this rap shit and had to stick to the business. Changed my mind, he didn’t, now he doin’ 20 in Clinton” (Survivor’s Remorse). Infine, in Live By It, Benny The Butcher paragona la musica alle rapine: “A record deal will get you lit, but a robbery makes you super famous”.

In generale, Benny The Butcher è un vero gangster: spietato, feroce e privo di rimorsi. Che sia solo un atteggiamento oppure la sua vera vita, resta da vedere, come spesso nelle esistenze di alcuni rapper. “The Plugs I Met 2” non è il miglior disco hip hop dell’anno, ma piacerà agli amanti del rap vintage e dei thriller cinematografici. Tony Montana, da lassù, apprezzerà.

Voto finale: 7,5.

Lost Girls, “Menneskekollektivet”

lost girls

“Menneskekollektivet”, letteralmente “collettivo umano”, è il primo CD a firma Lost Girls, seguendo l’EP di esordio del duo formato dall’artista norvegese Jenny Hval e Håvard Volden, “Feeling” (2018).

Jenny ha recentemente pubblicato “The Practice Of Love” (2019), un album austero e capace di affrontare temi delicati per l’universo femminile come la mestruazione e la sensualità. In “Menneskekollektivet” pare quasi che lei dia sfogo ai suoi istinti più creativi, senza troppo curarsi di creare un prodotto finito coerente. Basti dire che il lavoro contiene un pezzo, la title track, di 12 minuti, mentre Love, Lovers supera addirittura i 15! Per completare il quadro, in Losing Something il duo affronta quasi un tour gastronomico, parlando tra le altre cose degli effetti di lattuga e cetrioli sulla psiche della cantante.

Come si sarà capito, la difficoltà di alcune composizioni e i testi spesso ironici o del tutto folli sono ostacoli per un ascolto da parte del pubblico di massa; allo stesso tempo, i motivi per amare il disco sono numerosi. Uno su tutti: la bella voce di Jenny Hval. Ma anche le canzoni, a metà fra Boards Of Canada e Bjork, a volte sono irresistibili: Carried By Invisible Bodies è ottima musica elettronica, la parte centrale della lunghissima title track è ipnotica… Peccato per alcuni episodi troppo prolissi, altrimenti il risultato complessivo sarebbe anche migliore.

In conclusione, “Menneskekollektivet” è un interessante esordio da parte di un duo strambo, ma mai creativamente in stallo. Lost Girls, mescolando elettronica con spoken word e art pop, è un nome di nicchia ma non da ignorare.

Voto finale: 7,5.

Porter Robinson, “Nurture”

nurture

Il secondo album del talentuoso musicista e produttore americano Porter Robinson si è fatto attendere ben sette anni. Tanto è infatti il tempo trascorso fra “Worlds” (2014) e questo “Nurture”: un tempo infinito nel panorama musicale odierno, sempre in cerca di nuove stelle e spietato con chi non è all’altezza di questa tendenza implacabile.

Porter Robinson, invece, ha attraversato periodi difficili, di forte depressione, e non sapeva come dare un seguito ad un album da tanti riconosciuto come molto influente sulla scena elettronica. “Nurture” è un lavoro interessante, variegato e fin troppo zuccheroso, ma ripetuti ascolti danno soddisfazione agli ascoltatori pazienti, soprattutto se amanti dell’EDM e del synthpop. Le influenze percepibili nel corso dell’album sono disparate: Troye Sivan, The 1975, addirittura Aphex Twin e M83 nelle parti più movimentate… insomma, una ricetta sonora davvero ricca, forse troppo.

Un aspetto da non trascurare, contando peraltro che siamo in territori prevalentemente elettronici e quindi di solito non adatti a messaggi profondi da punto di vista testuale, sono le liriche. Porter, infatti, non esita a mettersi a nudo e spesso in “Nurture” appaiono versi che sanno di rinascita: “Look at the sky, I’m still here… I’ll be alive next year. I can make something good” canta nell’euforica Look At The Sky. In Musician abbiamo un verso dal tenore simile: “I can feel a new day dawning”. Quello più bello è però contenuto nell’ultima canzone della scaletta, Trying To Fell Alive: “Maybe I don’t really need to feel satisfied, maybe it’s a gift that I spend all this time just trying to feel alive”.

Dicevamo che il CD alterna toni sereni (Look At The Sky, Get Your Wish) a composizioni ambient (Lifelike, Wind Tempos) e altre addirittura IDM (prova ne sia dullscythe). Ciò potrà apparire esagerato per alcuni, però l’incoerenza generale dell’album è prova dell’eclettismo di Robinson. Le migliori melodie sono Mirror e Wind Tempos, mentre deludono dullscythe e do-re-mi-fa-so-la-ti-do.

In conclusione, “Nurture” non è un LP perfetto: certo, buoni brani non mancano, ma anche i momenti inferiori si fanno sentire. Allo stesso tempo, l’ora di durata del CD non pesa troppo e ripetuti ascolti arricchiscono ogni volta il quadro proposto da Porter Robinson con nuovi dettagli. Per il momento godiamoci questo nuovo lavoro, sperando che per il prossimo non dovremo attendere altri sette anni.

Voto finale: 7,5.

Mach-Hommy, “Pray For Haiti”

pray for haiti

Il nuovo lavoro del prolifico rapper originario di Haiti è un buon lavoro hip hop, che mescola basi jazzate con liriche molto dettagliate, a volte ironiche ed altre drammatiche, che fanno di Mach-Hommy un nome da tenere d’occhio della scena rap.

L’estetica di Mach-Hommy si avvicina a quella di Earl Sweatshirt e in generale della scena hip hop più astratta e sperimentale: le canzoni sono numerose, spesso molto brevi, tanto che il CD conta ben sedici canzoni per soli 39 minuti. Questo è un vantaggio da un lato, dato che permette al Nostro di mettere in evidenza il suo camaleontismo, grazie anche a ospiti azzeccati (su tutti Westside Gunn). L’altro lato della medaglia è che il lavoro appare frammentato e non facilmente assimilabile.

Il tutolo del disco, “Pray For Haiti”, può far pensare a un album politico o comunque con temi sociali a fare da sfondo alle composizioni. Questo è solamente in parte vero: Mach-Hommy, infatti, alterna riflessioni in creolo, la lingua originaria di Haiti (Kriminel, Au Revoir) a pezzi più ironici, in cui ad esempio afferma a gran voce “Mach-Hommy is a icon, end quote… This gon’ be the year I get my python trench coat” (The 26th Letter) e si prende in giro da solo per l’estrema varietà stilistica del CD (“Next tape might hear me sliding on flamenco or calypso… maybe you should tip-toe”, Makrel Jaxon). I migliori brani sono Blockchain e No Blood No Sweat, mentre deludono The 26th Letter e Murder Czn.

In generale, “Pray For Haiti” non è un lavoro indimenticabile, tuttavia merita un ascolto, specialmente da parte degli amanti dell’hip hop, grazie alle sue basi vecchio stampo ma allo stesso tempo dinamiche e mai prevedibili. Mach-Hommy è un nome sempre più interessante, vedremo nei prossimi anni se il misterioso rapper haitiano tornerà a calcare territori conosciuti o se sperimenterà ancora.

Voto finale: 7.

Erika de Casier, “Sensational”

sensational

Il secondo disco a firma Erika de Casier la trova più matura rispetto all’esordio “Essentials” (2019). I titoli restano spavaldi, ma con un motivo: l’R&B della Nostra è molto curato e sexy, pur mancando di quella scintilla che rende un Frank Ocean o D’Angelo irrinunciabili.

La storia personale di Erika meriterebbe un film: nata in Portogallo da madre belga e padre di Capo Verde, trasferitasi in Danimarca con la famiglia all’età di 10 anni, lei e suo fratello erano gli unici ragazzini di colore in tutto il piccolo paese di Ribe, dove si erano stabiliti. La leggenda vuole poi che, durante gli studi universitari, Erika ascoltasse molta musica pop e R&B, imparando a cantare nel suo caratteristico sussurro per non disturbare i coinquilini.

Tutto questo per dire che le storie di amori non ricambiati o partner non gentili sono poco rispetto a quanto l’infanzia della Nostra è stata dura. Ad esempio, in Polite narra di un partner maleducato con il cameriere; in Insult Me sussurra “You insult me man” e ne fa un ritornello elementare ma espressivo. Infine, in Better Than That, Erika esclama “I already watched that TED Talk on how to let go”.

Musicalmente, Erika de Casier si conferma talentuosa, ma come già dicevamo il CD alla lunga risulta un po’ monotono: se i riferimenti a Sade e D’Angelo sono chiari ma non da plagio, alcuni momenti nella prima parte del lavoro, come Make My Day, risultano superflui e l’album avrebbe beneficiato di alcuni tagli. Ci piacerebbe poi ascoltarla più spesso cantare sopra basi più elettroniche (come in Someone To Chill With e Busy) o tropicali, si ascolti Better Than That.

Tuttavia, non si pensi che “Sensational” sia un flop. Non staremo certamente parlando di un LP sensazionale, come il titolo potrebbe far pensare; allo stesso tempo, l’ascolto del CD è consigliato agli amanti dell’R&B anni ’80 e ’90.

Voto finale: 7.

Jeff Rosenstock, “SKA DREAM”

ska dream

Il nuovo LP dell’instancabile Jeff Rosenstock è un remix dell’album dell’anno scorso, “NO DREAM”, in versione ska. Se nell’originale Jeff si schierava apertamente contro la società capitalistica su basi ansiose, spesso dure, “SKA DREAM” capovolge il paradigma e porta tutto sul terreno del divertimento.

Jeff Rosenstock è un nome importante della scena punk americana: è attivo da più di quindici anni; ha attraversato varie fasi musicali, dal punk al power pop allo ska, senza demeriti in alcun genere. Se i recenti “POST-” (2018) e “NO DREAM” indicavano una direzione musicale diretta al punk, “SKA DREAM” è un ritorno ai suoi esordi scanzonati.

I risultati, se era piaciuto il CD originale, sono gradevoli: certo, non parliamo di un capolavoro, ma probabilmente di un modo di omaggiare i maestri del passato anche con collaborazioni di livello, ad esempio George Clarke dei Deafheaven e i PUP. I migliori brani sono Leave It In The Ska e la meno frenetica The Rudie Of Breathing, mentre è fin troppo breve Monday At Back To The Beach.

In conclusione, “SKA DREAM” è un ottimo disco estivo, divertente e senza troppe pretese, perfetto per la spiaggia o i pomeriggi noiosi quando non si deve andare a scuola o a lavoro. Vedremo il prossimo LP di inediti dove condurrà l’infaticabile Jeff Rosenstock.

Voto finale: 7.

Billie Eilish ha fatto centro

billie eilish

Era il CD più atteso dell’estate e ha pienamente mantenuto le aspettative. “Happier Than Ever”, il secondo album della popstar più brillante del momento, fa di Billie Eilish non solo un nome imprescindibile per capire il pop contemporaneo, ma anche la più seria candidata alla palma di album dell’anno, anche in ottica Grammy, premio che lei ha già conquistato con il fulminante esordio “WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?” del 2019.

È difficile inquadrare il fenomeno Billie Eilish senza partire dalle sue origini: amante delle canzoni di Justin Bieber e delle altre popstar, la giovanissima Billie (intorno ai 13-14 anni) incomincia a postare le sue canzoni su Youtube e su Spotify. Il successo è immediato e il passaparola la porta a essere considerata una stella ancora prima di incidere un disco vero e proprio. L’EP “dont smile at me” (2017) è solo un antipasto prima dell’abbuffata di “WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?”, che la catapulta in una dimensione dove solo poche persone possono stare: adorata dai giovanissimi ma anche dai genitori più “progressisti”, amata dalla critica per le sonorità eterogenee rispetto al pop stereotipato che domina le classifiche, ma anche per i testi candidi sulle sue paure. Billie, infatti, non ha timore di parlare di istinti suicidi, visioni di amici seppelliti e mostri sotto il letto.

Il CD in realtà non è perfetto: ancora si respira una certa ingenuità in Billie e nel fratello Finneas, che produce tutti i suoi brani ed è spesso co-autore. Pezzi come Bad Guy e When The Party’s Over, tuttavia, sono irresistibili: specialmente il primo, ormai, è storia della musica. La ragazza con i capelli verdi, però, ha lasciato il passo ad un’altra incarnazione: capelli biondo platino, corpo non più nascosto sotto pesanti maglioni neri, in volto una malinconia evidente malgrado il titolo del lavoro, evidentemente ironico.

In effetti, c’è poco da stare allegri: il mondo è devastato da un anno e mezzo da una pandemia terribile, Billie è osservata costantemente da paparazzi in cerca di scoop o stalker che la inseguono ovunque vada, non può avere una relazione amorosa normale a causa della sua fama… Tutto questo affiora, in modo più o meno evidente, in “Happier Than Ever”.

happier than ever

Fin dall’introduttiva Getting Older, infatti, i temi portanti del CD sono messi in evidenza: il titolo annuncia una Billie Eilish più matura, che non rinuncia all’ironia, “Things I once enjoyed just keep me employed now” canta convintamente. In Your Power emergono invece i rapporti di abuso stabiliti da alcuni uomini a danno delle ragazze più giovani e spesso indifese: “She was sleeping in your clothes, but now she’s got to get to class… Does it keep you in control, for you to keep her in a cage?”. Altrove emerge l’ansia per il futuro tipica dei giovani (“Know I’m supposed to be with someone, but aren’t I someone?”, my future) e la paura che le vengano attribuite dicerie non veritiere (“Stop, what the hell are you talking about? Get my pretty name out of your mouth”, Therefore I Am). Il tema che spesso emerge è però quello dell’amore tradito, finito male: nella title track il suo ex la chiama ubriaco da una Mercedes, Male Fantasy vede Billie perplessa mentre guarda un video pornografico.

Musicalmente, il CD è un trionfo: Eilish esplora folk (Your Power, Male Fantasy), pop elettronico à la Grimes (Oxytocin), R&B (OverHeated), trip hop (NDA), ritmi latini (Billie Bossa Nova) e addirittura il rock in stile Mitski nella title track. In mezzo abbiamo altri esperimenti davvero sorprendenti: my future parte come un semplice brano pop ma poi evolve in un brano quasi funk, con retrogusto jazz. Discorso a parte per Oxytocin e I Didn’t Change My Number: sono i due pezzi che più si avvicinano al pop gotico e a tinte horror di “WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?”, con il primo destinato a diventare un successo anche live della Nostra. Gli unici brani inferiori alla media stratosferica del CD sono Halley’s Comet, prevedibile, e Not My Responsibility, un brano spoken word dal forte significato ma debole melodicamente.

Chi credesse ancora che Billie Eilish è solamente un fenomeno mediatico, destinato a sgonfiarsi presto, dovrà ricredersi: “Happier Than Ever” è un lavoro completamente diverso dall’esordio, che pure aveva conquistato molti. Non sarebbe stato un peccato mortale tornare a quelle atmosfere; invece la cantautrice americana si è superata, optando per un lavoro composito, dove le 16 canzoni tuttavia non appaiono mai in sovrannumero. Siamo di fronte ad una ragazza dal talento splendente: “Happier Than Ever” è ad oggi il più serio candidato a miglior album del 2021, per A-Rock ma prevedibilmente anche per molte altre pubblicazioni.

Voto finale: 9.

Recap: luglio 2021

Anche luglio è finito. Un mese solitamente riposante, con non troppi CD pubblicati dai cantanti più in voga. Beh, il 2021 è un’eccezione alla regola: A-Rock ha infatti recensito i nuovi, attesi lavori di Vince Staples e Dave. In più, troverete l’analisi dei nuovi EP a firma Tkay Maidza e Yves Tumor, del ritorno di Clairo e dei Darkside, oltre che del terzo album di Laura Mvula. Buona lettura!

Dave, “We’re All Alone In This Together”

dave

Avevamo lasciato Dave, il talentuoso rapper britannico di origine nigeriana, al successo dell’esordio “Psychodrama” (2019), che gli aveva fatto vincere il Mercury Prize e lo aveva reso una delle voci preminenti della nuova generazione inglese. Beh, tutta questa credibilità viene mantenuta, se non rinforzata, da “We’re All Alone In This Together”: un CD lungo, difficile, ma di infinita profondità e con testi sempre toccanti ed efficaci. Potremmo davvero essere di fronte al miglior rapper d’Oltremanica al momento.

Le 12 canzoni di “We’re All Alone In This Together” sono variegate, possono contare su ospiti di spessore internazionale come James Blake e Stormzy… e allo stesso tempo creano un album di altissimo replay value. Passiamo dalla durezza di Verdansk ai ritmi quasi tropicali di System (con Wizkid) alla trap accennata di Clash (che vanta Stormzy), con le perle delle monumentali cavalcate Both Sides Of A Smile e Heart Attack, la prima di circa otto minuti e la seconda lunga quasi dieci!

Anticipavamo che il CD non è di immediata assimilazione, anche per i temi trattati da Dave: nei testi possiamo infatti ritrovare riferimenti alla vita degli immigrati di origine jugoslava costretti a emigrare nel Regno Unito durante la guerra degli anni ’90, così come la denuncia della maggiore ingiustizia mai patita da immigrati in terra inglese (rimpatriare nei Caraibi delle persone che avevano diritto di stare Oltremanica, privandoli dei loro averi e delle loro case). A chiudere il quadro, nell’introduttiva We’re All Alone il rapper parla di istinti suicidi sia per sé stesso che per il ragazzo con cui dialoga nel corso del brano, mentre nel pezzo finale Survivor’s Guilt si mette a piangere a causa di un attacco d’ansia… Del resto, da colui che aveva immaginato il suo esordio come la confessione di uno psicopatico non potevamo aspettarci di meno.

In conclusione, la ricchezza di significati e di sonorità fanno di “We’re All Alone In This Together” un album imprescindibile per gli amanti dell’hip hop. Dave si candida come re dello scenario rap britannico e, chissà, a sfondare anche in altre parti del mondo. La cosa più incredibile è che non si può essere sicuri che abbia raggiunto il picco delle proprie qualità: che si sia di fronte al nuovo Kendrick Lamar? La risposta al prossimo CD. Per ora godiamoci questo LP, ad oggi miglior prodotto hip hop dell’anno.

Voto finale: 8,5.

Laura Mvula, “Pink Noise”

pink noise

Il fascino degli anni ’80 è davvero infinito. The 1975, Dua Lipa… tanti sono gli artisti che recentemente hanno pubblicato lavori che si rifacevano a estetica e sonorità di quella decade magica per la musica pop. Il terzo CD di Laura Mvula, artista inglese come i due citati precedentemente, è un altro esempio di passione per gli anni della Milano da bere, questa volta sul versante R&B.

“Pink Noise” giunge cinque anni dopo il precedente “The Dreaming Room” e pochi mesi dopo “1/f-E.P.”, il quale remixava tracce del suo passato in chiave nuova, mostrando una Laura Mvula più sicura di sé. Il nuovo lavoro costruisce abilmente su questa ritrovata voglia di emergere, con canzoni ballabili e sexy, la voce di Laura in primo piano e strumentazione quasi sempre al top.

I risultati non cambiano la storia della musica e suonano un po’ nostalgici, ma complessivamente “Pink Noise” è molto gradevole ed ha buon replay value. Fra i brani migliori abbiamo sicuramente Safe Passage e l’irresistibile Church Girl, invece inferiore alla media Golden Ashes. Michael Jackson (Got Me) e Prince (Safe Passage) sono chiari riferimenti, ma la Mvula riesce a non suonare monotona malgrado i diversi rimandi a questi due giganti.

In generale, Laura Mvula si conferma nome interessante nella scena musicale moderna. Da un lato abbiamo un’ottima voce e una flessibilità in termini di generi affrontati in carriera che la fanno passare agilmente dal pop all’R&B alla dance; contemporaneamente, però, il successo non l’ha ancora baciata, viene quasi da pensare che la sua dimensione sia questa. Vedremo in futuro, per ora godiamoci questo “Pink Noise”, CD non certo fondamentale ma graditissimo agli amanti del pop anni ’80.

Voto finale: 7,5.

Tkay Maidza, “Last Year Was Weird Vol. 3”

last year was weird 3

Il nuovo EP a firma Tkay Maidza trova l’artista ormai pronta a spiccare il volo. Se il primo episodio della serie, nel 2018, era una prova ancora acerba, sia il secondo volume (2020) che il presente lavoro sono maturi, ricchi di hit e momenti davvero riusciti.

L’esplosione sulla scena australiana, terra natia di Maidza, era già avvenuta nell’ormai lontano 2016, con l’album di esordio “Tkay”. Tuttavia, la Nostra si è successivamente eclissata per ritornare con un sound diverso: meno pop, più aperto a sperimentare con R&B e hip hop. Il risultato sono degli EP imprevedibili e fin troppo pieni di influenze per essere catalogati.

Si sentano a tal proposito Eden e Syrup: se il primo è un buon pezzo R&B con inserti hip hop, Syrup è rap duro, sperimentale, che pare preso da “Yeezus” o un CD di Timbaland. Kim è invece ispirata a Nicky Minaj. Tuttavia, ciò non intacca il risultato finale: “Last Year Was Weird Vol. 3”, titolo davvero azzeccato va detto, è infatti un lavoro che ci presenta un’artista davvero talentuosa.

Liricamente, capiamo che Tkay è ben conscia delle sue qualità: “I been going hard and I ain’t slept… And they ain’t even know it, I’m a threat” rappa fiera in Kim, mentre altrove la sentiamo dire “I want it all, can’t apologize. I’ll take the cake and the kitchen knife” (Syrup). Invece in Cashmere esce il suo lato ferito, probabilmente da una relazione finita male: “And when I wanted your wisdom you just gave me a reason to put a hole in your chest”.

In conclusione, tutta questa differenza fra un brano e l’altro per alcuni sarà un’opportunità di vedere Tkay Maidza all’opera in scenari diversi, per altri un limite: diciamo che lei è brava a giostrarsi sia nei brani più intensi che in quelli più intimi. Probabilmente in futuro sarà meglio per lei concentrarsi su un solo versante, per adesso godiamoci uno dei migliori EP del 2021.

Voto finale: 7,5.

Darkside, “Spiral”

spiral

La creatura di Dave Harrington e Nicolas Jaar sembrava destinata al dimenticatoio, dopo il meraviglioso “Psychic” del 2013, inserito da A-Rock nella lista dei migliori album della scorsa decade con pieno merito. Il chitarrista americano si era dato a collaborazioni di alto profilo e album solisti, mentre il produttore cileno aveva continuato una carriera di successo.

Invece, contro ogni previsione, qualche mese fa arrivò l’annuncio: i Darkside sarebbero tornati con il nuovo CD “Spiral” nel corso del 2021. I singoli che hanno anticipato il lavoro, da Liberty Bell a The Limit, avevano reso chiara una cosa: nel bene come nel male, “Spiral” avrebbe seguito i sentieri creati da “Psychic”.

Non che questi ultimi fossero ristretti: il lavoro infatti passava dall’elettronica all’art rock, con influssi disco e prog di incredibile fascino. I nove brani di “Spiral” si inseriscono abilmente in questa traiettoria sperimentale ma non fine a sé stessa, perdendo l’effetto sorpresa dell’esordio ma guadagnando in coerenza fra un brano e l’altro.

Se liricamente il progetto resta molto vago nei contenuti, come peraltro ci aspetteremmo da un disco prevalentemente di musica elettronica, non mancano i brani comunque evocativi. I migliori sono Liberty Bell e Lawmaker; da sottolineare gli otto minuti di Inside Is Out There, quasi à la Can con il loro incedere krautrock. Invece inferiore alla media The Question Is To See It All.

In generale, forse da un progetto che mette insieme due menti finissime come Harrington e Jaar era lecito attendersi qualcosa di ancora più radicale e innovativo. Tuttavia, “Spiral” resta un buon lavoro, non travolgente come “Psychic” ma comunque meritevole almeno di un ascolto.

Voto finale: 7,5.

Clairo, “Sling”

sling

Claire Cottrill, meglio conosciuta col nome d’arte Clairo, ha fatto la stessa mossa che Bruce Springsteen ha effettuato con “Nebraska” (1982) e Taylor Swift con la coppia “folklore”-“evermore” (2020): pubblicare un disco folk, intimo e privo dei singoli che hanno reso quegli artisti delle leggende del rock e del pop.

“Sling” è quindi una mossa coraggiosa da parte di una giovane artista diventata virale grazie a Youtube e all’esordio “Immunity” (2019), infarcito di brani indie pop accattivanti e candidi nelle loro liriche. Il nuovo lavoro si allontana radicalmente da “Immunity”, privilegiando melodie raccolte, minimali, con testi più maturi ma non meno onesti.

I richiami non sono più Lorde e la prima Taylor Swift (anche se la neozelandese è ospite del singolo Blouse), quanto Joni Mitchell e Carole King: più gli anni ’70 del ‘900 dei 2000, quindi. Non tutto fila liscio (sentirsi la monotona Joanie), ma nei momenti migliori “Sling” fa vedere una giovane donna eclettica e pronta ad entrare nei cuori degli amanti del cantautorato: basti sentirsi Just For Today e Amoeba.

Allo stesso tempo, come già detto, le liriche di Clairo fanno un passo avanti in termini di maturità: in Blouse canta dell’abuso maschile, soprattutto da parte delle cosiddette “figure di riferimento” che spesso tali non sono (“Why do I tell you how I feel when you’re just looking down the blouse?”). In Management parla della stanchezza mentale causata dalla pressione dell’industria discografica, ma in terza persona: “She’s only 22” dice un commentatore anonimo. Infine in Bambi emerge la tristezza e la solitudine che tutti o quasi abbiamo patito nell’ultimo anno e mezzo: “But what if all I want is conversation and time?”

In conclusione, il tono del CD non è dei più invitanti per gli amanti della prima versione di Clairo, quella più pop e sbarazzina. La giovane Cottrill è cambiata, almeno in “Sling”: se sia per il meglio probabilmente lo vedremo nel prossimo LP. Per adesso godiamoci questo album, non perfetto ma utile per aprire nuove opportunità per la cantautrice americana.

Voto finale: 7.

Yves Tumor, “The Asymptotical World”

the asymptotical world

Yves Tumor si conferma artista imprevedibile e in continua evoluzione. L’EP “The Asymptotical World” è infatti un prodotto decisamente commerciale per colui che ci aveva abituato ai suoni dissonanti e all’elettronica degli esordi, specialmente “Serpent Music” (2016). Se già il precedente CD “Heaven To A Tortured Mind” aveva anticipato un rock più accessibile, quasi glam in certi aspetti, questo breve lavoro scava ancora più a fondo nella parte mainstream di Yves e lo candida come potenziale rockstar del futuro.

Jackie, primo singolo e apertura dell’EP, è anche il brano migliore: chitarra in primo piano, voce di Tumor praticamente senza effetti e ritmo trascinante. Se qualcuno volesse una prova della “commerciabilità” dell’artista Yves Tumor, eccola qua. Anche la successiva Crushed Velvet è molto interessante, con ritornello raffinato davvero ammaliante. La seconda parte del lavoro invece contiene pezzi inferiori: soprattutto Tuck, malgrado la collaborazione del duo industrial Naked, è davvero mediocre.

L’amore è il tema preponderante del lavoro (“We can go wherever, I don’t have a favorite spot. I just wanna look you in the eye”, Crushed Velvet); non sempre però quello tipico delle canzonette pop, quanto piuttosto un amore torturato e sempre sul punto di crollare. Ne sia esempio questo verso: “How can I miss you if you won’t go away?”, in Secrecy Is Incredibly Important To The Both Of Them. Altrove abbiamo addirittura delle evirate verso l’horror: “I feel myself growing big and hard inside you” canta Yves in Tuck.

In conclusione, “The Asymptotical World” è un EP interessante, che denota una volontà indagatrice da parte del Nostro mai sazia. Non sempre i risultati sono perfetti, ma la mutazione da artista sperimentale a rockstar di Yves Tumor procede a gonfie vele. Non vediamo l’ora di ascoltare il suo prossimo LP vero e proprio.

Voto finale: 7.

Vince Staples, “Vince Staples”

vince staples

Il nuovo CD del rapper americano, prodotto da Kenny Beats, è un altro brevissimo lavoro. Seguendo un mini-album come “FM!” (2018), era lecito aspettarsi un formato diverso da Staples, che invece prosegue sulla stessa scia. I risultati, però, questa volta non sono buoni come in passato.

Ricordiamo che Vince Staples è stato uno dei nomi più interessanti del panorama hip hop degli anni ’10: fin dall’EP “Hell Can Wait” del 2014, proseguendo con gli ottimi album “Summertime ‘06” (2015) e “Big Fish Theory” (2017), il suo nome è circolato tra quelli dei più talentuosi rapper della sua generazione. Purtroppo, l’omonimo quarto LP della sua produzione è anche il suo più debole fino ad oggi.

Vince, nel cantare, pare quasi annoiato: la voce è molle, la basi sono curate, ma nessuna ruba l’occhio. Se pensiamo allo sperimentalismo di “Big Fish Theory” o ai crudi racconti posti su basi altrettanto cupe del magnifico “Summertime ‘06”, la differenza è palese. Se liricamente il Nostro è sempre abile a mescolare fatti di vita dura, di strada, con scherzi e ironia, dal punto di vista estetico il CD è solo a tratti godibile.

Ci sono infatti momenti intriganti, come la base à la James Blake di LAW OF AVERAGES e ARE YOU WITH THAT?, ma la maggior parte delle canzoni sono troppo brevi e simili tra loro per fare una reale impressione nel pubblico. Da contare poi che, in un lavoro già molto stringato, abbiamo anche due intermezzi, THE APPLE & THE TREE e LAKEWOOD MALL, che riducono ancor di più il replay value.

In conclusione, sicuramente “Vince Staples” è un lavoro minore del rapper originario di Compton e cresciuto a North Long Beach. Tuttavia, ci aspettiamo di più da lui la prossima volta: il CD non è brutto, è semplicemente molto inferiore alla media a cui Staples ci aveva abituato.

Voto finale: 6,5.

Tyler, The Creator non tradisce

tyler the creator

Il 25 giugno 2021 è stato il venerdì più ricco di buona musica degli ultimi tempi. Tyler, The Creator; Faye Webster; Doja Cat; Lucy Dacus… e l’elenco potrebbe continuare. Tuttavia, Tyler merita un’attenzione particolare, data la sua incredibile evoluzione da rapper provocatore e volgare ad animo sensibile e aperto verso il pubblico. Vediamo come il suo nuovo lavoro “CALL ME IF YOU GET LOST” si inserisce in questa progressione artistica.

Tyler, The Creator, “CALL ME IF YOU GET LOST”

call me if you get lost

Tyler Gregory Okonma (questo il vero nome del Nostro) ha riesumato, con questo suo nuovo CD, alcuni tratti della sua prima parte di carriera. Se sia “Flower Boy” (2017) che “IGOR” (2019) avevano flirtato con il neo-soul, questo “CALL ME IF YOU GET LOST” è decisamente più hip hop. Anche i testi fanno i conti con il giovane Tyler, The Creator: in MASSA esclama “Yeah, when I turned 23 that’s when puberty finally hit me, my facial hair started growing, my clothing ain’t really fit me… See, I was shifting, that’s really why Cherry Bomb sounded so shifty”.

In effetti, “Cherry Bomb” (2015) è visto da molti come il peggior disco della sua produzione, confuso e prolisso; ma forse è stato proprio quello che gli ha fatto capire che anche il talento, se non addomesticato, non serve a nulla. Tyler, da quel momento, si è dedicato a rifarsi un’immagine pubblica più pulita e a puntare tutto sulla musica e non sulle provocazioni.

Il rapper omofobo e volgare delle origini lasciò il posto, in “Flower Boy”, a un ragazzo fragile, capace di confessare di avere avuto esperienze omosessuali in passato. Un cambiamento radicale, che fece bene anche alla sua musica, definitivamente sbocciata con “IGOR”, con tanto di Grammy vinto. “CALL ME IF YOU GET LOST” rappresenta un altro buon lavoro in una discografia sempre più interessante.

Per il nuovo lavoro, Tyler si serve anche di collaboratori di spessore: DJ Drama compare in molte canzoni, mentre Pharrell Williams e Lil Uzi Vert sono ospiti della potente JUGGERNAUT. Abbiamo poi Lil Wayne, uno dei riferimenti del giovane Tyler Okonma, in HOT WIND BLOWS e Domo Genesis, ex collega della Odd Future, in MANIFESTO. Tuttavia, questi ospiti non offuscano mai la figura principale, che nel corso del CD assume l’identità di Sir Baudelaire, come dichiara nell’omonima traccia iniziale, in omaggio al poeta dei “Fiori Del Male”.

Liricamente, come già accennato, Tyler continua a mostrare lati del suo carattere che, fino a “Wolf” (2013), ci erano del tutto sconosciuti. Ad esempio, in MANIFESTO analizza l’impatto delle sue azioni in chiave antirazzista sopra una base che pare presa in prestito da Kendrick Lamar: “Hit some protest up, retweeted positive messages, donated some funds… Am I doing enough or not doing enough?”. In MASSA confessa che sua madre, nel 2011, viveva in un rifugio. Invece, in WILSHIRE, emerge una storia d’amore con una ragazza fidanzata con un suo amico: i tormenti di Tyler sono evidenti, a un tratto pare pronto a sacrificare l’amicizia, subito dopo si pente e rinuncia all’amore… Insomma, confessioni a cuore aperto da parte sua (e inevitabili pettegolezzi sul fatto se la storia sia vera o meno).

Dicevamo che il rap la fa da padrone in “CALL ME IF YOU GET LOST”: i singoli di lancio, da LUMBERJACK a WUSYANAME, vanno fortemente in questa direzione. Tuttavia, allo stesso tempo, il Tyler più pop di “IGOR” non viene totalmente sacrificato: i due brani più ambiziosi, SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE e WILSHIRE, sono R&B di qualità. Questa varietà alle volte è confusionaria, ma i risultati generali sono ottimi.

La struttura del lavoro è davvero particolare: abbiamo una canzone che supera gli otto minuti, un’altra che quasi arriva a dieci! Ma poi allo stesso tempo contiamo numerosi intermezzi e brani che sembrano solo abbozzati… Insomma, una creatività incontenibile, non sempre efficace ma mai fine a sé stessa.

Dei pochi brani che superano i tre minuti di durata, i migliori sono MASSA e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE; buona anche LEMONHEAD. Invece sotto le attese RISE!.

In conclusione, il CD è un altro passo avanti per un artista imprescindibile se si vuole comprendere lo scenario hip hop contemporaneo. Tyler, The Creator si conferma cantautore maturo e baciato dal talento: il successo di pubblico e critica che ultimamente sta avendo è meritato. “CALL ME IF YOU GET LOST”, ad oggi, è il miglior LP di black music del 2021.

Voto finale: 8.

Recap: giugno 2021

Anche giugno è terminato. Un mese davvero pieno di uscite interessanti: ad A-Rock abbiamo avuto molto da fare per tenere traccia di ognuna. Abbiamo recensito i nuovi, attesi dischi dei Wolf Alice e di Japanese Breakfast. In più, abbiamo analizzato l’ennesimo CD a firma King Gizzard & The Lizard Wizard, il ritorno di MIKE e il primo greatest hits dei Noel Gallagher’s High Flying Birds. Infine, abbiamo valutato il terzo LP a firma Lucy Dacus e il quarto di Faye Webster. Buona lettura!

Wolf Alice, “Blue Weekend”

blue weekend

Reduci dal grande successo di “Visions Of A Life” (2017), che li ha portati a vincere il primo Mercury Prize della loro giovane carriera, i Wolf Alice hanno cercato di cambiare leggermente una formula davvero efficace.

In passato li abbiamo sentiti sia nella loro versione più grunge, soprattutto nell’esordio “My Love Is Cool” (2015), che flirtare con lo shoegaze (nel già citato “Visions Of A Life”). L’ingrediente principale era però sempre stato un indie rock sbarazzino, con chiari riferimenti agli anni ’90, con la bella voce della frontwoman Ellie Rowsell a fare da collante.

“Blue Weekend” è un CD molto personale, anche e soprattutto nelle liriche, che spesso evocano rapporti amorosi del passato o l’importanza di esprimersi liberamente. Esemplare il seguente verso, in The Last Man On Earth: “Every book you take that you dust off from the shelf has lines between lines between lines that you read about yourself”, oppure questa frase, da No Hard Feelings: “It’s not hard to remember when it was tough to hear your name, crying in the bathtub to ‘Love Is A Losing Game’”. Ciò non va a discapito della spontaneità delle canzoni: Smile e The Beach II sono ottimi pezzi, con ritornelli che entrano nella testa dell’ascoltatore e non la lasciano più.

Sono altre però le sorprese: The Last Man On Earth è un grandioso pezzo pop, che evoca addirittura David Bowie e, fra le artiste emerse più recentemente, Weyes Blood. Abbiamo poi il folk di Safe From Heartbreak (if you never fall in love), in cui il batterista Joel Amey affianca la Rowsell nel canto. Invece, in Play The Greatest Hits, il bassista Theo Ellis è assoluto protagonista con una linea di basso davvero irresistibile. Tuttavia, è sempre Ellie Rowsell la protagonista: la sua voce assume diverse connotazioni, che si tratti di momenti più intimi (dolce in The Last Man On Earth) o più trascinanti (tiratissima in Play The Greatest Hits).

In conclusione, “Blue Weekend” non scrive la storia della musica: i rimandi al rock alternativo degli anni ’90, dalla prima Alanis Morissette a Liz Phair, sono chiari. Tuttavia, è un piacere seguire l’evoluzione dei Wolf Alice e cercare di capire dove andranno a cadere nel loro prossimo lavoro. Il successo che li ha baciati in passato e, siamo sicuri, tornerà a far riempire loro i palazzetti di tutta Europa, è meritato.

Voto finale: 8.

Lucy Dacus, “Home Video”

home video

Il terzo album a firma Lucy Dacus è un altro passo avanti in una discografia sempre più ricca. Dopo l’esordio raccolto di “No Burden” (2016) e il magnifico “Historian” (2018), questo lavoro è una svolta in direzione quasi pop. I pezzi sono più brevi e con ritornelli più accattivanti; non per questo, tuttavia, bisogna concludere che Lucy si sia “venduta”, contando anche i temi affrontati nel corso di “Home Video”.

Fin da subito, sulla stampa e fra i fans si sono scatenati i parallelismi con “Punisher”, il CD uscito l’anno passato e che ha fatto dell’amica Phoebe Bridgers un nuovo pilastro del mondo indie, con tanto di candidatura ai Grammy. In effetti, le somiglianze fra i due sono numerose: il sound è indie rock con occasionali episodi folk, i temi trattati sono intimi e personali… Allo stesso modo, alcuni esperimenti della Dacus fanno di “Home Video” un LP autonomo e non indebitato con alcuna delle giovani donne che stanno rivoluzionando l’indie rock (basti citare, oltre a Phoebe Bridgers, anche Julien Baker e Courtney Barnett).

Dicevamo che Lucy affronta il proprio passato nel corso del CD: la sua gioventù non è stata semplice, essendo stata cresciuta a Richmond, in Virginia, da una famiglia conservatrice e molto religiosa, lei che da bisessuale è sempre stata nel mirino dei più intransigenti. L’iniziale, bellissima Hot & Heavy contiene il seguente verso: “You used to be so sweet, now you’re a firecracker on a crowded street”; invece VBS contiene una profezia fatta da un sacerdote, “A preacher in a t-shirt told me I could be a leader”. Tuttavia, nella stessa canzone la sua figura è ambivalente: “All it did, in the end, was make the dark feel darker than before”.

Il lavoro, nella sua onestà, a volte è davvero toccante, così come le melodie: oltre la già citata Hot & Heavy, ottime anche First Time e Thumbs. Invece inferiori alla media Partner In Crime, in cui Lucy sperimenta addirittura l’uso dell’autotune, con risultati controversi, e Christine.

In conclusione, “Home Video” è un CD molto nostalgico, in cui i ricordi dell’infanzia e della gioventù sono presentati in tutta la loro crudezza da una Lucy Dacus mai così aperta. Speriamo che il disco abbia, come “Punisher”, i riconoscimenti che merita. La cantautrice americana, infatti, si conferma tra le migliori nel suo genere e rafforza il suo status di ragazza prodigio.

Voto finale: 8.

Japanese Breakfast, “Jubilee”

jubilee

Il terzo album a firma Japanese Breakfast trova Michelle Zauner in un mood decisamente più ottimista e positivo rispetto al passato. Stiamo parlando di una giovane donna che aveva affrontato nel suo esordio, “Psychopomp” del 2016, il dolore seguito alla morte di cancro della madre nel 2014. “Jubilee” invece è stato espressamente composto per il periodo (almeno apparente) di fine pandemia.

Il genere dominante infatti è un pop radioso, divertente e ballabile: ne sono chiari esempi Be Sweet e Slide Tackle, riuscite canzoni che richiamano gli anni ’80 e l’indie pop più recente. Altrove, va detto, il tono è più cupo: soprattutto nella parte finale del lavoro, infatti, Michelle ritorna ai toni più raccolti del passato, si ascolti ad esempio Tactics.

È interessante che in soli 37 minuti la Nostra sia in grado di passare senza problemi dal pop più danzereccio a quello da camera: pur mantenendo intatti i canoni estetici del progetto Japanese Breakfast, infatti, Zauner riesce ad ampliare i confini estetici del progetto e a suonare innovativa in un mondo frequentato come l’indie.

Liricamente, dicevamo, Michelle evita di parlare di fatti tragici come in passato, ma non rinuncia a testi pungenti: in Savage Good Boy la sentiamo evocare un mondo sinistro, in cui un colonizzatore spaziale cerca scampo dall’imminente apocalisse: “I want to make the money until there’s no more to be made… And we will be so wealthy I’m absolved from questioning”. Altrove invece analizza l’effetto che le luci della ribalta hanno sul nostro atteggiamento: “How’s it feel to be at the center of magic?” chiede provocatoriamente nell’iniziale Paprika.

I momenti genuinamente belli non mancano: oltre alle già citate Be Sweet e Slide Tackle, da sottolineare la coda strumentale di Posing In Bondage, davvero ipnotica. Meno riuscita Savage Good Boy, ma non rovina un quadro generale molto affascinante.

In conclusione, “Jubilee” è un perfetto CD post-Covid: ballabile, godibile ma non sfrenato, come richiede l’attuale momento. È inoltre ad oggi il disco più riuscito a firma Japanese Breakfast, pronta a spiccare il volo e diventare un volto insostituibile nello scenario indie pop.

Voto finale: 8.

MIKE, “Disco!”

disco!

Il ritorno del giovane rapper americano lo vede finalmente provare ad andare avanti dopo la tragica morte della madre, avvenuta due anni fa e rappresentata con crudo realismo nei due precedenti lavori “tears of joy” (2019) e “Weight Of The World” (2020). La prolificità di MIKE non deve ingannare: stiamo parlando di un allievo di Earl Sweatshirt e una delle maggiori promesse nell’ambito del rap sperimentale.

“Disco!” è un titolo in realtà ingannevole: è vero, il CD è più ottimista dei passati lavori del Nostro e introduce temi nuovi rispetto alla morte e alle riflessioni tipiche di MIKE, però non si avvicina lontanamente alla musica elettronica. Le basi restano jazzate, a volte astratte; MIKE continua a rappare incessantemente… pertanto, nessuna reinvenzione radicale. Allo stesso tempo, come dicevamo, il disco introduce degli aspetti del carattere dell’artista newyorkese che non conoscevamo.

Una delle liriche di maggior impatto infatti è: “You flexing just to stick out, I flex because of great genes”, contenuta in Crystal Ball. In Aww (Zaza), MIKE è ancora più chiaro: “Struggling? Hmm, nah, but I’m recovering”. Sprazzi di spavalderia e serenità, dunque, subito affiancati da pensieri più pessimisti: “Sometimes I thought to take the losses as a gift, ’cause only death will show you how to live, right?”, da Leaders Of Tomorrow (Intro). I brani più convincenti sono Alarmed! e Spiral/Disco (Outro), mentre è monotono at thirst sight by Assia. Da menzionare infine la bellissima base di World Market (Mo’ Money). In realtà, “Disco!” può quasi essere inteso come un’unica lunga suite, data la grande coesione e coerenza fra un pezzo e l’altro.

In conclusione, il lavoro aggiunge ulteriore spessore a una figura, quella di MIKE, già attenzionata da molte pubblicazioni specialistiche, non ultima A-Rock. Il rapper newyorkese ha mostrato una volta di più il suo talento: “Disco!” potrebbe addirittura essere il suo album più riuscito.

Voto finale: 8.

King Gizzard & The Lizard Wizard, “Butterfly 3000”

butterfly 3000

Il diciottesimo album in dieci anni a firma King Gizzard & The Lizard Wizard (nessun errore di battitura, è proprio così) è una piacevole rinfrescata in un sound che ne aveva davvero bisogno. Se nei due precedenti LP “K.G.” (2020) e “L.W.” (2021) i Nostri erano stati accusati di ripercorrere strade ben note, con risultati non sempre all’altezza, “Butterfly 3000” rinuncia allo psych-rock per toni molto più sereni e un synthpop davvero inatteso.

Il disco non è stato anticipato da alcun singolo e il marketing è stato ridotto all’osso: mosse strane per Stu Mackenzie & co., che fanno di “Butterfly 3000” un outlier davvero interessante. Concepito per essere ascoltato come un’unica suite, il lavoro suona fresco, curato e finalmente aperto a nuove influenze. Fin dall’apertura di Yours capiamo che qualcosa è cambiato: i toni apocalittici visti in “Murder Of The Universe” (2017) o in “Infest The Rats’ Nest” (2019) sono abbandonati, per far posto a riflessioni sul mondo dei sogni e i suoi effetti sulla quotidianità della band, su una base tranquilla.

Prova ne sia il ritornello della dolce Dreams: “I only wanna wake up in my dream… I only feel alive in a daze”. Anche altrove si propongono visioni oniriche, come in Blue Morpho e Interior People. I brani migliori sono proprio Blue Morpho e Catching Smoke, mentre è un po’ sotto la media Black Hot Soup, troppo lunga.

In un periodo di relativa tranquillità, sentire anche un gruppo di solito visionario come i KG&TLW addolcire i toni fa piacere. Pur essendo stato concepito durante i lockdown pandemici, “Butterfly 3000” è un ottimo lavoro per celebrare il ritorno alla vita, che sembra davvero vicino (speriamo).

Voto finale: 7,5.

Faye Webster, “I Know I’m Funny ahah”

Faye Webster

Il quarto CD della giovane cantautrice continua il percorso iniziato con il precedente “Atlanta Millionaires Club” (2019): un folk calmo e rilassato, che si interseca con elementi country e R&B, per un’esperienza mai trascinante, ma allo stesso tempo rasserenante.

Quell’ahah inserito nel titolo è davvero interessante: se a una prima lettura può suonare pretenzioso o fintamente snob, in realtà Faye con questo intercalare molto comune nei social network e nelle chat vuole sottolineare l’ambivalenza dei nostri comportamenti quotidiani, specialmente dopo (o durante) una pandemia. Alle volte diciamo “piango” quando in realtà ridiamo a crepapelle; altre “ahah” sta per “ma chi vuol far ridere questo?”: Faye Webster cattura abilmente queste nostre idiosincrasie.

Il CD, da parte sua, accompagna queste analisi e le battute della Webster con un ritmo costante, mai troppo accelerato e più spesso anzi rallentato. L’iniziale Better Distractions esprime la sensazione di noia che tutti abbiamo provato almeno una volta in questo ultimo anno e mezzo: “I tried to eat, I tried to sleep, but everything seems boring to me… I don’t know what to do”. Nella title track mostra il lato più ironico del suo carattere: parlando della sorella dice al suo partner “I made her laugh one time at dinner. She said I’m funny and then I thanked her, but I know I’m funny haha”. Infine, A Stranger contiene il verso più triste del lotto: “You know, I used to love getting bored. But now, without you, I have so much time to think there’s nothing to think about anymore”.

In generale, “I Know I’m Funny ahah” non è un capolavoro fatto e finito: alle volte i ritmi sono fin troppo monotoni, si senta ad esempio Sometimes. Tuttavia, in tracce come Better Distractions e Cheers, Faye Webster splende in tutto il suo talento. Se in futuro riuscirà a comporre un LP con canzoni di quel livello (e, perché no, a far risaltare di più la sua voce), avremmo il suo manifesto definitivo. Per il momento accontentiamoci di un CD più che discreto, che piacerà ai fans del folk e del country.

Voto finale: 7,5.

Noel Gallagher’s High Flying Birds, “Back The Way We Came – Volume 1 (2011-2021)”

noel

La prima raccolta di Noel Gallagher dopo la creazione della band che ha preso nel suo cuore il posto degli Oasis, nell’ormai lontano 2011, è un buon momento per fare il punto sullo stato creativo di The Chief.

Probabilmente i tempi gloriosi degli anni ’90 del ‘900, in cui il Nostro ha scritto successi indelebili come Wonderwall e Don’t Look Back In Anger, sono irripetibili. Tuttavia, anche nella carriera successiva e post-Oasis, Noel ha saputo ritagliarsi uno spazio interessante: sempre nei consueti sentieri pop-rock, ma aperto anche a sperimentazioni verso il mondo acid rock e psichedelico, prova ne siano l’ultimo CD di inediti “Who Built The Moon?” (2018) e gli EP del 2019 “Black Star Dancing” e “This Is The Place”.

“Back The Way We Came – Volume 1 (2011-2021)” è un buon modo per riassaporare i migliori momenti dei Noel Gallagher’s High Flying Birds, da quelli più indebitati con gli Oasis (If I Had A Gun…) a quelli più innovativi (Black Star Dancing). In più, Noel ha inserito due inediti, We’re On Our Way Now e Flying On The Ground, non trascendentali ma forse indicatori del futuro della band. Per i fans più accaniti, nella edizione deluxe c’è un intero CD devoto a demo e remix, francamente superfluo per i moderatamente interessati.

In generale, parlando di uno qualsiasi dei due fratelli Gallagher, le domande sul loro passato sono tanto importanti quanto quelle sul futuro, forse di più per alcuni. Le voci di una reunion degli Oasis sono insistenti da anni, malgrado le smentite di rito degli interessati. Vedremo il futuro cosa ci regalerà; di certo i Noel Gallagher’s High Flying Birds sono un buon succedaneo, come del resto la carriera solista di Liam. Insieme, però, era tutta un’altra cosa…

Voto finale: 7.

“Nevermind” a 30 anni: il capolavoro del grunge

Nirvana

Tutti abbiamo in mente l’iconica copertina. Tutti o quasi abbiamo sentito almeno un estratto da “Nevermind”: più probabilmente Smells Like Teen Spirit, ma forse anche Lithium e Come As You Are. Molti conoscono il CD a memoria, altri (pochi purtroppo) hanno addirittura avuto la possibilità di vedere live i Nirvana in tutta la loro fierezza. Trent’anni fa, in poche parole, usciva un album destinato a cambiare la storia del rock e la vita di molte persone.

Kurt Cobain e compagni venivano dal discreto successo dell’album di esordio “Bleach” (1989) e cercavano un modo per emergere nella scena punk e hardcore di Seattle. In quegli anni stava nascendo un nuovo movimento nel rock: vicino al punk, con parti di pura ferocia, ma con ganci pop indelebili nei momenti più melodici. Ebbene, stava nascendo il grunge: camicie di flanella, capelli lunghi, aria finta trasandata e chitarra in spalla, molti giovani avevano trovato uno sfogo al nichilismo e al pessimismo nel rock pesante, ma mai menefreghista nei confronti del pubblico. Beh, i Nirvana arrivarono a incarnare nel mondo intero l’ideale del grunge grazie ad un solo, portentoso disco: “Nevermind”, anno di grazia 1991.

Nevermind

Non si deve pensare che il CD sia stato composto in un baleno da tre ragazzi appassionati di rock e punk: come le varie ristampe hanno dimostrato, i demo e le bozze del disco avevano un aspetto drammaticamente diverso dal prodotto finale. I risultati di tale duro lavoro sono sotto gli occhi di tutti: assunto da poco uno sconosciuto batterista, la futura leggenda Dave Grohl, Cobain e Novoselic (rispettivamente voce e chitarra il primo, basso il secondo) cominciarono a cercare di comporre un punk meno abrasivo di “Bleach”. Allo stesso tempo, i segnali di uno stress eccessivo del carismatico frontman erano sotto gli occhi di tutti: le storie dei suoi abusi di droghe con la compagna Courtney Love avevano portato il cantautore sull’orlo della morte varie volte e la vita della band era appesa a un filo.

Il risultato di questa voglia di autodistruzione e del talento sconfinato dei tre Nirvana è “Nevermind”: un LP potente, nichilista, pop, punk, sensibile, drammatico… e l’elenco potrebbe continuare. Ognuno vede qualcosa di diverso in questo disco. Poi, ovviamente, ci sono le canzoni: ad oggi, Smells Like Teen Spirit ha quasi un miliardo di streaming su Spotify. Altre hit indelebili, che anche oggi sono molto celebri, sono Come As You Are, In Bloom e Lithium. Tutte sono accomunate da alcuni tratti: testi poetici e pessimisti, batteria irresistibile, basso eclettico e malleabile, la voce di Kurt in primo piano e sempre appassionata.

La ricetta può apparire semplice, ma nessuno, ripetiamo nessuno, l’ha messa in pratica meglio dei Nirvana negli anni ’90. Il grunge ha avuto altri ottimi esponenti: Soundgarden, Pearl Jam… ma nessuno di loro ha espresso il malessere del proprio animo in modo tanto universale. È anche per questo, forse, che la candela dei Nirvana si è spenta così presto.

Fondati nel 1987, la band si è sciolta nel 1994, appena dopo il suicidio del proprio frontman. In sette anni, i Nirvana hanno composto due EP, tre CD, una raccolta di b-sides e rarità (“Incesticide” del 1992) e più nulla. Il destino del gruppo era inscindibilmente legato a Cobain: la sua tragica fine ha contribuito a rendere il gruppo leggendario, anche mediaticamente. Ma non è tutto fumo e niente arrosto: a parte qualche svista nella seconda parte del lavoro (ad esempio Lounge Act e Stay Away), il CD è tutt’oggi una goduria e la traccia che i Nirvana hanno lasciato nella storia del rock è indelebile.

Oggi, trent’anni dopo, è facile pensare al “chissà cosa sarebbe successo con Kurt ancora fra noi”. Forse il gruppo si sarebbe sciolto, forse sarebbero diventati una band sfiancata come gli ultimi Pearl Jam… discussioni interessanti, ma purtroppo prive di fondamento. La verità è che i Nirvana ci hanno lasciato un’eredità inestimabile, che li ha portati nella Rock and Roll Hall of Fame già nel 2014, primo anno di eleggibilità. “In Utero”, nella sua ferocia e prescienza del futuro di Kurt Cobain, raggiunge vette elevatissime, ma non quanto “Nevermind”, il CD simbolo di un intero movimento. Per quanti altri possiamo dire lo stesso?

Voto finale. 9.

Recap: maggio 2021

Maggio è stato un mese decisamente affollato di uscite importanti. Ad A-Rock abbiamo avuto il nostro bel da fare: abbiamo recensito i nuovi, attesi lavori degli Iceage e dei black midi. In più, interessanti le novità discografiche a firma The Black Keys e St. Vincent, oltre agli EP di Jorja Smith e dei Mannequin Pussy. Buona lettura!

black midi, “Cavalcade”

cavalcade

Il secondo album dei black midi, la giovane band inglese che è entrata nel cuore di molti grazie al fulminante esordio “Schlagenheim” del 2019 (inserito anche da A-Rock nella top 10 dell’anno e in una rubrica Rising), fa centro sotto molti punti di vista. I black midi non si sono ammorbiditi, anzi: le parti di rock duro fanno venire i brividi, come però anche le canzoni più raccolte, quasi pop, che sono davvero una novità nell’estetica solitamente feroce del gruppo britannico.

Avevamo lasciato i Nostri alle prese con un rock alieno, miscuglio di jazz, metal, noise e punk: risentirsi bmbmbm oppure 953. “Cavalcade”, come già il titolo fa intuire, è una cavalcata fra canzoni tanto varie quanto riuscite: si va dall’avant-prog della clamorosa John L alla lenta Marlene Dietrich, dalla pulsante Slow alla magnifica chiusura di Ascending Forth. In mezzo abbiamo anche canzoni sotto la media (Hogwash And Balderdash), ma nel complesso i black midi si confermano voce imprescindibile nel mondo rock alternativo e sperimentale, non facili da assimilare ma irresistibili.

La voce di Geordie Greep pare più sicura e forte rispetto all’esordio, così come quella di Cameron Picton, che fa il frontman in due delle otto canzoni che compongono “Cavalcade”. Abbiamo poi come in “Schlagenheim” il batterista Morgan Simpson davvero sugli scudi, quasi free jazz nel corso di molti punti del CD. A completare il quadro non c’è la chitarra di Matt Kwasniewski-Kelvin, che si è preso del tempo per sé stesso a causa di problemi personali.

Gli otto pezzi presentano dei bozzetti di personaggi realmente esistiti (Marlene Dietrich) o inventati (John L), ma a dominare è il senso di incertezza e quasi di paura che proviene da certi passaggi testuali. John L racconta di un predicatore nazionalista e visionario tradito dai suoi fedeli, Slow nella sua invocazione è totalmente antitetico alla sua base oppressiva… Accanto a tutto questo abbiamo però, come già detto, delle perle acustiche fuori logica ma non per questo mal riuscite: sia Marlene Dietrich che Diamond Stuff sono infatti ottime “pause” e faranno la fortuna dei live del gruppo.

In generale, pur non essendo musica popolare, i black midi hanno senza dubbio creato un LP unico nel suo genere, alla pari di “Schlagenheim” per creatività. Se l’effetto sorpresa è svanito, di certo possiamo dire, con meraviglia ma non troppo, che il terreno coperto in termini di sonorità è ancora più variegato che nell’esordio. “Cavalcade” si afferma come il miglior album rock del 2021 finora, capace di ferire e rassicurare, sconcertare e ammaliare.

Voto finale: 8,5.

Iceage, “Seek Shelter”

seek shelter

Il quinto album della band danese è un ottimo esempio di transizione da band punk verso sonorità più ricercate e romantiche. Non un completo cambio di pelle, dato che la ferocia dei primi Iceage è ancora presente in alcuni pezzi di “Seek Shelter”, ma immaginarsi che il gruppo autore del durissimo “You’re Nothing” (2013) avrebbe scritto il pezzo anni ’60 Drink Rain sarebbe stato impensabile solo cinque anni fa.

Merito dunque degli Iceage essere stati in grado di mutare così radicalmente nel giro di poco tempo, una parabola molto simile a quella di Nick Cave negli anni ’90 o degli Horrors più recentemente. Non sempre queste svolte riescono pienamente, ma quando il talento c’è in grandi quantità come nei casi citati il pubblico e la critica non possono non elogiare l’ambizione e la voglia di sperimentare di artisti davvero unici nel loro genere. Gli Iceage, dopo aver scritto pagine molto importanti del punk nella decade passata, si candidano fortemente ad essere una band simbolo del rock alternativo anni ’20.

I singoli che avevano anticipato l’uscita di “Seek Shelter” erano stati accolti con lodi ma anche qualche giudizio critico sul nuovo sound del gruppo, più docile rispetto al passato; anche se già “Beyondless” (2018) aveva lasciato intravedere una svolta, “Seek Shelter” contiene brani quasi britpop (Shelter Song), pop (la già citata Drink Rain) e à la Rolling Stones (High & Hurt). Tuttavia, la ricetta sonora del CD ha successo: gli Iceage sembrano quasi rievocare il rock alternativo degli anni ’90 senza però scopiazzarlo e mantenendo quel livello di “sporcizia” e durezza che rendono tali i Nostri (la conclusiva The Holding Hand ne è una prova).

Anche liricamente notiamo un deciso cambiamento: mentre in passato il nichilismo la faceva da padrone, con il frontman Elias Bender Rønnenfelt scatenato sul palco quanto disperato nel cantare, adesso fanno capolino temi amorosi (“I drink rain to get closer to you!” canta Elias in Drink Rain) e la vita della mafia (Vendetta). Altrove invece troviamo riferimenti al pessimismo cosmico che pervadeva i primi LP del gruppo: “And we row, on we go, through these murky water bodies” in The Holding Hand e “Come lay here right beside me. They kick you when you’re up, they knock you when you’re down” in Shelter Song ne sono chiari esempi.

In conclusione, “Seek Shelter” potrebbe essere il CD che fa conoscere gli Iceage ad un pubblico più ampio e li rende davvero simboli di un rock rinnovato nelle sue fondamenta, abile a mescolare cori gospel con ritmiche punk, testi simbolici e drammatici con canzoni potenti. Siamo davanti ad uno dei migliori LP rock dell’anno: complimenti, Iceage.

Voto finale: 8.

St. Vincent, “Daddy’s Home”

daddy's home

Giunta ormai al settimo album di inediti (contando anche quello del 2012 con David Byrne), Annie Clark reinventa nuovamente la sua estetica e la sua persona, tornando alla New York degli anni ’70, sporca e cattiva, seducente e malinconica. Siamo nei territori di Lou Reed, del primo Prince, di Sly & The Family Stone: funk, soul e rock si mescolano in “Daddy’s Home” a tematiche strettamente personali, che lo rendono il CD più personale e sperimentale di St. Vincent, ma non il suo miglior lavoro.

Già la campagna promozionale e il titolo fanno intravedere l’argomento portante del lavoro: dopo aver scontato oltre dieci anni di carcere per abusi di mercato in ambito finanziario, il padre di Annie è tornato a casa. Lei aveva già affrontato, anche se lateralmente, la tematica, ad esempio in “Strange Mercy” (2011), ma mai con questa schiettezza. La sua assenza ha pesato molto per St. Vincent e la controversa figura del padre assume qui il ruolo di musa dell’artista.

Musicalmente, come dicevamo, la ricerca di St. Vincent è una delle più fertili e innovative del rock moderno: partita come membro del coro di supporto a Sufjan Stevens, nel 2007 Annie decideva di passare solista e pubblicava il delizioso “Marry Me”, art pop ben fatto ma mai scontato, con grande lavoro alla chitarra. Questa sarà la caratteristica fondamentale di tutte le mutazioni del progetto St. Vincent: che si parli di indie rock futuristico (“St. Vincent” del 2014) o di pop sexy e avvolgente (“MASSEDUCTION” del 2017), la chitarrista St. Vincent era sempre preminente.

Invece, in “Daddy’s Home”, la chitarra ha un ruolo importante, certo, ma le potenti schitarrate del passato sono abbandonate per un suono più morbido: la svolta potrà piacere o meno, ma denota un’esplorazione che prescinde anche dai punti fissi del passato. Tuttavia, non tutto fila liscio.

Come dicevamo, accanto a brani gloriosi come Live In The Dream (fra i migliori di Annie Clark) e The Laughing Man, abbiamo dei singoli davvero bizzarri: sia Pay Your Way In Pain che Melting Of The Sun sono pezzi troppo complessi, curati e con produzione perfetta da parte di Jack Antonoff (già produttore di Lana Del Rey e Taylor Swift), ma alla lunga monotoni. Invece condivisibile la presenza dei tre brevi intermezzi Humming, che collegano fra loro le diverse parti del CD.

Testualmente, come dicevamo, questo è il disco più intimo di sempre a firma St. Vincent: My Baby Wants A Baby parla della sua sensazione ambivalente verso la maternità, Annie esclama infatti “No one will scream that song I made, won’t throw no roses on my grave… They’ll just look at me and say: Where’s your baby?”. Nella title track, invece, Annie cita le figure femminili che le hanno fatto da riferimento durante la crescita (da Nina Simone a Tori Amos, passando per Joni Mitchell e Marylin Monroe) e durante i periodi più difficili della sua vita.

In conclusione, “Daddy’s Home” è un CD senza dubbio interessante e che merita più di un ascolto per sfoderare tutte le sue delizie. Tuttavia, per chi è più fan della St. Vincent più rock, il CD sarà un passo indietro in termini di qualità. La figura di Annie Clark resta comunque imprescindibile e rappresenta ad oggi la più credibile erede del Duca Bianco, David Bowie, in termini di trasformismo e livello generale della discografia.

Voto finale: 7,5.

Mannequin Pussy, “Perfect”

perfect

Il bravissimo EP dei Mannequin Pussy è il loro primo lavoro senza il membro fondatore Thanasi Paul e il primo dopo l’ottimo terzo CD della loro produzione, quel “Patience” (2019) che li aveva fatti scoprire a molti. Il sound del gruppo si mantiene fedele al punk-rock del passato, ma in Darling troviamo la prima, grande svolta della loro carriera: pare quasi di sentire una b-side dei Beach House!

Quest’ultimo antefatto può mettere di malumore quelli che si aspettano un lavoro sanguigno, come le migliori parti di “Patience” farebbero pensare. Va detto che già nel precedente disco vi erano parti più melodiche, che lasciavano intravedere il lato più commerciale di Missy Dabice & co., tuttavia mai i Mannequin Pussy si erano spinti così avanti come in Darling, “pecora nera” dell’EP ma non per questo fuori luogo.

Il resto del lavoro è invece più nelle corde del gruppo: abbiamo dapprima l’indie rock accattivante di Control, poi la potente title track e la melodiosa To Lose You. L’episodio più duro è Pigs To Pigs, cantato dal bassista Colins Reginsford, per la prima volta frontman del gruppo. La Dabice, dal canto suo, si conferma carismatica e abile a intonare sia pezzi più facili che brani più potenti.

In conclusione, “Perfect” non sarà “perfetto” come il titolo può ironicamente far pensare; tuttavia, l’EP è una ventata di aria fresca nell’estetica dei Mannequin Pussy e ci rende davvero curiosi per le loro prossime mosse.

Voto finale: 7,5.

Jorja Smith, “Be Right Back”

be right back

Il nuovo lavoro della talentuosa cantautrice inglese è un EP di buona fattura. Rispetto all’esordio “Lost & Found” del 2018 Jorja segue la stessa ricetta, fatta di R&B sensuale e neo-soul raffinato, con focus sulla sua splendida voce, ma con alcune piccole aggiunte. Il lavoro non è rivoluzionario, ma ci fa davvero ben sperare per il futuro della Nostra nel mondo della musica.

Se “Lost & Found” aveva un difetto, era di suonare un po’ uguale nella seconda parte del lavoro, malgrado la presenza di perle come la title track e Where Did I Go?. “Be Right Back” sperimenta di più, con spazio al rap in Bussdown (dove è ospite il rapper londinese Shaybo). I risultati non sono sempre convincenti, il prossimo CD sarà una tappa cruciale per Jorja in questo senso.

Chiudiamo con un’analisi sui testi, molto diretti, dell’EP: in Addicted, fra i migliori pezzi dell’album, Smith si lamenta che “The hardest thing, you are not addicted to me”. Una dichiarazione d’intenti molto chiara. Invece in Burn troviamo la seguente accusa: “You burn like you never burn out, try so hard you can still fall down… You keep it all in but you don’t let it out”. Infine in Bussdown abbiamo un’ammissione di fragilità, ma anche di forza d’animo: “They call me Miss Naive, I’m still naïve, I put trust in all the ones that got me… They never really had me”.

In conclusione, “Be Right Back” è un buon EP da parte di un’artista da cui ci aspettiamo molto negli anni a venire. Jorja Smith, infatti, assieme a Lianne La Havas e Jessie Ware, è alfiere di una nuova schiera di cantanti britanniche di qualità, che mescolano al pop generi come R&B, soul e disco, pronte ad affiancare Adele nella conquista dei palcoscenici più importanti. Speriamo per lei che la nostra previsione non venga contraddetta.

Voto finale: 7.

The Black Keys, “Delta Kream”

delta kream

I The Black Keys sono giunti ormai nella loro terza decade di esistenza e al decimo album, tra inediti e cover: due traguardi davvero ragguardevoli per due ragazzi che erano partiti da Detroit senza troppe pretese e invece, grazie a singoli di successo come Lonely Boy e Tighten Up, hanno raggiunto lo status di rockstar.

Per festeggiare, Patrick Carney e Dan Auerbach hanno deciso di rendere omaggio ai loro maestri: il CD è infatti una raccolta di undici cover blues tratte dai più noti artisti del delta del Mississippi (da qui il titolo del lavoro). Svettano in particolare quelle dedicate a Junior Kimbrough, già omaggiato in passato nel gustoso EP “Chulahoma” (2006). Nulla di clamoroso, come ormai da tradizione del duo, ma le canzoni fluiscono bene una dopo l’altra e il disco è un toccasana per gli amanti del blues.

Tra le migliori cover abbiamo Crawling Kingsnake, ottima cover di un classico di John Lee Hooker; buona anche Stay All Night. Invece sotto la media Louise, monotona, oltre a Going Down South, con un falsetto di Auerbach non molto convincente. Menzioniamo infine Do The Romp, già presente col titolo Do The Rump e in una versione molto più acerba nell’esordio del gruppo, “The Big Come Up” (2002).

In generale, l’ascoltatore non deve aspettarsi molto: si tratta semplicemente di due amici che, in due pomeriggi, si sono messi a omaggiare i loro mentori attraverso quello che sanno fare meglio, suonare. La passione e la cura con cui i The Black Keys hanno composto “Delta Kream” sono però di per sé segno di un LP da ascoltare almeno una volta.

Voto finale: 7.