La prima parte della lista dei 50 migliori album del 2023 conteneva nomi rilevanti, tra i quali Blur e James Blake. Chi avrà vinto il premio di CD più bello del 2023 secondo A-Rock? Buona lettura!

25) Foo Fighters, “But Here We Are”

(ROCK)

L’undicesimo album dei Foo Fighters, ormai un’istituzione della scena rock, nasce da due tragedie: la morte del batterista della band Taylor Hawkins e della madre di Dave Grohl, il cantante e leader del gruppo. “But Here We Are” va pertanto letto non solo come un buon album rock, ma come un testamento all’importanza capitale che queste due persone hanno avuto nella vita dell’ex batterista dei Nirvana.

Le dieci tracce del CD non contengono particolari novità dal punto di vista estetico: i Foo Fighters si confermano artigiani del rock alternativo, stile anni ’90, con brevi accenni di shoegaze (Hearing Voices). Abbiamo però due canzoni che si staccano decisamente dal resto della tracklist: le conclusive The Teacher e Rest. Siamo di fronte a due manifesti di cosa il rock può dare al suo meglio: canzoni potenti, complesse, con liriche devastanti e sincere, che sono tra le migliori mai composte da Grohl e compagni.

Prima di addentrarci nelle due canzoni regine del CD, facciamo una breve carrellata dei versi più significativi delle altre: “I gave you my heart, but here we are” è un’ammissione di fragilità da parte di Grohl. “Pictures of us sharing songs and cigarettes, this is how I’ll always picture you” ricorda Hawkins nel modo più dolce possible (Under You).

The Teacher, la lunghissima suite (oltre dieci minuti!) che racchiude tutto il significato di “But Here We Are”, contiene alcune liriche davvero genuine: “You showed me how to be, never showed me how to say goodbye”, ma il più bello è il seguente: “Hurry now, boy, time won’t wait… The here and the now will separate, there are some things you cannot choose”. Rest ricorda la madre di Grohl, Virginia, con pochi, semplici versi, che però arrivano dritti al cuore dell’ascoltatore: “Rest, you can rest now… Rest, you will be safe now”, per poi finire il brano con un’immagine onirica: “Wakin’ up, had another dream of us, in the warm Virginia sun, there I will meet you”.

Accanto a queste due meraviglie, non possiamo tralasciare Rescued, che introduce in maniera magistrale il tono del CD. Inferiori alla media invece sono The Glass e Beyond Me. In generale, tuttavia, i Foo Fighters non suonavano così ispirati da “Wasting Light” (2011): sarà molto difficile portare in tour canzoni così toccanti per la band, ma “But Here We Are” è senza dubbio un buon album rock, che resterà scolpito per tanto tempo nella memoria dei fan dei Foo Fighters.

24) Kelela, “Raven”

(R&B – ELETTRONICA)

Il secondo album di Kelela arriva ben sei anni dopo “Take Me Apart” (2017), che aveva occupato una nicchia molto particolare: un disco ibrido, R&B tanto quanto elettronico, conturbante ma anche opprimente in certi passaggi. “Raven” prosegue in questo solco, aggiungendo ulteriore profondità e varietà ad uno stile già perfettamente riconoscibile.

La lunga assenza di Kelela dalla scena musicale si può spiegare in vari modi: la pandemia, i movimenti Black Lives Matter e la sua ricerca di privacy hanno avuto un peso, ma sicuramente una sorta di blocco dello scrittore ha influito sulla sua difficoltà a dare un degno seguito a “Take Me Apart”. I risultati, però, meritano più di un ascolto.

“Raven” suona a tratti come “Renaissance” di Beyoncé, ma molto meno pop e più club: prova ne siano Happy Ending e Missed Call, che flirtano con la musica breakbeat. Invece Washed Away e Holier sono quasi ambient. Interessante poi la scelta di iniziare e concludere il CD con i due pezzi gemelli Washed Away e Far Away.

I pezzi migliori sono Happy Ending e Contact, mentre restano sotto la media Closure e Divorce. Menzione poi per la doppietta di centro album Raven–Bruises, di chiaro stampo elettronico.

In conclusione, “Raven” riporta Kelela sotto i riflettori e conferma tutto il suo talento. Speriamo solo che il successore di questo LP non si faccia attendere altri sei anni.

23) MIKE, “Burning Desire”

(HIP HOP)

Il nuovo album solista del prolifico rapper newyorkese si affianca a quello pubblicato a fine 2022 (“Beware Of The Monkey”) e alla collaborazione con Wiki e The Alchemist: il 2023 è stato davvero pieno di impegni per l’artista americano. “Burning Desire”, tuttavia, si differenzia per un motivo: è il più torrenziale CD a firma MIKE (24 tracce per 50 minuti) e il più articolato. Forse il Nostro ha finalmente trovato la sua dimensione.

MIKE è un nome sempre discusso e menzionato quando si parla dei rapper più talentuosi Oltreoceano, in particolare nell’ambito più sperimentale ed astratto. “Burning Desire” è una sorta di summa di ciò che ha reso MIKE tanto apprezzato da pubblico e critica: basi pungenti, spesso con influssi jazz; ospiti di spessore (Earl Sweatshirt e Liv.e tra gli altri); testi introspettivi, spesso intrisi di malinconia e rabbia.

Il CD inevitabilmente contiene episodi minori: ad esempio, Intro With Klein e Dambe sono un inizio di tracklist non eccezionale, così come il brevissimo intermezzo Playtime (Interlude) è puro filler. Allo stesso tempo, tracce come African Sex Freak Fantasy e should be! sono notevoli. Menzione, infine, per la suadente title track e per Let’s Have A Ball, che chiude benissimo il lavoro.

In conclusione, “Burning Desire” è il più completo lavoro ad oggi a firma MIKE. L’ancora giovane rapper americano si conferma voce importante della scena hip hop e la sua eredità comincia ad essere davvero ingombrante. Che il suo talento debba ancora mostrarsi completamente? Impossibile dirlo, ma “Burning Desire” pone l’asticella ad un livello difficile da superare.

22) Danny Brown, “Quaranta”

(HIP HOP)

Il settimo album di Danny Brown (contando anche la recente collaborazione con JPEGMAFIA), a sentire il rapper originario di Detroit, è un seguito spirituale di “XXX” (2011): come quest’ultimo parlava della sua vita a 30 anni, questo CD, come il titolo preannuncia, ci narra tutte le problematiche associate ai 40 anni di Brown. “Quaranta” assomiglia peraltro anche alla parola “quarantena” e non è un caso: siamo infatti di fronte probabilmente all’ultimo LP pandemico, essendo stato composto nel 2020 e poi messo da parte fino a novembre 2023.

Non è un caso che i toni siano insolitamente amari e sommessi: i lavori di Danny Brown sono sempre stati noti per avere beat vivaci, la sua voce nasale in primo piano e atmosfere tanto paranoidi quanto fiammeggianti. La title track in questo senso è una chiara anticipatrice di un CD non facile, ma che anche dopo ripetuti ascolti continua a schiudere segreti.

Anche liricamente abbiamo dei versi davvero pessimisti: “Now it’s all over, can’t stay sober… Deep in my depression, hoping I can get over” (Down Wit It) e “Lost everything in pursuit of my dream, pushed everyone away, now no one here but me” (Quaranta) ne sono chiari esempi. Jenn’s Terrific Vacation parla invece della sempre più imperante gentrificazione, mentre il singolo Tantor campiona addirittura Michael Scott, protagonista di The Office.

I brani migliori sono Tantor e Jenn’s Terrific Vacation, buona anche Ain’t My Concern. Inferiori alla media invece Celibate, malgrado la presenza di MIKE, e Shakedown, che però hanno il merito di mantenere coerente l’atmosfera del disco. Da elogiare infine la durata del CD: a 34 minuti non c’è alcuno spazio per brani destinati esclusivamente ad aumentare i numeri dei servizi di streaming.

In conclusione, alcuni fan di Danny Brown potrebbero rimanere sconcertati, inizialmente, da “Quaranta”: aspettarsi un nuovo “Old” (2013), in questo caso, sarebbe pura illusione. Siamo anzi di fronte ad un LP cupo e malinconico, che però regala sorprese ad ogni ascolto: di quanti possiamo dire lo stesso?

21) Jamila Woods, “Water Made Us”

(R&B)

Nel terzo album della cantautrice americana, Jamila Woods si conferma voce molto importante della scena R&B e soul d’Oltreoceano. Con una maggiore apertura sui propri sentimenti e verso generi finora alieni, come il synthpop, Jamila ha composto con “Water Made Us” un lavoro pregevole, anche se un po’ confusionario nella sua struttura.

Il CD si articola infatti in ben 17 canzoni, per soli 45 minuti di durata: abbiamo infatti quattro intermezzi di durata inferiore al minuto e una composizione di appena 117 secondi. Insomma, episodi evitabili in un CD per il resto invece molto riuscito.

Infatti, pezzi come Boomerang, perla synthpop degna di The Weeknd, e Tiny Garden, pregevole duetto con la giovane duendita, resteranno come highlight della sua produzione. Menzioniamo anche Practice, con la collaborazione di Saba, e l’introduttiva Bugs. Inferiori alla media, invece, oltre ai già citati intermezzi, anche Wolfsheep, un po’ prevedibile.

Dicevamo che Jamila questa volta dedica buona parte della tracklist di “Water Made Us” al tema amoroso: nulla di rivoluzionario; tuttavia, mai lei in passato era stata così aperta su questi argomenti. Esempio ne sia I Miss All My Exes, in cui elenca i motivi per cui, appunto, sente la mancanza dei suoi ex. Send A Dove contiene versi allo stesso tempo ironici e sconsolati: “Don’t save your worst for me, I’m not your leather Everlast… Lie to me still”.

In conclusione, per una volta Jamila Woods si è solamente dedicata alla ricerca estetica e meno a creare un LP con una narrazione sottostante di spessore, come era il caso del precedente “LEGACY! LEGACY!” (2019). I risultati sono forse leggermente inferiori, ma restano buoni e sarebbero di rilievo per la stragrande maggioranza degli artisti comparabili a Woods.

20) Armand Hammer, “We Buy Diabetic Test Strips”

(HIP HOP – SPERIMENTALE)

Il nuovo lavoro del duo formato da billy woods e E L U C I D è il loro lavoro più riuscito: confusionario, creativo, impressionante nei suoi passaggi migliori. Il rap più sperimentale sta vivendo pagine importanti negli ultimi anni (basti pensare, oltre ad Armand Hammer, a Earl Sweatshirt e MIKE); “We Buy Diabetic Test Strips” è il lavoro più riuscito a firma Armand Hammer e si inserisce perfettamente in questo trend, grazie anche ad ospiti di lusso come JPEGMAFIA e Pink Siifu.

I 53 minuti di durata del CD non sono per tutti i palati, ma gli amanti dell’hip hop troveranno alcune delle produzioni più avanguardiste ed ambiziose del 2023: Woke Up And Asked Siri How I’m Gonna Die, con la preziosa collaborazione di JPEGMAFIA, è l’highlight della prima parte del lavoro. Non tralasciamo però When It Doesn’t Start With A Kiss e The Gods Must Be Crazy (con El-P dei Run The Jewels a guidare le danze). Menzione, infine, per The Key Is Under The Mat, che chiude magistralmente il lavoro.

Le uniche pecche sono The Flexible Unreliability Of Time & Memory e Y’All Can’t Stand Right Here, ma il livello del lavoro resta altissimo. billy woods corona così un 2023 da sogno, che lo ha visto anche pubblicare il fortunato “Maps” assieme a Kenny Segal pochi mesi fa.

In generale, “We Buy Diabetic Test Strips” si pone come nuovo benchmark per il rap sperimentale e astratto: la ferocia di billy woods ed E L U C I D rimane l’arma segreta del progetto, ma anche gli ospiti aggiungono spessore ad un LP davvero notevole.

19) boygenius, “The Record”

(ROCK)

Il supergruppo tutto al femminile formato dalle star dell’indie Phoebe Bridgers, Lucy Dacus e Julien Baker ha finalmente pubblicato il suo LP d’esordio, dopo l’omonimo EP di grande successo del 2018. Uscito proprio l’ultimo giorno di marzo, “The Record” non è l’instant classic che alcune riviste d’Oltreoceano vogliono farci credere, ma senza dubbio è un CD riuscito e, nelle parti migliori, irresistibile.

Le tre artiste sono molto amiche anche nella vita fuori dal palcoscenico e questa vicinanza traspare nel corso del lavoro: gli spazi sono equamente distribuiti, così che Phoebe, Lucy e Julien possono ciascuna brillare. Alcuni brani godono di questo spirito collaborativo: $20 e Satanist sono highlight innegabili. Buone anche True Blue e Not Strong Enough. Invece sotto la media l’iniziale Without You Without Them e Revolution 0, entrambe senza mordente.

Liricamente, le tre boygenius si confermano maestre nello spiegare a cuore aperto i problemi che la generazione dei millennials si trova ad affrontare in questi anni di crescita e raggiungimento dell’età adulta: “I’m 27 and I don’t know who I am” canta sconsolata Bridgers in Emily I’m Sorry. Altro verso significativo è contenuto in Without You Without Them: “I’ll give everything I’ve got… Please take what I can give”. Infine, in Satanist troviamo addirittura un proclama rivoluzionario: “Will you be an anarchist with me? Sleep in cars and kill the bourgeoisie”.

In conclusione, “The Record” è un buon lavoro indie rock, in cui le estetiche di Phoebe Bridgers, Lucy Dacus e Julien Baker trovano reciprocamente un perfetto complemento. Siamo di fronte a tre artiste che faranno parlare di loro ancora a lungo e il marchio boygenius è più vivo che mai: cosa chiedere di più ad un disco rock nel 2023?

18) The Murder Capital, “Gigi’s Recovery”

(PUNK – ROCK)

Il secondo album della band post-punk irlandese continua a costruire su quanto di buono era contenuto in “When I Have Fears” (2019), provando allo stesso tempo ad ampliare il range sonoro dei The Murder Capital. I risultati sono ancora una volta buonissimi e ci fanno sperare di aver trovato un altro grande gruppo della nidiata magica d’Oltremanica, che ha portato alla luce talenti come IDLES, shame e Fontaines D.C., giusto per citarne alcuni esponenti.

Non tutto è punk o comunque assimilabile a questo genere in “Gigi’s Recovery”: The Murder Capital, infatti, diventa sinonimo di art rock (A Thousand Lives) e addirittura influenze elettroniche (The Stars Will Leave Their Stage). Va aggiunto, a onor del vero, che molte delle canzoni più riuscite sono di matrice punk, Crying e Return My Head su tutte.

Liricamente, il CD si impone come uno dei più profondi del 2023: James McGovern e compagni intraprendono in “Gigi’s Recovery” un viaggio alla scoperta di loro stessi, tra ammissioni di impotenza (“Strange feeling I’m dealing with, I can’t admit it – I’m losing grip”, in Existence) e domande esistenziali (“Is this our way to escape? Our way through the gates we built? Is this our end?”, da Crying). In Exist, infine, McGovern trova pace: “I’ll stay committed, I’ll make it stick. This morning I took ownership – to stay forever in my own skin”.

In conclusione, “Gigi’s Recovery” è un LP non facile, ma che regala piacevoli sorprese ad ogni ascolto. The Murder Capital è, indubbiamente, un nome sempre più importante nel panorama punk-rock europeo.

17) Depeche Mode, “Memento Mori”

(ROCK – ELETTRONICA)

Il quindicesimo (!) album dei Depeche Mode ha rischiato di non vedere mai la luce: durante le registrazioni del lavoro uno dei tre componenti del gruppo, Andy Fletcher, è morto improvvisamente nella sua casa di Londra, lasciando Dave Gahan e Martin Gore da soli. Sarebbero stati in grado di produrre un CD tale da tenere alta la bandiera dei Depeche Mode?

La risposta è un sonoro sì. “Memento Mori” è uno dei migliori album di questo millennio per il gruppo britannico: brani oscuri come My Cosmos Is Mine si mescolano benissimo con hit dal sapore anni ’80 (Ghosts Again, Wagging Tongue) e ballate più simili ai Depeche Mode recenti (Soul With Me). Se anche questo fosse l’ultimo lavoro a firma Gahan & Gore, non potremmo dirci insoddisfatti.

Wagging Tongue, la seconda collaborazione diretta di sempre tra i due Depeche Mode superstiti, mette Gore e Gahan in bella mostra: il primo con una produzione sontuosa, il secondo con la sua sempre ricca voce in primo piano, in ottima forma. Altro highlight è il singolo Ghosts Again, che ricorda alcune tra le hit migliori del gruppo (People Are People e Never Let Me Down Again). Delude solo Caroline’s Monkey, troppo prevedibile.

Chi si aspettasse riferimenti testuali alla morte dell’amico Andy Fletcher resterà deluso; tuttavia, contiamo una canzone dedicata ad un altro grande artista recentemente scomparso, Mark Lanegan (Wagging Tongue). Altrove troviamo dimostrazioni di fragilità travestiti da proclami da macho (“Don’t stare at my soul, I swear it is fine”, My Cosmos Is Mine).

“Memento Mori”, date le circostanze in cui è stato concepito, è un titolo profetico. Inoltre, siamo di fronte all’album più elettronico e dark dei Depeche Mode dai tempi di “Playing The Angel” (2005): è un caso che sia anche il più riuscito degli ultimi 20 anni? Chapeau in ogni caso a Martin Gore e Dave Gahan, capaci di tenere alto il nome del gruppo synthpop, forse, più importante di sempre.

16) Squid, “O Monolith”

(ROCK)

Il secondo disco della band britannica era molto atteso da pubblico e critica. Dopo il brillante esordio “Bright Green Field” del 2021, che era entrato nella top 10 dei migliori dischi dell’anno secondo A-Rock, era lecito attendersi qualcosa di altrettanto intrigante. Beh, missione compiuta: gli Squid si candidano ad essere uno dei volti del rock d’Oltremanica.

Le otto canzoni di “O Monolith” non hanno la stessa unità tematica di “Bright Green Field”: se quest’ultimo era pervaso da sentimenti anticapitalistici, “O Monolith” rallenta i ritmi e la verve polemica, pur rimanendo fedele al suono degli Squid. Tra i migliori momenti abbiamo Undergrowth e The Blades, mentre inferiore alla media è solo After The Flash.

Non si pensi tuttavia che gli Squid abbiano perso la loro ironia, oppure che abbiano del tutto cambiato opinione riguardo la società contemporanea: Undergrowth, scritta durante uno dei lockdown pandemici, parla di reincarnazione e in particolare, del reincarnarsi in un cassettone per conservare gli abiti! Invece Siphon Song critica il flusso costante di news, più o meno irrilevanti, a cui siamo sottoposti. Infine, If You Had Seen the Bull’s Swimming Attempts You Would Have Stayed Away (titolo che è tutto un programma) parla della relazione dei ratti con gli esseri umani.

In generale, però, va premiato lo spirito di Ollie Judge e compagni: il quintetto non si è fermato, ha continuato ad esplorare nuove sonorità, portando “O Monolith” a risultati magari incoerenti, ma mai prevedibili. I 42 minuti del CD scorrono bene e rendono gli Squid una delle band di riferimento della scena rock britannica.

15) Little Simz, “NO THANK YOU”

(HIP HOP)

Annunciato e pubblicato nell’arco di una settimana, “NO THANK YOU” può sembrare semplicemente un CD che chiude un periodo trionfale per Little Simz. “Sometimes I Might Be Introvert” (2021) l’ha resa una superstar e le ha fatto guadagnare il rispetto della critica, tanto che anche noi di A-Rock abbiamo eletto il CD come migliore di quell’anno. “NO THANK YOU”, tuttavia, non va sottovalutato.

Musicalmente, questo disco è un diretto discendente di “Sometimes I Might Be Introvert”, soprattutto in canzoni come Silhouette e X; allo stesso tempo, una traccia come Gorilla fa intravedere lati diversi di Little Simz, più sbarazzini. Insomma, abbiamo di fronte un CD variegato, ma breve al punto giusto (50 minuti) da non essere eccessivamente sovraccarico. Merito anche della produzione di Inflo, già leader dei SAULT, che dà al lavoro un tocco neo-soul non banale.

Liricamente, se in precedenza l’avevamo sentita trattare temi complessi come il rapporto col padre e con l’eredità degli artisti di colore, “NO THANK YOU” denuncia i mali dell’industria discografica: “You don’t even recognize who it is that you’re becoming, they don’t give a shit” (Heart On Fire) e “They don’t care if your mental is on the brink of something dark” (Angel) ne sono chiari esempi.

Le migliori canzoni di “NO THANK YOU” sono la magnifica Silhouette, che ha un azzeccatissimo cambio di base a metà pezzo; l’iniziale Angel, che apre egregiamente il lavoro; e Heart On Fire. Invece, inferiore alla media è solo la troppo breve Sideways.

In conclusione, “NO THANK YOU” si inserisce senza problemi in un’eredità artistica sempre più rilevante: Little Simz è ormai il simbolo del rap UK al femminile e una delle artiste più rilevanti di quest’epoca.

14) yeule, “softscars”

(ROCK – POP – ELETTRONICA)

Il terzo CD di yeule conferma tutto il talento dell’artista singaporiana, ma evidenzia anche una flessibilità musicale che non conoscevamo. Rispetto al glitch pop e all’ambient dei suoi lavori precedenti, infatti, in “softscars” si affaccia con prepotenza l’estetica anni ’90: shoegaze, rock alternativo e grunge sono preponderanti, riportando alla mente band come Nirvana, Pixies e Hole.

I singoli generosamente condivisi da yeule, del resto, avevano reso chiaro il nuovo sound dell’artista: dazies sembra un pezzo preso dai My Bloody Valentine e remixato alla maniera degli Smashing Pumpkins. Siamo di fronte a un highlight immediato, potenzialmente simbolo di una carriera intera. Altri brani degni di nota sono ghosts e la title track. Se c’è un difetto in “softscars”, è che la prima parte è ricca di pezzi indelebili, mentre la qualità scema un po’ verso la fine, rendendo il replay value minore del previsto. Ad esempio, fish in the pool è inferiore alla media, molto alta va detto, del resto del CD.

Liricamente, yeule affronta le tematiche già discusse in passato, per esempio in “Glitch Princess” (2022): “I wish I was special” (4ui12) è un verso sincero e rappresenta una sensazione che tutti abbiamo provato almeno una volta. software update contiene un verso tanto breve quanto incisivo: “25, traumatized, painting white on my eyes… Handcuffs and hospitals are some things I despise”. Infine, cyber meat tratteggia un quadro a metà tra horror e onirico: “Bite me, vampy, I taste just like candy”.

I lettori più attenti si ricorderanno che yeule è stata oggetto in passato di un ritratto nella rubrica Rising: ci aveva colpito la sua abilità nel creare atmosfere intriganti pur in un contesto altamente sperimentale. “softscars” replica questa magia, raggiungendo nei suoi momenti migliori un livello davvero altissimo. Ma abbiamo tuttora il dubbio che non abbiamo ancora visto il meglio di yeule.

13) Parannoul, “After The Magic”

(ROCK)

Il nuovo lavoro del progetto coreano mantiene il mistero sull’identità del suo creatore, ma amplia ulteriormente lo spettro sonoro di Parannoul. Se “To See The Next Part Of The Dream” (2021), disco d’esordio del Nostro, era in gran parte assimilabile allo shoegaze, “After The Magic” introduce elementi di dream pop (We Shine At Night), emo (Parade) ed elettronica (Sketchbook), rendendolo un CD ancora più interessante del precedente.

Parannoul si descrive come “sotto la media in altezza, peso e prestanza fisica, un perdente”; questo malessere era palpabile nel precedente lavoro, mentre “After The Magic” ha sonorità più ottimiste, a tratti nostalgiche. I 59 minuti di durata non risultano pesanti, anzi la varietà di stili del CD li rendono leggeri; non per questo però il tutto risulta incoerente. L’estetica di Parannoul resta riconoscibile, solo pezzi come Sketchbook e Imagination non sarebbero stati bene in “To See The Next Part Of The Dream”, mentre entrano perfettamente nei canoni estetici di “After The Magic”.

I brani migliori sono Arrival e Polaris, forse sotto la media resta solo Sound Inside Me, Waves Inside You, ma non per questo il lavoro perde mordente.

Parannoul, in conclusione, ha confermato tutto il suo talento con “After The Magic”: il CD si arricchisce di elementi nuovi ad ogni ascolto, aumentando esponenzialmente il replay value. In poche parole: lavoro imperdibile per gli amanti dello shoegaze e del rock in senso più ampio.

12) Sampha, “Lahai”

(R&B – ELETTRONICA)

Era probabilmente il CD più atteso dell’intero 2023: sei anni dopo il delizioso esordio “Process” (2017), Sampha Sisay è finalmente tornato. Autore negli anni passati di collaborazioni pregiate con star del calibro di Kanye West, Drake e Kendrick Lamar, il cantautore inglese si era rapidamente affermato come uno dei più talentuosi nuovi volti della scena R&B d’Oltremanica, con basi molto elettroniche e una voce angelica a fare da sfondo a testi che denotavano grande sensibilità e fragilità.

Se “Process” era stato un piccolo terremoto nella scena musicale, vincitore anche del Mercury Prize, “Lahai” non fa che confermare quanto di buono si diceva di Sampha: la produzione resta variegata e precisa, variando tra neo-soul, R&B, pop ed elettronica. La voce di Sampha è sempre uno dei pezzi forti, tra falsetti e toni più profondi. Le canzoni, ovviamente, restano il centro di tutto: highlight come Spirit 2.0 e Suspended non possono restare indifferenti, molto bella anche Jonathan L. Seagull. Inferiori restano quindi solo i due inutili intermezzi Time Place e Wave Therapy, che insieme non raggiungono i 60 secondi di durata.

Liricamente, “Lahai” non cattura troppo l’attenzione dell’ascoltatore: diciamo che il Nostro ci porta in un viaggio attraverso la sua spiritualità. Prova ne siano i seguenti versi: “Seasons grow and seasons die… How high can a bird ever fly?” (Jonathan L. Seagull), “I am lifted by her love, I am lifted from above” (Suspended, dedicata alla figlia nata nel 2020).

In conclusione, “Lahai” è uno dei migliori LP del 2023, come speravamo ad A-Rock: Sampha ribadisce il suo sconfinato talento con un disco quieto, ma non scontato. Dovremo probabilmente aspettare fino al 2029 per il suo nuovo lavoro, ma se questa è la qualità dei suoi lavori Sampha può prendersi tutto il tempo che vuole.

11) Young Fathers, “Heavy Heavy”

(SPERIMENTALE)

Avevamo perso le speranze di avere un nuovo CD degli Young Fathers, trascorsi ormai cinque anni dal riuscito “Cocoa Sugar” (2018); sarebbe stato un vero peccato, data la bontà del progetto e l’ambizione mostrata dal gruppo scozzese, vero innovatore della scena rap d’Oltremanica.

Il precedente lavoro degli Young Fathers mescolava sapientemente infatti hip hop, soul e pop, creando una miscela difficilmente replicabile. Infatti, anche Graham “G” Hastings, Alloysious Massaquoi e Kayus Bankole hanno impiegato diverso tempo per dare un degno seguito a “Cocoa Sugar”: i risultati, da questo punto di vista, sono nuovamente buonissimi.

Il disco prosegue il lavoro iniziato con “Cocoa Sugar”, andando ancora più all’essenziale: tracce di massimo tre minuti e mezzo di durata, ritornelli pop immersi in atmosfere che richiamano elettronica, art pop e ritmi africaneggianti. Non tutto è perfetto e il CD richiede più ascolti per essere apprezzato appieno, ma una volta entrati nella atmosfere di “Heavy Heavy” è molto difficile uscirne.

I brani migliori sono l’introduttiva Rice e I Saw, mentre leggermente sotto la media è Shoot Me Down. Da non sottovalutare poi Ululation, che ricorda gli Animal Collective di “Merriweather Post Pavilion” (2009).

In generale, gli Young Fathers si confermano band imprescindibile per la scena hip hop sperimentale, ma sarebbe un errore ridurli a quel sound: quanti artisti troviamo in giro attualmente capaci di mescolare così abilmente rap, pop ed elettronica? “Heavy Heavy” potrebbe essere quello che “Currents” (2015) è stato per i Tame Impala: il CD della definitiva esplosione.

10) Yves Tumor, “Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)”

(ROCK)

Il lunghissimo titolo del nuovo album di Yves Tumor non tragga in inganno: non siamo di fronte ad un CD pretenzioso o eccessivamente prolisso. Anzi, vale il contrario: i 37 minuti di durata ne fanno un prodotto accessibile ai più, contando che la maggior parte delle canzoni è ispirata da post-punk e rock alternativo, con tocchi di psichedelia. Ne è passata di acqua sotto i ponti da quando Yves Tumor, ormai otto anni fa, pubblicava “Serpent Music” (2015), concentrato di musica elettronica e noise.

Dal punto di vista testuale, il lavoro conferma la fama di artista misterioso di Sean Bowie (questo il vero nome di Yves Tumor): molto spesso contano più le sensazioni evocate che le parole. Abbiamo delle affermazioni di principio come “You’re still a friend of mine” (Lovely Sewer) così come considerazioni più poetiche (“Stare straight into the morning star, with lips just like red flower petals”, da Meteora Blues).

“Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)” musicalmente riparte da dove “Heaven To A Tortured Mind” (2020) aveva lasciato: rock gotico, misterioso ma invitante. Yves Tumor, nato in Tennessee ma ormai da anni di base a Torino, ha pubblicato un altro LP di ottima qualità: lo shoegaze di Meteora Blues e la trascinante Heaven Surround Us Like Hood sono gli highlight immediati. Da non sottovalutare poi Operator e God Is A Circle. Unico brano superfluo è la strumentale Purified By The Fire.

Nulla in realtà suona fuori posto, tanto che “Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (Or Simply, Hot Between Worlds)” potrebbe addirittura essere il migliore lavoro a firma Yves Tumor. Il rock sporco e sensuale degli ultimi suoi lavori si addice decisamente bene all’estetica del Nostro, a cui ormai manca solo una vera hit per diventare una figura rispettata non solo dalla critica e dal pubblico più ricercato, ma anche dal mainstream.

9) Model/Actriz, “Dogsbody”

(ROCK – SPERIMENTALE)

I Model/Actriz sono un quartetto originario di Brooklyn, attivi in realtà dal lontano 2016, ma “Dogsbody” è il loro primo CD; ed è una ventata di freschezza nella scena rock americana e non solo. Industrial, noise, elettronica e numerose altre influenze si mescolano, facendo della band un ibrido difficile da inquadrare: LCD Soundsystem, Talking Heads e Nine Inch Nails sono ispirazioni, ma nessuno suona esattamente come i Model/Actriz.

L’inizio del lavoro, in questo senso, è emblematico: Donkey Show è un assalto sonoro, una canzone davvero abrasiva e trascinante. Mosquito è invece quasi dance nel suo incedere, anche se poi la batteria tonante di Ruben Radlauer entra in scena con prepotenza. La suite Crossing Guard–Slate è il momento migliore del CD, con la seconda che si inserisce direttamente nello spazio lasciato dalla prima, anche testualmente: Crossing Guard finisce con i versi “Oh it feels like, oh it feels like…”, per lasciare spazio a Slate, le cui prime parole sono “…Like pressure”.

Il disco contiene anche due momenti quasi delicati, Divers e Sun In, che sembrano preludere ad un futuro diverso per i Model/Actriz. Va detto che, come già accennato, i momenti migliori sono quelli più tosti musicalmente parlando: l’energia e la passione del gruppo sono davvero ammirevoli, così come da elogiare è la loro qualità di strumentisti. Dal canto suo, il cantante Cole Haden è trascinante, pur limitandosi spesso a declamare versi piuttosto che a cantarli.

In conclusione, “Dogsbody” è il miglior esordio del 2023 nel mondo rock: i Model/Actriz hanno affinato negli anni una loro estetica, particolare e non accogliente verso l’ascoltatore medio, ma non per questo disprezzabile. Al contrario: il CD è entrato con merito nella top 10 dei migliori LP del 2023 di A-Rock.

8) Slowthai, “UGLY”

(HIP HOP)

Il terzo album del rapper britannico era stato identificato da molti come il momento della verità per Tyron Frampton: dopo l’ottimo esordio “Nothing Great About Britain” (2019) e l’interlocutorio “TYRON” (2021), “UGLY” poteva rappresentare una trappola per la carriera di Slowthai. Nulla di tutto ciò: il CD è ben costruito e la potenza di alcuni brani lo porta all’ottimo livello del primo suo lavoro, forse anche a migliori risultati.

Slowthai ha da sempre flirtato con il punk e il rock, soprattutto nei suoi brani più sfrenati: Doorman ne è l’esempio più riuscito. “UGLY” recupera quella crudezza che era stata messa da parte in “TYRON”: evidente questa scelta nella doppietta iniziale formata da Yum e Selfish, due tra i migliori episodi del CD. Abbiamo successivamente anche brani più raccolti, come Never Again, che servono come momenti di pausa.

Menzioniamo poi il parco ospiti di “UGLY”, davvero di ottimo livello: Fontaines D.C., Shygirl e Taylor Skye dei Jockstrap fanno capolino ed arricchiscono ulteriormente la ricetta alla base del lavoro. I migliori pezzi sono Yum e Selfish, come già accennato; ma buona anche Never Again. Invece sotto la media Wotz Funny. I risultati, in ogni caso, restano notevoli e fanno di Slowthai una figura di riferimento nella scena rap d’Oltremanica.

Questa leadership si deve anche ad una figura pubblica senza compromessi: Slowthai è colui che ha esibito la testa amputata di un manichino raffigurante Boris Johnson durante i Mercury Prize del 2019. Testualmente, questa onestà estrema si riflette nelle liriche di “UGLY”: Yum contiene riferimenti a varie posizioni sessuali, per poi esplodere in “More coke, more weed… One drinks never enough, excuse me while I self-destruct”. Altrove emergono invece i suoi sentimenti verso ciò che c’è di più prezioso nella sua vita: “I’m thankful for the life that I lead, I kiss my son before I put him to sleep” (Selfish). L’irrequietudine però riemerge prepotente nella title track: “The moment the world stands still, you are not in control”.

“UGLY” è un album davvero riuscito, sotto tutti i punti di vista: musicalmente, Slowthai testa i limiti del rap, allargandone gli orizzonti verso punk e rock alternativo. Liricamente, siamo di fronte ad un uomo depresso ma realizzato, pessimista ma consapevole di essere privilegiato: Tyron Frampton si conferma unico, nel bene come, a volte, nel male. “UGLY” è il suo LP più riuscito ed è il miglior CD hip hop del 2023.

7) Jessie Ware, “That! Feels Good!”

(POP)

Il quinto disco della cantautrice inglese prosegue il fortunato filone incominciato nel 2020 con “What’s Your Pleasure?”, migliorando ulteriormente alcuni aspetti e creando, in conclusione, un quasi perfetto album di disco music. Nostalgico? Forse, ma è innegabile l’appeal che la bellissima voce di Jessie e la perfetta produzione hanno anche sull’ascoltatore più casuale.

L’atteggiamento da novella Donna Summer, anche nel tono vocale, dona molto all’estetica di Jessie Ware, una delle artiste che ha contribuito al revival della disco negli ultimi anni, assieme alle superstar Dua Lipa (“Future Nostalgia” del 2020) e Beyoncé (“RENAISSANCE” del 2022). “That! Feels Good” in questo senso non è un disco innovativo, ma perfeziona tutto quello che già di buono c’era in “What’s Your Pleasure?”: la produzione, affidata a James Ford e Stuart Price, è immacolata. Abbiamo anche una traccia paragonabile alla superlativa Spotlight del CD precedente: Begin Again è trascinante allo stesso modo, pressoché intoccabile.

I migliori pezzi di “That! Feels Good!” sono non a caso i singoli di lancio Free Yourself, Pearls e Begin Again. Molto buone anche la più romantica Hello Love e la title track, mentre sotto l’altissima media del CD sono solamente Beautiful People e Shake The Bottle.

Anche liricamente abbiamo versi importanti, che risuonano con molti: la title track declama il manifesto dell’intero LP, “Freedom is a sound, and pleasure is a right”. “I wake up in the morning and I ask myself, ‘What am I doing on this planet?’” (Beautiful People) è invece la descrizione di una sensazione che tutti abbiamo provato, prima o poi.

In poche parole, “That! Feels Good” è uno dei migliori CD pop del 2023. Tanti potenziali successi, grande coesione, durata ragionevole lo rendono uno dei lavori che si sono meritati la top 10 di A-Rock. Jessie Ware si conferma grande cantautrice e nella parte migliore di una carriera ormai lanciatissima.

6) shame, “Food For Worms”

(ROCK)

Il terzo CD della band punk-rock britannica è il loro lavoro più compiuto. Partendo dalla spontanea rabbia di “Songs Of Praise” (2018) e passando per il punk duro di “Drunk Tank Pink” (2021), gli shame si sono evoluti in un gruppo capace di affrontare con disinvoltura l’indie rock (Adderall) così come il rock psichedelico (Six-Pack) e le ballate (All The People).

I singoli di lancio del lavoro, del resto, avevano creato alte aspettative verso “Food For Worms”: Fingers Of Steel è un ottimo pezzo sospeso a metà tra post-punk e indie rock, Adderall una ballata irresistibile e dal testo davvero toccante, infine Six-Pack è quasi sperimentale. A questo aggiungiamo la produzione di Flood, già collaboratore in passato di U2, Nine Inch Nails e PJ Harvey.

I 43 minuti del CD in questo modo sono davvero gradevoli, non ci sono momenti davvero deboli (forse solo The Fall Of Paul è inferiore agli altri brani in scaletta). I migliori momenti sono Fingers Of Steel e Adderall, buona anche l’epica Different Person.

Accennavamo prima al fatto che anche liricamente il lavoro è davvero riuscito: in Adderall Charlie Steen e compagni raccontano la progressiva dipendenza dai farmaci di un loro amico, “I know it’s not a choice, you open up the doors, then you hear another voice” è il verso più potente. Yankees narra di una relazione tossica: “When you’re down, you bring me down… And that is love, so you say”. Non tralasciamo poi Different Person, che affronta il tema di un’amicizia finita e la sensazione di sconfitta che pervade le due parti: “You say you’re different, but you’re still the same!” suona quasi come una preghiera, destinata ad infrangersi sulla dura realtà.

“Food For Worms” è quindi davvero un LP di grande livello, ma già sapevamo del talento degli shame, tra i principali esponenti della nidiata miracolosa del post-punk/indie rock d’Oltremanica. Ognuno ha le sue preferenze su chi siano i leader (basti citare IDLES, Fontaines D.C. e black midi), ma Steen e co. sono sicuramente dei pilastri della scena rock britannica.

5) Olivia Rodrigo, “GUTS”

(POP – ROCK)

Era uno degli album più attesi fin dall’annuncio della sua pubblicazione: Olivia Rodrigo, la giovanissima stella che aveva rivoluzionato la scena pop con l’esordio “SOUR” (2021), vincendo anche tre Grammy, avrebbe alzato l’asticella, oppure si sarebbe rifugiata nei confortevoli suoni di “SOUR”?

Beh, la verità è che probabilmente siamo di fronte alla più credibile erede della prima Taylor Swift: ansie e delusioni giovanili si affastellano sopra brani pop-rock (all-american bitch), a tratti con accenni punk (bad idea right?), che poi si sciolgono in dolci ballate solo chitarra e voce (lacy). Non siamo di fronte al CD della decade, ma “GUTS” è un ottimo CD, che lancia definitivamente una carriera già promettente.

I singoli di lancio avevano fatto intravedere i due lati del lavoro: da un lato la trascinante vampire, epica ballata che poi esplode in un bellissimo brano rock; dall’altro due canzoni à la Avril Lavigne, get him back! e bad idea right?, che ci riportano ai primi anni ’00. Non scordiamo poi le influenze delle Hole e di Lorde: questo non per denigrare Olivia, ma per dire che nulla si inventa nel panorama musicale moderno. Non ci sono pezzi davvero brutti, logical è sicuramente inferiore alla media, ma viene più che compensato da vampire, all-american bitch e pretty isn’t pretty.

Liricamente, sono davvero numerosi i versi imperdibili, che siano amari o ironici. Citiamo qui i più riusciti: “Everything I do is tragic, every guy I like is gay” (ballad of a homeschooled girl), “When am I gonna stop being wise beyond my years and just start being wise?” (teenage dream), “I want sweet revenge, I want him again” (get him back!) e “Bloodsucker, fame fucker… Bleedin’ me dry like a goddamn vampire” (vampire), il più bello dell’intero CD, forse destinato nientemeno che a Taylor Swift, secondo le malelingue dei social.

In conclusione, “GUTS” mostra che Olivia Rodrigo ha un talento fuori dal comune ed è meritatamente tra le più luminose popstar viventi (anche se poi sono i brani più rock quelli davvero riusciti). Se “SOUR”, come dicevamo nel profilo Rising dedicatogli due anni fa, era un buon inizio, “GUTS” non solo ne è una logica evoluzione, ma rappresenta un progresso sotto tutti i punti di vista.

4) Sufjan Stevens, “Javelin”

(FOLK)

Sufjan Stevens viene da un periodo molto complicato della sua vita: gli è stata recentemente diagnosticata la sindrome di Guillaun-Barré, che lo sta costringendo a reimparare a camminare dopo essersi svegliato una notte improvvisamente paralizzato. Inoltre, il suo partner Evans Richardson IV è deceduto, lasciando un vuoto incolmabile nella sua vita.

Tutto questo tumulto interiore ha condotto a “Javelin”, un album che ritorna al folk che ha fatto la sua fortuna e lo ha reso un’icona del mondo indie. Siamo dalle parti di “Illinois” (2005) e “Carrie & Lowell” (2015), sia come estetica che come temi trattati. La qualità dei suoi album cantautorali è altissima, fin dai suoi esordi: per questo la scelta di pubblicare negli scorsi anni album solisti di stampo elettronico come “Convocations” (2021) e “Lamentations” (2023) aveva lasciato perplessi, pur apprezzando il tentativo di spiazzare il proprio pubblico. Capitolo a parte è “A Beginner’s Mind” (2021), in cui Sufjan aveva collaborato col suo protegé Angelo De Augustine sulla base di un canovaccio prettamente folk.

Vero è che gli album più raccolti di Sufjan spesso trattano temi tragici, come la morte dei propri cari o le pene d’amore, fattori che portano Stevens ad esporsi molto pubblicamente e quindi richiedono un trattamento particolare. Tuttavia, pezzi come So You Are Tired e Will Anybody Ever Love Me? sono di così alto livello che ci fanno sperare che questa nuova stagione sia lunga e proficua. Menzione poi per la lunghissima Shit Talk, che vanta la collaborazione di Bryce Dessner (The National). Inferiori alla media invece Javelin (To Have And To Hold) e Genuflecting Ghost.

Il CD, pur non essendo ottimista, ha una natura ambivalente: da un lato affronta temi tragici, come già accennato, però su basi spesso euforiche, capaci di ribaltare la prospettiva. Prova ne siano There’s A World, cover di Neil Young, e A Running Start. Liricamente, abbiamo alcuni versi davvero toccanti: “I will always love you… But I cannot look at you” (Will Anybody Ever Love Me?), “It’s a terrible thought to have and hold” (Javelin (To Have And To Hold)) e “So you are tired… of even my kiss” (So You Are Tired) sono i più rilevanti.

“Javelin” non è il miglior LP a firma Sufjan Stevens, ma ciò non fa che aggiungere valore ad una discografia ormai leggendaria. Il lavoro ha una qualità unica: saper prendere spunto da ogni passato CD del Nostro, per creare un qualcosa di familiare e allo stesso tempo nuovo. Siamo di fronte ad un artista unico, che sta lasciando segni indimenticabili nella musica contemporanea: complimenti, Sufjan, e buon recupero dalla sindrome di Guillaun-Barré.

3) Caroline Polachek, “Desire, I Want To Turn Into You”

(POP – ELETTRONICA)

Il secondo album solista di Caroline Polachek, un tempo metà dei Chairlift, è il suo lavoro più completo ed ambizioso. Esplorando territori tanto diversi come il flamenco (Sunset), il trip hop (Pretty In Possible) e la trance (I Believe), Caroline si afferma come autrice pop a tutto tondo: i paragoni con Björk e Kate Bush saranno forse prematuri, ma “Desire, I Want To Turn Into You” è davvero strabiliante a tratti.

Uscito il giorno di San Valentino, il CD è in effetti molto legato al tema del desiderio e dell’amore nel senso più ampio dei due termini: Polachek, infatti, ha composto un lavoro tanto sensuale quanto misterioso, con testi a volte diretti (“Salty flavor, lies like a sailor… But he loves like a painter”, da Billions) ma altre criptici (Crude Drawing Of An Angel). Ripetuti ascolti mettono poi sempre più in risalto la bellezza della voce di Caroline, capace di toccare vette altissime e sempre molto espressiva.

Il prolungato rollout del CD, i cui singoli hanno iniziato a circolare addirittura dal 2021 (a quell’anno risale Bunny Is A Rider, uno dei pezzi forti del lavoro), non ha intaccato l’hype dietro “Desire, I Want To Turn Into You”, anzi ha contribuito ad accrescere l’attesa di pubblico e critica: i risultati sono davvero eccellenti e fanno di Caroline Polachek un volto di punta del pop sofisticato. Pezzi come la già citata Bunny Is A Rider e Welcome To My Island sono notevoli; non tralasciamo poi Billions e Sunset. A dire il vero, nessuno dei dodici brani della tracklist è mediocre, forse solo Hopedrunk Everasking è inferiore alla media (altissima) del disco.

In conclusione, “Desire, I Want To Turn Into You” è il miglior LP pop del 2023 e meritevole del podio nella classifica dei migliori album del 2023 di A-Rock.

2) ANOHNI And The Johnsons, “My Back Was A Bridge For You To Cross”

(SOUL – ROCK)

13 anni dopo l’ultimo CD coi The Johnsons, ANOHNI (nuovo nome d’arte di Antony Hegarty, dopo il cambio di sesso) è tornata con la sua fidata band per produrre un album di musica soul, con intarsi di cantautorato e rock. Lontani sono i tempi di “Hopelessness” (2016), il suo esordio solista fatto di musica elettronica difficile e sperimentale: “My Back Was A Bridge For You To Cross” è un CD caldo, accogliente, tra i migliori mai composti da Antony/ANOHNI.

Oltre alla musica, spesso pregevole, abbiamo anche testi spesso molto belli ed evocativi, che trattano problemi attuali come i diritti delle persone transgender e la crisi ambientale: “No one’s getting out of here, that’s why this is so sad” (It Must Change) è la summa del pensiero di ANOHNI, notoriamente pessimista sul futuro del nostro pianeta. It’s My Fault continua su questa traiettoria: “It’s my fault, the way I broke the Earth”. Invece, in Scapegoat il tema portante è la crescente discriminazione verso le persone trans, definite dal narratore “so killable”.

Oltre a questi contenuti testuali, non facili da assimilare ma condivisibili, abbiamo canzoni di grande bellezza, da It Must Change a Can’t, passando per Rest e Why Am I Alive Now?, che rendono il lavoro imperdibile. Solo la troppo breve Go Ahead non lascia una grande impressione sull’ascoltatore, ma i risultati complessivi del CD sono davvero eccezionali.

In conclusione, “My Back Was A Bridge For You To Cross” riporta ANOHNI tra le grandi stelle del cantautorato moderno. I The Johnsons si confermano supporto imprescindibile e il disco è meritatamente al secondo posto nella lista dei migliori LP del 2023 secondo A-Rock; ma siamo sicuri che molte altre pubblicazioni prenderanno in considerazione “My Back Was A Bridge For You To Cross”.

1) Mitski, “The Land Is Inhospitable And So Are We”

(FOLK – ROCK)

Il nuovo album della cantautrice americana di origine giapponese segue di un solo anno “Laurel Hell”, che aveva segnato una svolta verso il pop da classifica imprevista, ma non per questo sbagliata. Anzi, il CD era entrato in molte discussioni anche in direzione Grammy. Tuttavia, questa attenzione mediatica aveva eccessivamente stressato Mitski, che aveva paventato un prematuro ritiro dalle scene.

Decisione fortunatamente rinviata a data da destinarsi: “The Land Is Inhospitable And So Are We” è infatti un lavoro pregevole, per quanto diverso dai precedenti. Folk e cantautorato la fanno da padrone: lontani sono i tempi del pop di “Laurel Hell” così come dell’indie rock energico di “Puberty 2” (2016). Allo stesso tempo, il CD è prova ulteriore del grande talento della Nostra, tanto che la domanda sorge spontanea: è il suo miglior lavoro? La risposta è un sì convinto.

Il CD è coerente, nessuna traccia è fuori posto e la scaletta, con i suoi 32 minuti, è compatta al punto giusto. A tutti questi pregi strutturali aggiungiamo la qualità delle canzoni: Heaven è la punta di diamante della prima metà, ma non scordiamoci The Deal, con grande progressione finale. Nella seconda metà a brillare è Star, ma nulla in realtà è fuori posto. Forse inferiore alla media solamente la troppo breve When Memories Snow, ma è un peccato veniale in un LP per il resto notevole.

Liricamente, il cuore di Mitski continua ad essere triste, ma si intravede una luce all’orizzonte. “I sip on the rest of the coffee you left… A kiss left of you… Heaven, heaven, heaven” (da Heaven) è uno dei versi più romantici ed ottimisti mai scritti dalla Nostra. Altrove invece troviamo frasi più appropriate per la Mitski a cui eravamo abituati: “Your pain is eased but you’ll never be free” (The Deal) e “I’m sorry I’m the one you love” (I’m Your Man) ne sono esempi.

In conclusione, questa estetica a metà tra Weyes Blood e Joni Mitchell, con un tocco di country e di Kate Bush, si sposa benissimo con la Mitski del 2023. “The Land Is Inhospitable And So Are We” può essere un titolo per certi versi minaccioso, ma le sue sonorità calde ed evocative lo renderanno imperdibile per gli amanti dell’indie.

Anche quest’anno A-Rock vanta un podio molto variegato, per sonorità e composizione. Settembre 2023 è stato il mese in assoluto più ricco di uscite rilevanti, con i CD di Mitski e Olivia Rodrigo usciti in quel periodo, ma non sottovalutiamo neanche febbraio e marzo.

Cosa ne pensate? La classifica vi sembra coerente o ci sono dei dischi che avreste valutato diversamente? Stay tuned, perché è già tempo di pensare al 2024, anno bisestile e come tale ricco di incognite… buon anno da A-Rock! Ci vediamo nel 2024 con gli LP più attesi dell’anno che verrà!